Muzibao

(note d’écoute) "Chorals de Leipzig" de Jean-Sébastien Bach

 

Le 4 décembre 2016, dans une petite église de la toute proche périphérie de Paris, à Boulogne-Billancourt, l’organiste Liesbeth Schlumberger se lançait dans un marathon audacieux, tant pour elle bien sûr que pour le public : l’intégrale des 18 Chorals pour orgue de Leipzig (environ deux heures de musique). Une très belle expérience.

Un concert
Dimanche d’hiver, froid certain à l’extérieur avec la nuit qui tombe très tôt et froid tout aussi certain à l’intérieur d’une église sans grâce particulière, Notre Dame de Boulogne. Un orgue moderne, manufacture Yves Fossaert, 2008. Un dispositif vidéo simple mais ingénieux qui permet aux auditeurs installés dans la nef de voir, sur écran, l’organiste cachée derrière la tribune. L’église est comble et contre toute attente, le restera jusqu’à la fin de ces deux grandes heures de musique magnifique mais austère.
Les Chorals de Leipzig sont des pièces pour orgue, dix-huit en tout avec des durées allant de 3 à 8 minutes pour la plupart, appartenant à un recueil dit Autographe de Leipzig, qui n’est pas un recueil établi par Jean-Sébastien Bach lui-même mais qui a été constitué après sa mort. Ce sont des pages « mises au point ou recopiées dans les ultimes années de Bach ».
Muzibao voudrait ici non pas se lancer dans une critique exhaustive du concert, mais plutôt donner à entendre quelques-unes des pièces, quelques extraits de ces pièces d’orgue, peu spectaculaires, mais tellement riches, que sont les Chorals de Leipzig, dont les derniers à figurer dans le recueil n’ont pas été copiés par Bach, qui vivait ses derniers jours.
Et dire peut-être ce que c’est qu’un choral et donc comme on peut l’entendre.

Un choral ?
Un choral (à ne pas confondre avec une chorale) est un genre musical liturgique, créé au XVIe siècle dans le cadre de la réforme protestante luthérienne, pour être chanté en chœur par les fidèles pendant le culte. La particularité est que les paroles sont uniquement en langue vernaculaire. Il se veut simple afin d'être chanté et retenu par les fidèles. Par extension, le mot désigne une pièce jouée à l'orgue, plus rarement au clavecin, sur le thème du chant correspondant (on parle aussi de « prélude de choral »). Cette forme a été très utilisée pendant la période baroque, avec des variantes (source).
Dans le cas des pièces d’orgue, donc, celle-ci est identifiée, le plus souvent, par le tout début du texte dont elle s’inspire. Exemple : le choral de Leipzig n° 6, BWV 656, est titré : « O Lamm Gottes unschuldig », « O innocent Agneau de Dieu ».

Quelques exemples musicaux :
→ Pour quelques données sur le choral, notamment chez Jean-Sébastien Bach, le début de ce cours du site Gradus ad Parnassum, jusqu’à 3’30.

→ Un choral chanté :
Ici le choral final (audio seul) de la cantate Jesus bleibet meine Freude, de Jean-Sébastien Bach, enregistrement public du concert inaugural du Bach Collegium Paris, le vendredi 9 juillet 2010 à 20h30 en la Basilique Sainte-Clotilde (Paris 7e).
Une toute autre version, celle d’Harnoncourt.
Et une dernière, d’une autre grande figure du baroque, Ton Koopman.
Sur cette pièce brève de trois minutes, l’occasion de comparer trois interprétations et de voir à quelle point celle-ci est cruciale dans le rendu de la musique.

Les chorals de Leipzig
Certains de ces chorals sont bien plus connus que d’autres, tout simplement parce qu’ils sont souvent donnés lors de cérémonies religieuses dans les églises.

Les plus passionnés et patients pourront visionner cette très belle série, avec partition en lecture simultanée. Pour information la ligne du bas, sur la partition, correspond à l’écriture pour le pédalier. Dans le premier choral, on entend très distinctement les notes longues et très graves ainsi produites. (voir par exemple à 1’36)

Et voici un choral très connu, joué par Benjamin Allard, sur l’orgue Aubertin de l’Eglise Saint Louis en l’Ile à Paris, le choral de Leipzig n° 9, « Nun, komm’ der Heiden Heiland », BWV 659.
Minutage, 4,30.
Ce cantique ouvrait déjà le Petit Livre d’orgue de Bach et il revient trois fois dans le recueil de Leipzig. Ce qui est aussi une manière de souligner comme travaillait Bach, à partir de ces chorals, des ces « chants donnés », sur lequel il appliquait toute sa science, immense et produisant parfois des oeuvres monumentales, surtout eu égard à la simplicité de ce chant de départ. J’emprunte deux ou trois éléments à l’excellent Guide de la musique d’orgue, paru chez Fayard : « La mélodie apparait au soprano, dans les mille volutes d’une richissime ornementation, sorte d’arioso d’un haut pouvoir expressif. (…) Pour sa part, la basse s’avance en une pulsation régulière de croches [voir à 2’32, le pédalier], respiration sereine pour ce chant exalté. »

Et pour finir, ce même choral, dans une transcription pour piano, jouée par Wilhelm Kempff (1976 – durée 4’33).

 

(petites notes) handicap et musique, Charles Ives, John Adams

 

L’accès à l’enseignement musical pour les enfants porteurs de handicap : quel état des lieux ?

Note de lecture : Charles E. Ives : Essais avant une sonate et autres textes :

Un entretien avec John Adams

 

 

(note d’écoute) "Burning Bright "d’Hugues Dufourt : une oeuvre envoûtante qu'il faut laisser agir

 

(à l’occasion de la sortie du disque et d’un concert gratuit, le 10 décembre 2016, en l’Église Saint Paul à Strasbourg.)
 
C’est un récent article de Bruno Serrou qui a attiré mon attention sur l’œuvre d’Hugues Dufourt, Burning Bright, commande des Percussions de Strasbourg, pour leur cinquantième anniversaire. J’ai pu l’écouter via mon abonnement streaming et j’ai également trouvé cette vidéo, qui me semble importante, parce qu’il est bon de voir comment cette musique inouïe est produite, par quels gestes, avec quels instruments.
Je cite Bruno Serrou : « Quarante ans après le magistral Erewhon (1977), Hugues Dufourt (né en 1943) se plonge de nouveau dans la percussion pour lui consacrer une œuvre de très grande dimension, intitulée Burning Bright, une heure cinq de pure magie sonore composée pour le cinquantième anniversaire des Percussions de Strasbourg, commanditaires et créateurs d’Erewhon. Le titre du disque est tiré du premier vers d’un poème de William Blake, The Tyger. « Tyger, Tyger, burning bright / In the forest of the night / What immortal hand or eye, / Could frame thy fearful symmetry ? » (« Tigre, tigre, ton éclair luit / Dans les forêts de la nuit / Quelle main, quel œil immortels / purent créer ton effrayante symétrie ? »).

Écoute
A mon sens, il est bon de visionner en premier lieu les 10 minutes de vidéo disponibles qui donnent une bonne idée de l’instrumentarium extraordinaire à la tête duquel se trouvent les six musiciens percussionnistes de Strasbourg. Des instruments à gratter, à frotter, à faire vibrer, instruments à toucher, à caresser, à heurter, et quasi tous producteurs de résonances. Peu de frappes directes.
Hugues Dufourt donne quelques clés pour appréhender cette œuvre nouvelle sur laquelle il travaille depuis 2010 : réflexions autour du geste (tailler, assembler, déplacer et briser), sur les modes de jeu, sur les associations instrumentales et la substance sonore. À ces objectifs théoriques correspondent des objectifs artistiques qui combinent essence de la percussion, temporalité, essence de la composition et esthétique.
Avec ce dernier point, Hugues Dufourt définit en quelque sorte le contour de son projet : « L’esthétique récente a souvent pris l’entropie pour un principe libérateur, alors qu’elle ne faisait que consentir à la pulsion de mort et sombrer dans un univers anomique et dépressif. Le propre de la percussion est au contraire de tirer son pouvoir d’émergence de son exploration des profondeurs. » (source)

Le disque : Hugues Dufourt (né en 1943) : Burning Bright pour six percussionnistes. Les Percussions de Strasbourg. 1 CD Percussions de Strasbourg. Enregistré en mars 2016 au Théâtre de Hautepierre à Strasbourg. Texte français/anglais. Durée : 65′.

La vidéo, durée 11’47’’

D’autres ressources en ligne :
Un article de Michèle Tosi chez ResMusica.

Un entretien avec Hugues Dufourt à propos de Burning Bright (Vidéo, 6’54’’). Cet entretien porte en particulier sur la composition lumineuse d’Enrico Bagnoli qui a été conçue en même temps que la musique pour ses représentations publiques. Et dont Hugues Dufourt a tenu compte dans son propre travail d’écriture musicale.

Une belle biographie d’Hugues Dufourt sur le site des éditions Lemoine : « Hugues Dufourt privilégie les continuités et les lentes transformations d'un discours musical qui n'est que rarement interrompu. Il conçoit des formes par évolution de masses et travaille sur les notions de seuils, d'oscillations, d'interférences et de processus orientés. Pionnier du mouvement spectral, il lui accorde toutefois une définition plus large, cherchant à mettre en valeur l'instabilité que le timbre introduit dans l'orchestration. Sa musique repose sur une richesse de constellations sonores et harmoniques et s'appuie sur une dialectique du timbre et du temps. Il puise une partie de son inspiration dans l'art pictural, dont il retient essentiellement le rôle de la couleur, des matières et de la lumière (Dawn flight, quatuor à cordes créé en 2008 à Musica, Le Cyprès blanc et L'Origine du monde, créés à Musica 2004). »

Citations :
→ « Burning Bright" (2014) est surtout « frotté », envoûtant, mystérieux : une sorte de description sonore du silence d'avant les hommes, créateurs de netteté, où ne regnaient que « les fluides et les gaz », écrit Dufourt, un monde sans "contours ni clôtures". Cela enfle, cela fuit, cela disparait, réapparait autrement par nappes colorées. »
Absolument splendide. (Jacques Drillon, L'Obs, n°2710 du 13/10/2016)
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→ « Douze parties sans coutures pour une pièce d'un seul tenant, dotées de titres (vertical, suspendu, tourbillons, lointains) qui évacuent toute référence aux instruments comme à leurs matériaux. Exit les sections "peaux", "métaux" et "bois" qui ont eu naguère leur heure de gloire, car les familles sont ici constamment recomposées au profit d'un nuancier incroyablement vaste. Une hydre à six têtes et douze bras assemble les timbres dont les identités individuelles s'effacent dans une matière en transformation constante - procédé cher à Dufourt quand il compose pour orchestre. Le jeu collectif des fluides et des dynamiques prend le dessus sur le combat de forces antagonistes attendu. » (Pierre Rigaudière, Diapason, oct 2016)

Le point de vue de Muzibao : une œuvre envoûtante, qu’il faut laisser agir. Une œuvre de musique contemporaine, mais largement accessible et qui ouvre un univers sonore d’une richesse inouïe. Une forte expérience sonore et musicale. Visionner la vidéo permet de découvrir quelques gestes très particuliers, comme la mise en rotation des cimbales (premières secondes) ou la frappe d’un dome en plexiglas qui flotte sur l’eau (9’57’’). Ensuite, il faut sans doute fermer les yeux, entrer dans chaque son, l’accompagner dans sa résonance et dans l’alliage de sa résonance propre avec les autres résonances.

Muzibao !

 

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