Poezibao

(Note de lecture) Dominique Fourcade, Hadrien France-Lanord, Sophie Pailloux-Riggi, vous m'avez fait chercher, par Siegfried Plümper-Hüttenbrink

 
Avis de recherche

Il regarde son index droit qui le désigne à présent, à ses propres yeux, comme le suspect numéro un.
Emmanuel Hocquard

« vous m’avez fait chercher » – et me voilà !

Cité à comparaître, en chair et en os, avec mes traces de vie, mes faits et mes dires exposés en guise de preuves vives dans un livre, et à l’aide desquels j’en suis réduit à « me chercher » à mon tour pour authentifier l’existence de ma propre personne.
Cette comparution, faite de vive-voix, ne serait pas sans augurer de l’entrée en scène de quelqu’un qui sait comme nul autre faire comme ici acte de présence, répondre vocativement d’un appel, se porter témoin de son époque, et en passer si nécessaire aux aveux. Quelqu’un qu’on ne présente plus, même s’il est loin de s’être trouvé, et qui n’est autre que Dominique Fourcade sur l’existence de qui un avis de recherche a été lancé aux éditions POL par Hadrien France-Lanord et Sophie Pailloux-Riggi. Agisssant à titre d’agents de liaisons, ils durent lui faire parvenir toutes sortes de textes et d’images-clefs (de nature picturale, sculpturale, filmique, livresque, photographique, journalistique, musicale, scripturale …) tous liés de près ou de loin à des souvenirs d’évènements susceptibles de lui faire signe, et sous l’emprise desquels il dut se résoudre à répliquer en les légendant par écrit. Ce travail d’investigation, orchestré par trois têtes-chercheuses, dut aboutir à une sorte d’Ovni livresque qu’on ne peut que marquer d’une pierre blanche. Intégralement improvisé au dire du trio de ses performeurs, ce livre n’est pas sans partager l’esprit iconoclaste, bricoleur et ludique, initié par la Revue de littérature générale parue en 1995 sous la conduite concertée d’Olivier Cadiot et de Pierre Alferi, prônant des stratégies de montage-collage et télescopage d’énoncés captés en direct, et qu’un scripteur, agissant en tant qu’agent de liaisons, aurait pour mission de  recycler et réagencer pour les remettre en circulation, tout en interrogeant leur hypothétique provenance et leur possible destination. Ainsi en irait-t-il de vous m’avez fait chercher, ce livre tricéphale, qu’on dira acté à l’improviste, sur le vif, et au risque qu’il n’avorte. Un livre qui finit par interroger sa propre genèse avec deux index lexicaux à l’appui, ainsi qu’une table répertoriant son matériau iconographique. Sans oublier un Préambule de D. Fourcade, émis à titre indicatif sous forme de libellés d’une libellule relatant en survol sa réalisation. S’il dut s’improviser, en état d’extrême urgence, avec la vélocité d’envol d’un trio de volatils fendant l’air, tout me porte à croire qu’il ne fut pas sans susciter des instant de qui vive et d’alerte tel qu’une communication de nature quasi télépathique n’aura pas été sans s’enclencher entre ses trois protagonistes, avec les transferts de pensées qui s’ensuivent dès qu’on recourt à la télécommunication informatique. Car tout trouva à s’effectuer sur écran numérique, par liens et échanges de courriel, dans un incessant chassé-croisé d’images et de textes, et pour aboutir au final à un livre bio-graphique pour le moins hybride, où les mots imprimés d’un poème seraient donnés à voir et les images resteraient à lire tel des traces de vie faisant signe en pleine page. Un livre d’autant plus troublant qu’il est sans pagination, sans bibliographie d’auteur, imprimé en divers corps de caractères, et accompagné d’une iconographie où des tableaux de peintres alternent avec des couvertures et extraits de livres, des pages de journaux, des partitions musicales, des sculptures datant de la préhistoire, des affiches et captures d’images filmiques, des billets manuscrits, des photographies de danseurs, de footballeurs et de volatiles. Un livre que je me suis surpris à vouloir feuilleter en le consultant dans la tourne hasardée de ses pages comme une sorte de livre des « vie s» que Dominique Fourcade aura su mener en les improvisant au cours de sa vie, et ce au gré des folles rencontres qu’il vécut en compagnie de Degas, Matisse, Simon Hantaï, Pina Bausch, Merce Cunningham, Beethoven, Thelonius Monk, David Smith, James Schuyler, Marina Tsvétaïeva, Rainer Maria Rilke, Claude Royet-Journoud, Georges Oppen, et tant d’autres clochards célestes, tous présents au casting de ce qu’il aurait souhaité être un film et qui a fini par devenir aux yeux avisés de Jean-Claude Pinson* « le catalogue d’une exposition virtuelle » dont le moins qu’on puisse dire est qu’elle a trouvé à se monter in situ sous la forme d’un livre multipiste, avec des textes et des images comme accrochés en pleine page, et que nos trois performeurs auront tentés de mettre en regard et en vis à vis en les faisant entrer en correspondance. Ainsi verra-t-on en double page Le Déjeuner sur l’herbe de Manet donner la réplique (du berger à la bergère ?) au Concert champêtre du Titien. Au fil des pages deux poèmes en viennent aussi à communiquer à distance comme Blue de James Schuyler (daté de 1972, extrait de The Crystal Lithium) et l’En bleu adorable attribué à Friedrich Hölderlin, alors qu’il pourrait au dire de D.F. être de Georges Oppen. Tout en passant par un Nu bleu IV que Matisse a réalisé en 1952 sous forme de papiers découpés, et dont la posture n’est pas sans mimer ostensiblement une sculpture acéphale de Rodin datée de 1904 intitulée Fils d’Ugolin. Quant au visage de Madame Cézanne empiergée à tout jamais dans sa pose, il n’est pas sans renvoyer à celui de la Dame de l’Oxus, une statuette provenant d’Iran et datant de 2000 ans av. J-C. Si bien que tout est lié et reste « à faire suivre... »  en s’engageant dans un  livre en forme de labyrinthe, où les multiples bifurcations et croisements entre les images et les textes ne seraient plus de nature fixe et encore moins fixable en terme d’illustrations, mais mobile et permutable d’être en connexion permanente, à l’instar d’un aréopage d’étourneaux en état d’alerte ou d’un site rhizomatique, à pistes multiples, comme Poezibao, ou encore comme cette « exposition virtuelle », amovible au gré de ses visites, tel que nous la livre Dominique Fourcade en compagnie de ses deux agents de liaisons sous la forme d’un livre qui lui est dédié et qui aura fini par le trouver en volatile migrateur, ne cessant d’aller et revenir, entre l’Europe et les États-Unis, et n’hésitant pas à remonter dans ses pérégrinations jusqu’aux grottes de Lascaux.  

Note:  - Jean-Claude Pinson dans son article publié sur Sitaudis remarque à juste titre que toute l’œuvre de Dominique Fourcade est vitalement en prise et en dialogue dans son propre frayage avec les arts plastiques, musicaux et chorégraphiques sans lesquels elle n’aurait pu trouver à se faire et venir à jour. En guise de moteurs de recherche, ces diverses pratiques artistiques l’auront « fait (se) chercher » et se trouver dans sa propre pratique d’écriture. À plus forte raison lorsque le travail d’investigation s’effectue à trois, comme ce fut du reste aussi le cas avec le livre portant en guise de titre les initiales WM, réalisé en 2001 en compagnie de la danseuse Mathilde Monnier et la photographe Isabelle Waternaux au cours de séances improvisées sur haute tension.
On pourra encore noter qu’un titre performatif comme l’avis de recherche lancé par un « vous m’avez fait chercher »  dut en appeler à la fabrication d’un livre à géométrie variable, conviant chaque lecteur à explorer à son tour les multiples pistes de recherche  qu’il lui livre.

Siegfried Plümper-Hüttenbrink

Dominique Fourcade, Hadrien France-Lanord, Sophie Pailloux-Riggi, vous m’avez fait chercher, éditions P.O.L.,  2021, 272 p., 34,90€

On peut regarder cette vidéo où les trois auteurs parlent du projet et du livre.
On peut aussi feuilleter quelques pages du livre sur le site de l’éditeur
fiche du livre sur le site de P.O.L.

(Note de lecture) Françoise Ascal, Brumes,, par Sabine Dewulf

Dans ce très beau livre (papier crème épais, couleurs profondes), Françoise Ascal choisit d’écrire d’après des peintures de Caroline François-Rubino. Il en résulte un ensemble de poèmes attentifs, soucieux d’aborder chacune des six œuvres intérieures à l’aune d’une sensibilité sans excès, tendue vers l’universel. De ce penchant témoignent la diversité des pronoms personnels auxquels la parole est confiée (« tu », « je », « on »), ainsi que l’accord des adjectifs (ou participes passés) au masculin singulier : « encombré du désir de voir / je manque la cible ». Avec sobriété, la poète entreprend d’interroger les multiples aspects de ces Brumes qui constituent le titre : la dimension symbolique : « condamné aux brumes / comme à l’inconnaissance » ; métaphorique : « entrer dans le corps de brume », « brume en forme de linceul » ; lexicale : « j’écris le mot brume / j’écris le mot brouillard », « j’interroge la bruine et la buée » ; sonore : « il fait un temps de bruyère » ; musicale : « qu’est devenu le vaisseau fantôme » ; picturale : « Camille Corot est aux aguets » ; philosophique : « […] ces ombres mouvantes / à peine sorties / de la caverne de Platon » ; linguistique : « derrière un rideau de pluie / je cherche à tâtons / les noms possibles / d’une météo mouvante // Les Inuits ont dix mots / pour désigner la neige » ; et même scientifique : « on les appelle / eaux météoriques / hydrométéores ».

Évitant ainsi tout subjectivisme, ce livre se caractérise également par une grande humilité. Dans sa belle postface, Sabine Huynh note avec justesse : « l’idée que nous nous faisons du réel est si fragile » ; « Françoise Ascal, […] comme tous les poètes clairvoyants, écrit depuis l’invisible ». La poète s’avance à tâtons dans la brume de son propre poème, vers à vers, usant régulièrement du point d’interrogation, le seul signe de ponctuation ici utilisé (« comment peindre le sans poids / d’une aube silencieuse ? »), de l’anaphore lancée comme une antenne chercheuse au sein du brouillard (« tu marches […] » // « tu marches […] » // « tu marches […] », « j’attends […] » // « j’attends […] ») ou de mots dotés d’un sens privatif, comme la préposition « sans » : « sans boussole / sans but / sans désir », « sans avenir », « le sans poids », « sans message »…

Accueillir la brume de l’existence comme celle de l’écriture, tel semble être le vœu sous-jacent. L’épigraphe de François Jacqmin l’annonçait déjà : « L’image obstrue le paysage. » Et si la première page formule un désir de « percer l’obscur / d’un trou d’épingle », il est relégué « au bout de ta vie ». Très rapidement, d’ailleurs, la brume propose son « refuge ».
D’une manière paradoxale, il s’agit, en entrant dans la brume, de dissoudre l’« écran » qu’interposent les « mots » et les « métaphores » entre l’observateur et le réel. Le « je » se dit curieusement « encombré du désir de voir », attend que la brume « voile [s]on regard » et affirme : « trop de lumière aveugle ». Ce qui dissimule devient alors l’auxiliaire d’une lecture du monde aussi patiente qu’un tâtonnement d’aveugle : « mieux que mes yeux / mes mains déchiffrent / l’écriture du silence / mêlée à la parole de l’eau ». Éprise d’une langue qui « bourgeonne / lance des rejets / ronge les fixités » et «  fait tanguer / les chasseurs de sens », Françoise Ascal tente d’apprivoiser l’indicible, dans la douce incertitude de ses pressentiments : « qu’est-ce donc qui palpite / derrière la nuée piquetée de violine ? » Linceul ou berceau, qu’importe, pourvu que la brume dépose sa « promesse de repos / en son évanescence » ! La grâce du poème tient à ce qu’une « fine bruine de mots » puisse être « jetée sur nos certitudes »… 

Cet éloge des brumes s’accompagne très naturellement d’un hommage aux sens que nous négligeons souvent lorsque nous privilégions la vue : « plutôt affûter ses oreilles / ouvrir les narines / dilater sa peau », « déchiffrer les messages élastiques / lovés sous la plante des pieds ». Entrer dans « le corps de brume », c’est donc s’incarner différemment, sans rien rejeter, sans même s’interdire de « rêver le réel » ou de « croire aux vérités cachées ». C’est retrouver l’espace de la marche et d’une perception plus fine, aiguisée par l’ignorance : « qui suis-je que sais-je / demandent les philosophes antiques ». Voilà qui encourage un certain hédonisme, un accueil amoureux de la réalité et du langage, délivré du préjugé : « adore la surface mouvante des choses / adore les formes les sons les mots / le ruissellement sans fin / tout ce qui court / sur la fine peau du monde ».   

Quant aux huiles sur toile – superbes – que Caroline François-Rubino retravaille aux pastels, elles ponctuent cette exploration aimante de paysages indécis, cotonneux, aux confins de l’abstraction. Elles en favorisent la lenteur, invitent à la pause. De leur côté, les poèmes pointent sans cesse vers l’énigme de ces peintures qui laissent entrevoir la profondeur du réel enveloppé dans la brume : promesses de l’azur ou d’un espace herbeux, esquisse d’un versant, éclat lointain du ciel, floraison de hachures, foisonnement de verdure…     

Sabine Dewulf


Françoise Ascal, Brumes, peintures de Caroline François-Rubino, postface de Sabine Huynh, Aencrages & CO, 44 p., 21 €.
On peut lire des extraits de ce livre dans l’anthologie permanente de Poezibao

(Note de lecture) Didier Cahen, Contes d'avant l'heure,, par Stéphane Barsacq

Didier Cahen,
Le conte de l’autre en amont

Riche d’une œuvre qui se partage entre poèmes et essais, une œuvre d’une longévité qui force l’admiration d’autant qu’il a su faire sienne l’injonction de Baudelaire selon laquelle « la fidélité est un des signes du génie », puisqu’il ne cesse de célébrer ses amis Jacques Derrida, André du Bouchet, Maurice Blanchot ou Marcel Cohen, une œuvre par ailleurs où les vers de forme brève alternent avec les méditations écrites au long cours, Didier Cahen publie un nouveau recueil, Contes d’avant l’heure (Tarabuste). Mais comment entendre ce titre à l’ironie douce-amère ? S’agit-il d’histoires merveilleuses ? De compte de raisons ? Voire d’un hommage déguisé à Lautréamont et à son titre de comte, lui qui fut, avec Rimbaud, l’un des inspirateurs du surréalisme ? On peut aussi bien songer à Max Jacob ou à Robert Desnos. Mais voici que Didier Cahen déjoue tout ce que l’on sait de lui, et remet en jeu ce qu’il a écrit, en le mesurant en arrière, comme en avant de lui-même, et d’une œuvre marquée par l’austérité et la verticalité : en arrière, car l’enfance appuie ; en avant, car la mort apparaît : et comme telle : réelle, terrible. Se dessine d’abord un paysage qui n’est pas sans évoquer le Voyage d’hiver de Schubert, comme revu et corrigé par Edmond Jabès. La neige et le sable se répondent, comme la blancheur et la viduité, sous le regard d’un ange bienveillant, même s’il est question d’un « voyage » qui « n’aura jamais lieu », autrement que sur la page et dans la musique de cette poésie si proche du silence dans son effacement que ce silence déchiré devient audible dans son lointain. L’ensemble du livre se déploie de même : il y est question de nuages, de papillons, d’une pluie fine, d’une porte ouverte, avec, en présence, une ombre, un chuchotement, un déséquilibre de tout l’être, même si celui-ci est si léger, dans ses nuances, son élégance, son prestige invisible, qu’on en vient à parier, dans son incertitude, qu’il va s’envoler, s’échapper, se métamorphoser. Tout l’art de Didier Cahen tient à cet équilibre poignant entre des apparitions à peine marquées et disparitions, qui laissent inconsolable, malgré la récitation de ces contes doux et tragiques. Un livre qui ajointe le presque-rien à un je-ne-sais quoi, comme on le voit chez Hammershøi ; une voix sensible et chaleureuse qui se porte au-devant des désastres et murmure ses ariettes.

Stéphane Barsacq

Didier Cahen, Contes d’avant l’heure, Tarabuste, 2021, 80 p., 12 €

On peut lire des extraits de ce livre dans l’anthologie permanente de Poezibao.

(Note de lecture) Robert Alexis et Corinne Jeanson-Valleggia, Écriture en écho, par Christophe Esnault

Fragmentation de l’écho ou /et fragments et échos.

Je ne lis plus de romans (après en avoir lu beaucoup). La Robe de Robert Alexis paru en 2006 chez José Corti, ça avait été un événement dans ma vie de lecteur. J’avais avancé fébrilement dans La Robe comme si Alexis était un auteur russe (labyrinthique) classique. La Robe se pose en classique de la littérature. Je ne vais pas tenter de vous parler de ce livre là que tout le monde a lu (ou lira). Alors quand cette année Alexis fait paraître un ensemble de poèmes avec Corinne Jeanson-Valleggia, mon avidité à lire ou à avaler de la poésie, ne m’autorise pas vraiment à passer à côté de cet ensemble de poèmes, à mi-chemin entre des poèmes écrits en écho (en poursuite, pour en revenir aux animaux sur la couv’) et la correspondance amoureuse. Une lecture addictive. Aussi bête que cela : ce qu’on lit est très beau et les pages se tournent d’elles-mêmes. Faudrait-il détenir une science pour en dire davantage alors que l’on peut simplement les donner à lire, ces poèmes :

(page de gauche)
Mes cheveux mouillés de sueur
Séchent maintenant au vent de la falaise.
De même les vêtements cuits au bain brûlant, attendent
le panier
De même, tout,
Au vent étourdissant de la vie et de la mort,
Les couloirs et les rais de lumière.
Mes cheveux et mon corps sèchent au bord de la falaise,
Je suis vivant, je suis vivant.

(page de droite)
Mes cheveux mouillés en méduse
Sèchent au vent des comètes,
De même les vêtements, étendus aux infinis,
Attendent les matins.
Au vent étourdissant,
Je m’étends entre la vie et la mort,
Les plages, les falaises, les gouffres,
À leurs ondes vibrantes je puise
Mille et une pages vivantes.

Christophe Esnault

Robert Alexis et Corinne Jeanson-Valleggia, Écriture en écho, PhB éditions, 2021, 165 p., 12€

Le dessin de couverture, Combat du petit renard et du lynx, est de Delphine Gigoux-Martin. Son site

Le site des éditions PhB

La Robe chez José Corti

(Note de lecture) Jean-Louis Giovannoni, Le Visage volé, poésies complètes 1981-1991, par Antoine Bertot

Le Visage volé recueille les poèmes de Jean-Louis Giovannoni écrits entre 1981 et 1991, inédits ou bien déjà parus aux éditions Unes, Le Temps qu’il fait, Lettres Vives... Il donne ainsi accès à des textes épuisés ou d’abord publiés à petits tirages. François Heusbourg, dans sa préface éclairante, explique un choix éditorial important concernant cet ensemble : « Nous n’avons pas cherché à masquer les répétitions inhérentes à l’œuvre et aux obsessions de l’auteur, tant il nous apparaît qu’elles manifestent la matrice profonde qui alimente la poésie de Jean-Louis Giovannoni ». En effet, de poème en poème, de page en page et quasiment de vers en vers, les mêmes motifs sont repris : l’arbre, les oiseaux, le vent, les mains, les gestes, le visage, l’absence… C’est avec peu de mots que le poète travaille et s’obstine. On pense souvent à d’autres auteurs (Guillevic, Du Bouchet, Emaz par exemple) qui, tout au long de leurs livres, cherchent moins à étendre le territoire de leurs mots qu’à le creuser, à l’épuiser, à le sonder sans fin.

Ce repli de la langue n’est pas un appauvrissement du poème. Il naît avant tout d’une sensation de retrait des choses au sein de la langue : « Combien de fois ai-je essayé de glisser un corps, un objet… dans mon écriture pour la peupler, sentir leur simple absence dans mes mots. […] / Pourquoi demander aux mots de contenir ce qu’ils ne peuvent contenir ? / Simplement pour sentir leur passage, rien que leur passage ». Le mot, provoqué par le monde, une fois écrit, se vide. Nommer ne fixe rien, ne fait entendre qu’un souffle (« Il s’agit presque plus de respirer / que d’écrire »). Le poète se tient en ce sens toujours au seuil de ce qu’il désigne. Reprendre, redire, recommencer, métaphoriquement relancer le pas, cela revient en somme à prendre le parti de la faille du langage et, lucidement, à la considérer comme sa paradoxale « demeure » : « Aller / la demeure est toujours / dans le pas qui vient ».

Dans Le Visage volé, cette perpétuelle dépossession peut revêtir deux visages. Elle est un obstacle, en ce sens que les mots n’atteignent rien de ce qu’ils disent et maintiennent ainsi toujours « derrière la vitre » ; elle est aussi, malgré la « fatigue », ce qui entretient l’élan, la « soif », cet « horizon » qui « annonce » un ailleurs qui attire et « appelle ». Au fil des poèmes, il semble d’ailleurs que cette seconde voie devienne l’énergie de la poésie de Giovannoni. La répétition ne recouvre en rien un quelconque échec de la poésie, elle n’est pas non plus le signe d’une immobilité. Au contraire : « Nos mots n’existent / que pour nous porter / au-delà de nous-mêmes ». Parce que la langue ne permet pas de toucher le monde, parce qu’elle en dérive, s’en écarte et s’en exile, le mot est un « pas », une négation et une avancée, une empreinte et un effacement : « Écrire, c’est chercher sans cesse un point d’appui ». Le poème ne vit que de cette apparente limite, qui en est la matière : « Ce qui ne peut être dit / ce qui ne peut être donné dans les mots / ce qui ne peut trouver lieu dans notre langue / a son mouvement dans le mouvement de l’écriture ». L’approche sans fin de l’écriture et son écart vis-à-vis des choses contredisent le silence, y puisent, et deviennent « musique ».

Si la poésie de Jean-Louis Giovannoni est habitée par la mort, elle s’élabore contre elle, tout proche, à la recherche toujours d’une improbable « aube » (« Comme si l’aube allait naître de toi »). Elle prend du moins exemple sur la « source » : « L’écriture tient, en chacun de ses mots, / sa source et sa soif ». Le titre du recueil, Le Visage volé, laissait entendre certes quelque chose d’un deuil et d’une disparition subie. Or il n’y a rien de plaintif ici, rien d’une « souffrance », si ce n’est dépassée par l’écriture puisque son cœur bat précisément là où les choses et le corps se perdent : « Tu parles, tu écris pour que les choses / ne coïncident plus avec elles-mêmes ».

Antoine Bertot

Jean-Louis Giovannoni, Le Visage volé, poésies complètes 1981-1991, Editions Unes, 2021, 233p, 25€.


Extraits
Le Geste
II
Ta vie n’est due
qu’au vol d’un oiseau

qu’au mouvement
d’une branche dans l’air

qu’à ce peu de chose
qui ouvre l’espace
et te fait apparaître.


Tout ce monde invisible
qui n’attend
qu’un pas de toi
un seul geste
pour être appelé.

Ces pierres
ces oiseaux
ces yeux
autour de tes gestes.


*


D’autres
attendent que tu fermes les yeux.

Tu ne dois pas savoir
ce que ton corps libère.

Tu marches

et des arbres viennent dans tes pas.


*


Le vent est un geste
que tu portes en toi

et en lui
tu t’en vas.


Est-ce pierre
ou bois
qui bouge en moi ?

Est-ce animal
ou eau ?

Qui aujourd’hui viendra ?


passage Saint-Pierre-Amelot

Le Visage volé, poésies complètes, Jean-Louis Giovannoni, p.104-106.

(Note de lecture) Yves Boudier, n'y point penser, par Florence Trocmé

Titre pascalien que celui du livre d’Yves Boudier. Magnifique titre. n'y point penser, citation de Pascal : Les hommes n’ayant pu guérir la mort, la misère, l’ignorance / ils se sont avisés, pour se rendre heureux, de n’y point penser.

Trois termes ici, la mort, la misère, l’ignorance qui vont déterminer la construction du livre en trois parties. Ponctuées magnifiquement par les monotypes et dessins de Léa Gerchounouw. Si, bien souvent, on s'interroge sur le rapport entre texte et image, ici il s’agit d’un véritable duo, en particulier sous un aspect qui semble important dans tout le livre, la rupture, l’entaille, la césure. On est frappé de la récurrence des mots évoquant la coupure, la blessure, la morsure : mordue (28), scarifiée (29), fers (30), épines (32), lames (33) affilé, pinces, griffes (34), voici quelques relevés faits dans la première séquence [mort].

Les poèmes sont très noirs, comme les images, et comportent très peu de mots. Variations autour de la mort, ou autour de n’y point penser, à la mort ? On ne sait. Plutôt creusement du thème, du double thème, la mort et le déni de la mort. « Rampant-creusant dans la nasse » (30).
n’y point penser, croyez-vous ? semble dire Yves Boudier. On sait le grand thème du divertissement chez Pascal, on connaît ses remarques sur l’homme incapable de rester seul dans une chambre. Pas de divertissement possible ici et la solitude, assez terrifiante, assumée. Même si dans les images, on perçoit comme des percées, des ouvertures, des failles vers la lumière. « La nuit sangle les cœurs ».

Parfaite économie de moyens, on n’est pas dans un registre de la danse macabre, ni dans une évocation baroque de la mort, ni même sur le thème des vanités (cher à Yves Boudier). Peu de mots, répartis le plus souvent en distiques distribués fer à droite et fer à gauche (voir la sélection de poèmes publiés conjointement dans l’anthologie permanente du site), peu de verbes, des images, des constats.
Cette note peut-être : « L’intention si / fragile /// de durer / seul // quand le corps / trahit ///suspend le drame // au fil de / l’âge. (37) Les poèmes comme « chambres / d’anoxie » (39), où il ne reste que peu pour respirer, peu à respirer. n’y point penser, vraiment ?

Après la [mort], la (misère] : peut-on fuir « l’acide du /jour » ? Se détourner de « l’agenda du / vide » ? On remarque les coupures du vers entre le nom et son complément, comme une toute petite place, vite refusée, au n’y point penser ? Tout cela est-il la faute de la « langue primitive / perte native » ? Alors quid de l’[ignorance] : « se plie se fronce / la pensée ». De nouveau, constat de l’« Écho trahison / de l’étreinte verbale ». Y compris donc du n’y point penser ? Yves Boudier met le lecteur devant « L’éclosion désormais / stérile //// d’une parole / vivante » (67). Avec ici, en filigrane, une réflexion presque politique sur le temps présent et « l’empire du plaisir ».

C’est un livre sombre que donne ici celui qui pourtant agit, construit, défend à longueur d’année la parole vivante, celle de la poésie, celle des écrivains, au travers de toutes les missions qu’il assume (Que l’on songe simplement au Marché de la Poésie).
Si l’on voulait situer les échos entendus en le lisant, on pourrait évoquer Claude Minière ou Cédric Demangeot. Mais c’est surtout la belle voix, forte et sans concessions d’Yves Boudier que l’on entend ici.

Il faut enfin souligner le très beau travail éditorial des Éditions du Paquebot, reproductions remarquables des noirs des monotypes et dessins, très belle typographie, choix des papiers. Détail concret : le côté un peu rugueux de la couverture lorsqu’on a le livre en main et qu’on le lit, comme un rappel que : n’y point penser, vraiment ?

Florence Trocmé

Yves Boudier, n'y point penser, Éditions du Paquebot, 2021, 80 p., 18€.

(Note de lecture) Maël Guesdon, Mon plan, par Sébastien Dubois

Le plus surprenant dans le livre de Maël Guesdon, c’est le suspense qui saisit le lecteur ; à chercher qui est le narrateur, et comment tout cela va finir (dans le cul d’un chien). Et bien sûr on aura la réponse sans l’avoir. On sera autant surpris que le narrateur dont le plan ne cesse de lui échapper. Le livre s’écrit en petits blocs de prose, comme des carrés ; c’est une sorte de jeu de cubes que le lecteur doit construire, et il y a d’ailleurs plusieurs voies possibles pour construire ou reconstruire le livre. La ponctuation, virgules et deux points, vient découper ces carrés de prose, pour donner son rythme au monologue, un jeu entre syncope et continuité tout au long du livre. Maël Guesdon a écrit une thèse sur Deleuze et Guattari, et la ritournelle : ça commence partout, et notamment par le milieu.  

La scène d’ouverture expose le personnage, assis parce qu’il fait chaud ; elle subvertit déjà le genre, on n’est pas dans un roman : on saura peu de choses du narrateur, tout est dans les sensations (la chaleur), comme si l’intrigue était dans la perception que le narrateur a du monde. « Une chose dans le monde en apparence tombe » ; « tout se situe juste avant là où je suis ». Le narrateur tente, il n’y parvient pas toujours, de ramener à la surface des expériences vécues ; le livre brouille la chronologie, ainsi l’enfance remonte à la surface, au présent, parce que le plus profond c’est la peau : « la peau laisse percer par transparence une tache grise ». Le narrateur rencontre des personnages dont on ne sait trop d’où ils sortent, père, mère, frère dont il partage la chambre ; tout reste au présent, affects, percepts, et c’est encore une image deleuzienne qui me vient : le narrateur est traversé de flux, au ras de l’expérience, une expérience nue, dénudée, à la fois flottante – d’où vient-elle ? – et précise. Le narrateur tente de saisir la réalité extérieure, gouverné par ses sens : « je me sens proche d’où je suis, pourtant très détaché. Je sais bien que la terre tourne autour du soleil, depuis des années. Mais jusqu’à maintenant, je vois, chaque, jour, le soleil tourner autour de la terre, et je n’en fais pas un drame ».

Ainsi des flux de matières, tel le mercure dont le narrateur a peur d’être « pris dans les fils » ; et on peut y entendre le jeu de mots (il est question du frère dans la même page) : les percepts suscitent des affects, plongeant dans l’expérience, la mémoire, mais cette mémoire est encore une fois tout entière au présent, elle ne vaut que dans ces affects et ces percepts. Le monde s’incarne ; ces incarnations suscitent peur ou plaisir ; on a dans Mon Plan tout un bestiaire, notamment de petits animaux, qui signalent combien le monde est aussi menaçant ; les insectes, l’araignée, la vrillette aux ailes dorées « horloge de la mort » qui mange le bois humide et rappelle, la nuit, que le temps passe, effraie autant le narrateur que sa mère (on pense à Lautréamont évidemment), les vers « solitaires [qui] peuvent entrer et vivre dans nos ventres ». Mais les araignées dispensent aussi « les signes que le vivant produit ». Le livre bruit d’une sourde angoisse, qui n’est rien d’autre que la présence physique au monde.

Le livre de Maël Guesdon est donc un livre spéculatif : le monde est une surface parcourue de flux que l’on éprouve. Un livre spéculatif, mais pas « philosophique » : tout se passe dans la langue, la langue qui est le lieu des affects et des percepts. Le monde n’existe que dans la phrase qui le fait venir à la surface : « j’occupe en morceaux ce qui se fait à ma place : les morceaux flottent en périphérie des mouvements et des phrases » ; ou encore « les phrases que j’entends me promènent comme on promène un chien » ; des phrases parfois libèrent le narrateur. On connaît la vieille (et discutée) distinction où Sartre isolait la poésie, du poète immergé dans sa langue (1), du poète qui sert la langue là où le romancier se sert de la langue, et si je pense à Sartre c’est que Mon Plan se déploie dans la langue comme un éventail ; et peut-être le « plan » c’est la langue, tel le jeu avec les répétitions « on fixe un endroit : la main s’approche de l’endroit […] si elle [la main] touche au bon moment les bords, qui, touchés, dessinent le bon endroit…. ». Comme si la langue seule pouvait former des affects ou des percepts, et qu’il ne fallait attendre une issue (une solution ?) à l’intrigue que dans la langue.

Sébastien Dubois

Maël Guesdon, Mon plan, éditions Corti, 2021, 96 p., 16€

Lire un extrait du livre

1. Jean-Paul Sartre, Qu'est-ce que la littérature ?, Paris: Gallimard, 2005.

Sur le site de l’éditeur :
Dans un chalet de vacances, une famille asperge des tas de vêtements regroupés en remparts autour d’eux. Des insectes nocturnes frappent leur tête contre les murs. Un enfant disparaît très brièvement dans un lit trop grand. Deux amis mettent à l’épreuve de la réalité la théorie selon laquelle la pâtée pour chat a le même goût que les araignées. Mon plan se présente comme une série d’expériences vécues par un narrateur tout à fait consentant, qui tente, plein de bonne volonté, de ramener au présent tout ce qui ne l’est pas. Souvenirs, projections, conjectures, hypothèses. Il tourne autour de quelques questions qui portent sur les présences fugitives dans sa vie : Pourquoi tue-t-on les araignées ? Comment s’installe une image ? Que faire d’une scène qui se répète ? Mais l’expérience tourne mal, et voilà le narrateur pris dans le devenir-intrigue de quelques motifs récurrents qu’il n’a pas vraiment vus venir.

Maël Guesdon a publié Voire (Corti, 2015). Avec Marie de Quatrebarbes et Benoît Berthelier, il coordonne la revue La tête et les cornes et a co-traduit Discipline de Dawn Lundy Martin (Joca Seria, 2019).

(Note de lecture) Liliane Giraudon, Polyphonie Penthésilée, par Anne Malaprade

 

Penthésilée fait voler en éclats le poème espagnol octosyllabique auquel fait écho le terme de « Romance » convoqué par Liliane Giraudon sur la quatrième de couverture de son dernier livre. Cependant, l’héroïne grecque ressuscitée évoque bien, soutenue par de multiples voix féminines, des sujets historiques, épiques et amoureux. Il va être question de guerres, d’épidémies, de crises sanitaires, mais aussi d’amour et de sexe, de poésie et de littérature. Si l’amour est plus froid que la mort, la poésie peut-elle être plus chaude que la prose, et la femme plus ardente que l’homme ?

Magnifique Penthésilée qui se bat, tombe amoureuse, tue, dévore, et dont la phonè traverse les dernières pages du livre : « sa voix d’argent traversée par le vent/libre et joyeuse/étincelante/dans sa petite armure/elle respire à grands traits ». Ses gestes décisifs et tranchants s’attaquent désormais à la langue, puisque c’est au tour de cette dernière, après Achille, d’être mise en pièces : en tout cas malmenée, coupée, montée puis remontée. Le titre repose sur les allitérations en [p] soutenues par deux termes comportant chacun quatre syllabes : un meurtre, une décapitation, une lacération a lieu dans ce livre qui mitraille, abat, déchire. Qu’est-ce qui est visé ? L’histoire des représentations, l’histoire de nos imaginaires, tout ce que les livres, légendes, contes, mythes charrient, mais surtout tout ce qu’ils cachent ou mettent de côté. Les amazones, ici, ce sont les femmes qui écrivent, accompagnées néanmoins de rares figures masculines telles Antonin Artaud, Théophile de Viau ou Gérard de Nerval, rebaptisés « frères en amour ». Héroïnes tragiques (Penthésilée), saintes (Agathe), poétesses (« La Stein » et « La Dickinson »), elles révèlent qu’il y a bien quelque chose de pourri dans le royaume de l’humanité. “Something is rotten in the state of Denmark”, murmurait Hamlet. La pourriture apparaît effectivement comme un motif dominant dans les cinq chapitres qui composent cette romance atypique. « Exposition de moments opératoires » : le corps vomit et la langue, déjà morte, menace d’exhaler une odeur nauséabonde. « Le conte de fée est un déchet » : il est nécessaire de s’arracher à ces illusions narratives qui maintiennent les dominés dans leur position de domination. « Ce que les femmes font à la poésie » : sans doute révèleront-elles que celle-ci est aussi faite de rebuts et de désastres. « Le pourrissoir reste une activité du clan » : affronter la pourriture, la traverser, la décliner, plutôt que se vouloir alchimiste voué à la révélation des matières les plus nobles. « Déchirablement » : cet adverbe, qui parcourt l’ensemble du recueil, s’impose enfin comme titre lors de la dernière section, alors que, dans un premier temps, les convenances lui préféraient celui de « tendrement ». Il indique tout à la fois un processus et une manière, une visée et un geste par lesquels les femmes touchent à l’intouchable : soit le corps, le sexe, la Littérature, nos images mentales, nos goûts et nos dégoûts. Déchirer la cuisse de l’homme, la mordre, s’y perdre, comme le fit Penthésilée. Déchiqueter et découper la prose, la sérier, la dupliquer, l’isoler, la fragiliser, ainsi que l’exécute Liliane Giraudon. Se laisser arracher la poitrine aussi, comme sainte Agathe, parce que le trou, le manque et la béance disent quelque chose de la condition des femmes qui, lorsqu’elles ne sont pas objectivées par les hommes, peuvent subir les assauts de la maladie, et notamment ce cancer qui ronge certaines parties de leurs corps.

 « La poésie est inadmissible, d’ailleurs elle n’existe pas », écrivait Denis Roche. Le poème, « intenable » plutôt qu’inadmissible, est « renversé » par les amazones. Les femmes, vouées au trou, à tous les trous, relancent les questions dans le feu d’une nouvelle bataille, et tant pis si elles s’y perdent et ne trouvent aucune réponse dans le monde tel qu’il est conçu, pensé et représenté par les hommes : « maintenant alors/que faire/de la politique/du bois/de la peine/de la poésie/le dîner/n’importe quoi ». Si les poètes transforment la boue en or, le « clan » des femmes repère les « tendres excréments », les déchets, les rebuts derrière ce qui brille et ce qui fascine. Et c’est grâce à ce « travail de femme » sur des matières oubliées que les « fleurs farouches » — « rose au cœur violet », « jasmin », « bulbes de dahlia », « mimosa » —, parsèment tout le texte de leurs couleurs les plus folles.

Encre, foutre, pus : ces trois liquides parcourent l’ensemble du livre. Ils infiltrent les papiers et les corps, ils disent la maladie et la pulsion, mais aussi la création et la sublimation. L’encre, en tout cas, permet de libérer les morts, qui sont aussi des mortes. La « prose horizontale », le « fatras », et les « poèmes allongés » sont le fait des femmes, exhibant « ce que les femmes font à la poésie ». Elles vont chercher le bizarre et l’effrayant, elles déterrent l’inouï, elles osent le nouveau — « quelque chose à sortir/quelque chose » — comme une nouvelle langue dans la bouche, une nouvelle langue dans le sexe, entre les cuisses, entre les êtres, entre les genres. Texte ardent, fiévreux, inquiet, Polyphonie Penthésilée a le goût d’un « fruit magique » qui réveille les amants disparus et soutient les vivants : « il faut choisir/se reposer ou être libre/c’est Thucydide qui l’écrit ». Liliane Giraudon opte pour une « langue de voyou/avec du féminin en pagaille/sons et sentiments », inconfortable et libératrice. Et le spectacle engagé est total : Polyphonie Penthésilée participe de l’épopée autant que de l’opéra : miracle (de) papier.

Anne Malaprade

Liliane Giraudon, Polyphonie Penthésilée, Romance, P.O.L, 2021, 140 p., 18€

(Note de lecture) Guillaume Artous-Bouvet, Poésie et autorité, par Jean-Nicolas Clamanges

 

En complément des extraits du dernier livre de Guillaume Artous-Bouvet, publiés hier dans le cadre de l'anthologie permanente de Poezibao, voici une note de lecture d'un livre antérieur de l'auteur, un essai intitulé Inventio - Poésie et Autorité, note proposée par Jean-Nicolas Clamanges.

Elle est ici publiée au format PDF à ouvrir d'un d'un simple clic sur ce lien.

Guillaume Artous-Bouvet, Inventio – Poésie et autorité, Hermann, 2019, 25 €

(Note de lecture) Monchoachi, Fugue vs Fug - Lémisté 3, par Eric Eliès

 

A travers le cycle « Lemistè » dont le troisième volume, intitulé « Fugue vs fug », vient de paraître, Monachoachi explore les identités plurielles qui composent l’identité créole, dont l’ipséité complexe, à la fois réelle et fantasmée (ce que souligne très bien le titre d’un recueil d’Edouard Glissant : « pays réel, pays rêvé »), incarne charnellement l’histoire des Caraïbes, terre de rencontres et de confrontations tragiques entre plusieurs civilisations et rapports au monde… Dans « Partition noire et bleue »,  le tome second du cycle, paru en 2016 également chez Obsidiane, Monchoachi s’efforçait, avec une écriture précise et redoutable comme le dévoilement d'un savoir hermétique, de retrouver le souffle de la parole originelle qui a façonné le rapport au monde spécifique des civilisations africaines et, dans une sorte de chant de liturgie païenne rendu polyphonique par le mélange des langues française et créole, de provoquer une résurgence des cosmogonies africaines qui lient l’homme et l’univers. Cette poésie célébrait et ritualisait les forces mystérieuses qui animent les êtres et les choses dans un cycle cosmique et parvenait, en l’amalgamant au créole, à transformer la langue française en support d'une parole poétique et d'une pensée mystique totalement coupées de ses racines culturelles européennes. Ces racines sont au cœur de « Fugue vs fug » où Monchoachi, qui vit en Martinique et porte un regard lucide et engagé sur la société antillaise (il est le fondateur de Lakouzémi, qui cherche à libérer la parole publique du formalisme politique), dénonce l’impasse de l’Occident dont l’hégémonie séculaire a asservi (via la colonisation puis via le capitalisme) l’humanité à des principes mortifères qui précipitent le monde à sa perte, sous des apparences trompeuses de rationalité qui suscitent l’illusion que son modèle civilisationnel est le seul légitime.

On aurait pu s’attendre à ce que Monchoachi choisisse en angle d’attaque la religion chrétienne, plaçant l’homme au centre de la création divine et lui promettant la vie éternelle pour nier la mort (mort qui est la clef du sentiment de notre présence au monde, et la clarté qui illumine la fragilité de l’instant présent pour en révéler la beauté miraculeuse), ou le pillage et les violences faites au monde depuis la révolution industrielle, ou (d’autant que la question de l’esclavage est toujours une plaie à vif dans l’inconscient collectif antillais) la volonté de puissance de l’Europe explorant les mers à la conquête de terres lointaines puis en quelques siècles colonisant et s’appropriant la planète, ou même la crise récente du covid, qui (avec une violence exacerbée aux Antilles en cette fin d’année 2021) a démasqué les faillites de notre organisation sociale et les déroutes de nos vies individuelles, engluées dans l’abstraction des marchés et des réseaux et asservies à un système économique incapable de leur donner du sens. Non, Monchoachi remonte le plus en amont possible, en se confrontant au « miracle grec », à cette révolution intellectuelle surgie dans le monde antique et qui constitue le fondement de la civilisation occidentale. Le miracle grec est en général assimilé à l’invention de la philosophie et au triomphe de la logique rationnelle (symbolisée notamment par les ouvrages d’Aristote), dont la puissance conceptuelle permet de comprendre et maîtriser le monde, mais Monchoachi en met à jour les racines : l’invention des voyelles dans une écriture jusqu’alors consonantique, qui a démultiplié toutes les possibilités du langage et de la pensée que ce langage véhicule. Mais la langue écrite, ainsi parée par les voyelles des beautés et des charmes de la parole parlée, est devenue une totalité autonome qui a engendré une parole solitaire, qui se suffit à elle-même, sans plus besoin du répondant qu’exige l’oralité. La parole écrite s’est retranchée du monde en s’enfermant dans ses concepts, jusqu’à devenir inhumaine. Telle est la puissance (puisque cette capacité de conceptualisation a permis l’essor des sciences et des techniques) et la malédiction (puisque cette puissance s’est retournée contre elle) de la civilisation occidentale qui, coupée de la réalité du monde, détruit l’humanité et le monde.

L’écriture poétique de Monchoachi, qui me semble – par des procédés très différents – faire écho à celle d’Yves Bonnefoy se méfiant du leurre des images et des concepts nous voilant la présence du monde, est portée par une pensée exigeante et rigoureuse, que reflète la très grande minutie de composition du recueil. Avant le propos liminaire (sur lequel je reviendrai), le synoptique disposé en début d’ouvrage comme la table des matières d’un ouvrage de philosophie ou de savoir initiatique, divisé en mouvements, sections, chants (comme un retour à la parole orale) et poèmes, annonce au lecteur prêt à en franchir le seuil que le recueil a été conçu comme un ensemble cohérent, qui impose d'être lu dans le respect de son unité et de sa progression. La gravité lapidaire des titres (Aria / La Gaya / L’innocence / L’oubli / Le déjouement / La déjoiance / La devotio), que souligne le soin extrême porté à la mise en page et à la typographie (avec par exemple, dans le synoptique, une inversion, comme un effet de miroir, dans la numérotation et la police de caractères du titre des mouvements et poèmes), affiche que cette poésie n'est pas un jeu gratuit d'éloquence. Touchant aux mystères et au sacré, elle exige d'être déchiffrée et méditée pour être comprise. Lire la poésie de Monchoachi est une expérience ardue et souvent déstabilisante. Comme les autres recueils du cycle « Lemistè », « Fugue vs fug » frappe par l'extraordinaire inventivité de la langue, qui emmêle le français (parfois entre guillemets comme les citations d’une langue étrangère !) et le créole de toutes les façons possibles, de la quasi onomatopée aux formules poétiques sublimes et très littéraires, avec, dans le texte mélangeant français et créole, des résurgences de grec, de vieux français et des bribes d’espagnol, de latin et d’anglais, avec des ruptures de ton (non dénuées d’humour comme cet inattendu « alaize blaize » !) et de violents décrochages assumant une palette allant du sexuel, par l’incarnation charnelle des voyelles (« les saintes filles », qui s’entrelacent, gracieuses, avides et lascives), au sacré, par l’évocation des mythes antiques (Danaos, les Furies, les Danaïdes, l’Hadès, etc.) et du christianisme (par des allusions liturgiques presque sacrilègement parodiques !), avec de multiples néologismes qui estompent les frontières entre les univers linguistiques et réalisent une étonnante symbiose sans équivalent dans la poésie contemporaine et, peut-être, dans la littérature mondiale… On perçoit chez Monchoachi la volonté, avec une intensité que je n’ai ressentie que chez James Joyce, de produire une œuvre parlant toutes les langues, multiple et insaisissable, qui ose aller jusqu'aux limites de l'inintelligibilité, dont le sens ne s’épuiserait qu’au terme de relectures infinies…   

La lecture s’apparentant à une immersion en apnée dans une écriture expérimentale et sibylline, grand est le risque de faire hésiter le lecteur, comme au seuil d’un lieu redoutable. Monchoachi en est très clairement conscient puisque « Fugue vs fug » s’ouvre sur un long propos introductif. Tel Minos (pour reprendre l’imaginaire des grands mythes grecs) guidant Thésée jusqu’à l’entrée du labyrinthe pour le livrer au Minotaure, Monchoachi prend son lecteur par la main et le mène au portique marquant l’entrée dans le poème après lui avoir fourni une sorte de fil d’Ariane pour cheminer dans le labyrinthe des poèmes… Un labyrinthe est un lieu paradoxal où la rigueur et la science de l’architecte visent à troubler le solitaire errant, à le perturber au fur et à mesure qu’il s’enfonce dans l’œuvre conçue comme un piège, lui faisant perdre ses repères pour l’égarer, en créant d’autres pour le leurrer et, ayant perdu l’origine, le retenir captif d’un cheminement infini en quête d’une échappée inaccessible… Dans chacun des trois recueils composant le cycle de « Lemistè », l’écriture poétique très singulière, par le rythme et les sonorités, par le mélange des langues française et créole, par l’alliage de tournures précieuses, finement ciselées, et de la spontanéité de la parole parlée, décontenance le lecteur et le plonge, au risque de le perdre, dans un dédale obscur de mots et de sons. Cette obscurité n’est pas un procédé élitiste (l’écriture de Monchoachi n’est pas un échafaudage intellectuel : elle se veut porteuse d’une vérité de parole et doit être lue à voix haute pour comprendre son authenticité, où l’oralité est essentielle) ; elle est la nuit, paradoxalement réinventée par l’art du poète sur la page blanche, consubstantielle à la parole créole. Qui a lu les poètes des Antilles sait que cette parole puise sa vitalité dans les ténèbres nocturnes, que la voix du conteur a besoin de la nuit pour se déployer puisque le jour était le temps du labeur pour les esclaves attendant la nuit pour reprendre possession, par la parole, de leur humanité (ce qu’évoque Patrick Chamoiseau dans « Le conteur, la nuit et le panier »). Aussi, à la très grande clarté du liminaire, où le poète expose – de manière presque pédagogique, à la limite de l’analyse de texte - sa pensée et ses intentions, s’oppose la profonde opacité du poème tissé de vers voilés d’énigmes et de mystères. Et la première impression qui s’impose au lecteur, en chaque volume du cycle, est que le titre « Lemistè » ne désigne pas tant l’objet du recueil que l’écriture poétique elle-même, qui est le vrai mystère à l’œuvre dans le poème.

Entre deux enfantements,
Géographie imaginaire, chronique de rêve,
Choses fabuleuses désaparues après que fut
La mystérieuse lettre volée à l’étranger :
Caractères, mesure, balance
Cadran solaire et division du jour
Moulins et navires à la mer

Pourtant restent la terre noire qui porte vivants et morts
                                    porte le jeu, s’ouvre, déploie sa mélodie,
                                    les mots, de quelque lointain mêlés,
Et les choses à présent si proches.
Reste la parole, souveraine orgie
            le doigt la « dame au collier » dans la beve,
            ,jouant en son corps
                        elle-même en elle-même entrelacée
                        petite bête lichant       nichant
            bichonnant son corps avec la langue
            elle-même en elle-même
            veines closes, lèvre à lèvre
                        ramée sur ramée,
            verso sous versant,
            léchant et purlichant
                        glisse lice reluise
                                    cé bèl ça, cé bon, cé bèl-é-bon

Jouant avec son corps
            nattée, tressée, dénattée,
                        syllabes atones,
Et les consonnes, ce qu’elles carrent leur corps celles-là !
                        sans voix sans loa
            passent temps à tempter, racoler,
                                                           racler infiniment la gueuse,
                        Et les voyelles magiques, les Saintes Filles,
            traçant-ouvrant sur l’eau enchanteresse
                                               la flore é la bonté
            Et la rose tournoie pétales flabellés
                                                           conte le même
            Folle et hors sens la roue qui tournevire sertie d’anneaux
                        cueille graines, grapille, guste, guiche, guipe, recueille,
                        harmonia « la belle coulée » en frêle écume,
                                               prend et reprend,
                                               prend et rend,
Jouant de son corps
            poulpe, palpe, palme 
                        méduse, entortille
            ouvre son corps
            et ça et là les faunes
            ça et là bèl bèl gros-nègue
            de fiers zaniMOTS bien parés
                        ravis, enivre,
                        débauche, exalte,
Jouant de son corps,
                        Nescit regnare qui nescit dissimulare
            à savoir :                   
                        savoir se taire, se voiler,
            se dérober, s’obscurcir :
                        paranomasia, hipèrbole
                        disonancia, asimbolo, metàforo
            transposicion, transmutacion, polifonia,
            « arte ha de ser el despreciar el arte »
                        arte  meyor, arte menor,
            les nombres et les figures :
                        aigle, le signe céleste prophétique
                        dragon, ton de la dernière terre lumineuse
            cygne, splendeur, pur fétiche
                        abeille, l’âme retour de la genèse
                                    bronze, le son du daïmon dans le tympanon,
            le son des muses dans le cymbalon,
                        ding, dingue ! son du diamonde sur le diapason
                                    dong ! « Dormez-vous ? »
                                    Tout’ jé cé jé
Béni soite fruite dé son lentrailles-boustifaille
                                    plein risée plein vent.
            Amen so corps si-soit-il          s’to plait !

Cette poésie, qui peut rebuter un lecteur par son étrangeté et sa radicalité, est une expérience des limites du langage et, singulièrement, de la langue française. Monchoachi m’apparaît comme un poète majeur de la poésie française et universelle car il opère un métissage qui fait déborder la langue française de son aire civilisationnelle et, d'une certaine façon, la réinvente et la réenchante par le dépassement, pour lui permettre d’embrasser d’autres manières de penser le monde et d’être au monde que celle imposée à l’humanité par la civilisation occidentale. Sur cette île des Caraïbes où la rencontre fut confrontation, déracinement et destruction, la poésie de Monchoachi, sans toutefois s’inscrire en filiation directe de la poésie de la Relation qu’incarnent Edouard Glissant et Patrick Chamoiseau, réinvente une manière d’être et de dire qui instaure la possibilité du dialogue. A nouveau, je songe à Yves Bonnefoy, citant Plotin au début de « L’arrière-pays » pour définir la poésie comme la quête du « vrai lieu », terre où nul ne serait étranger.

Eric Eliès

Monchoachi, Fugue vs Fug – Lémisté 3, éditions Obsidiane, 2021, 128 p., 15€

« Poursuivant son ‘enquête’ poétique monumentale sur l’aventure de la poésie à travers les cultures et les langues, par le prisme élocutoire du créole, Monchaochi présente ainsi, ce troisième volume de son cycle Lémistè: ‘Fugue vs Fug ouvre ainsi sur la circonstance décisive en Grèce antique, de l'avènement des voyelles ("Les Saintes Filles") dans une écriture alphabétique jusqu'alors consonantique, par conséquent sans voix. Ce "sans voix" loin d'être une carence, appelle au contraire le répondeur, le juste de voix, l'homme dont la vocation est de bailler à hauteur la voix égale, d'être un entretien avec le monde et, plus encore, un chant (Hölderlin). Là où il existe par conséquent dans l'écriture, le sans voix est cela même qui ménage et aménage le lieu de l'homme. Captant et captivant ainsi la voix, l'écriture alphabétique gréco-latine ouvre à une totalité insigne, suffisante, qui menace à terme de taire l'entretien en faisant retraire le répondeur. Ce terme, c'est cette nuit épaisse en laquelle présentement sont noyées les solitudes fébriles, tâtonnant sans fin sur la toile leurres et simulacres.’ »