Poezibao

[Carte blanche] Dossier Raphaële George, par Jean-Louis Giovannoni

 

 

Poezibao publie ici, sous la forme d’un fichier PDF à télécharger par simple clic, un important dossier préparé par Jean-Louis Giovannoni autour de la figure de la poète et peintre Raphaële George, disparue à l’âge de 34 ans, en avril 1985.  
 
Ce dossier prélude à la parution de Double intérieur, (inédits) précédé de la réédition de L’Absence réelle, préface de Jean-Louis Giovannoni, à paraître en avril 2014 aux Éditions Lettres Vives, avec des reproductions de portraits de Joë Bousquet peints par Ghislaine Amon. 
 
Cette [Carte blanche] reprend les éléments biographiques et bibliographiques publiés séparément dans la basse de données de Poezibao ainsi que l’intégralité de la préface du livre à venir, complétée par une dizaine de pages de ce futur livre. 
 
Elle comporte aussi de nombreuses illustrations.

 

Pour l'ouvrir, cliquer sur le lien ci-dessous

Téléchargement Raphaële George, un dossier conçu par Jean-Louis Giovannoni 

 

[Carte blanche] Thérèse Aubray et Fernand Drogoul, par Jean-Paul Louis-Lambert

 

 

Thérèse Aubray et Fernand Drogoul

par Jean-Paul Louis-Lambert 

 

(1/3) Thérèse Aubray (1888-1974), « L'art de se baigner dans son propre sang » 
 

Thérèse Aubray est une figure discrète, mais attachante, de la vie littéraire française des années 20 aux années 70. Une page récemment publiée par Wikipédia a donné quelques informations biographiques glanées dans le livre de référence d'Alain Paire, Chroniques des Cahiers du Sud 1914-1966 publié par l'IMEC, et dans un bref témoignage de son amie Yannette Delétang-Tardif sur son salon littéraire de Neuilly. Ces deux sources illustrent les deux lieux de vie de cette poète, née à Marseille, éditrice, angliciste, amie d'artistes — et femme d'expression et d'émotion. En témoignent les trois poèmes donnés dans l’anthologie permanente. Ce sont les pièces qui ouvrent le recueil Défense de la Terre, sous-titré : « Battements III », et publié en 1937 chez GLM, le grand éditeur et typographe. Le sous-titre situe ce recueil dans la série de quatre livres, Battements, que Thérèse Aubray publie de 1933 à 1939 ; le premier volume, paru aux Cahiers Libres, était orné d'une belle gravure d'André Masson. Le troisième poème du recueil Défense de la Terre s'intitule « La Scène capitale » et il débute par le vers : « L'archange aux cheveux noirs fils de la foudre ». Les lecteurs de Pierre Jean Jouve reconnaissent immédiatement le titre de son roman en deux récits, La Scène capitale (1935), et le titre d'une section du Paradis perdu (1929), « Les anges aux cheveux blancs ». Apparaissent ainsi les noms de deux amis de Thérèse Aubray, Masson et Jouve, qui fréquentaient son salon de Neuilly où venaient aussi Antonin Artaud, Jean Wahl, Jean Cassou et le grand ami Léon-Paul Fargue qui a écrit une préface à Défense de la Terre. J'en extrais ce paragraphe qui est une magnifique « Note sur la création », et que j'intitule « l'art de se baigner dans son propre sang » 

Pour lire la suite de cet article, cliquer sur le lien suivant :  Téléchargement Dossier Thérèse Aubray par Jean-Paul Louis-Lambert

 

[Carte blanche] Hommage à Pierre Garnier, par Cécile Odartchenko

 

Hommage à Pierre Garnier 
par une de ses éditrices, Cécile Odartchenko 

Je suis tombée en 2005, comme par hasard, dans le seau à moitié plein que Pierre a dessiné, un seau avec un mouchoir posé par-dessus dont il a dit que c'était celui de la grand-mère et qu'au fond du seau, il y avait une étoile. 
Je me suis aussitôt transformée en étoile ce qui n'a rien d'étonnant quand on sait qu'il y a deux licornes au fronton de la gare Saint Roch dans le quartier d'Amiens où a vécu sa grand-mère et que les licornes président aux bains de jouvence de toute éternité.  
Pour parler de Pierre, il ne faut rien de moins que cette certitude d'être comme une braise, une petite particule de lumière filante, dans le grand univers où la lumière fait loi. 
 
En 42 à Amiens, dans le quartier Saint Roch, un ami de la famille Garnier, monsieur Boulanger, avec lequel Pierre partait en vélo faire des razzias dangereuses dans les décombres des bombardements, fut pris par la Gestapo. Sa femme fut convoquée et demanda à Pierre, étudiant déjà l'allemand, de venir avec elle pour lui servir de traducteur. Pierre traduisit tant bien que mal en effet sauf un mot qu'il ne connaissait pas : Lebensmittel. Plus tard, il chercha le mot dans le dictionnaire et apprit que ce mot signifiait VIVRE. Il éprouva une grande honte de ne pas connaître ce mot et à 80 ans il disait encore que la rougeur lui montait au front à ce souvenir. 
Ignorer le sens du mot VIVRE c'est comme ignorer le soleil. Et le soleil sera toujours au centre de l'œuvre de Pierre - mais un soleil particulier avec des rayons qui s'écartent pour faire Lien. Rien de plus explicite que le dessin primaire de ce soleil pour exprimer la vie et son dynamisme, en effet. 
Les images sur lesquelles s'appuie toute l'œuvre de Pierre forment ce qu'on appelle son œuvre spatialiste, ses devises, ses méditations ZEN et des éditeurs très nombreux se sont contentés de les reproduire avec ces légendes très simples, même pas des haïkus, qui les nomment, les détournent, les retournent, les traversent ou encore en multiplient les reflets et le sens. 
 
En 2006 après avoir publié Ce monde qui était deux, ( notons au passage que Pierre proposait à un autre poète d'écrire un poème reflet du sien), je demandais à Pierre ce sur quoi il allait travailler maintenant. Il me dit, sur la transparence. Je n'avais aucune idée alors de ce que cela pouvait être et j'imaginais vaguement des poèmes dans la continuité de Rilke ou de Paul Celan. 
Puis je partis en Bourgogne en résidence, au château de Bussy Rabutin, d'où je proposais aux poètes de mon cercle de rabutiner avec moi et envoyais dans mes premières lettres des vignettes représentant les devises du château. Pierre se les appropria aussitôt et pendant 3 mois j'eus le privilège de recevoir 1 ou 2 fois par semaine un recueil épais de variations sur les devises. En fait ces variations étaient dans le style des dessins spatialistes déjà connus et des livres du poète YU, mais elles se renouvelaient à l'infini portées par l'inspiration particulière que Bussy et ses digressions amoureuses apportaient à Pierre ainsi que l'amitié qu'il me portait. 
Appelée pendant ma résidence à faire 3 lectures publiques du travail en cours, j'apportais les devises de Pierre et à ma grande stupéfaction, je m'aperçus que le public les adoptait aussitôt et en saisissait pleinement la propriété conductrice de poésie, comme le fil de cuivre est conducteur. Je ne devais pas tarder à vérifier le phénomène auprès d'un public d'enfants et me mis à multiplier les ateliers portés par les dessins de Pierre. 
 
Les résultats se sont avérés foudroyants - les images proposées que vous connaissez tous pour la plupart, cône, triangle, ligne, rond, soleil, toit, étoile, escargot, arche et j'en passe, par leur extrême simplicité ouvraient les portes du psychisme, du rêve et de la poésie. (pour lire la suite, cliquer sur le lien ci-dessous) 

[Carte blanche] Une présentation de la poète Maxine Kumin, par Patricia Godi

 
Maxine Kumin naît Maxine Winokur, dans une famille juive originaire d’Europe de l’Est, le 6 juin 1925 à Germantown, dans la banlieue de Philadelphie, en Pennsylvanie. Elle sera scolarisée dans divers établissements publics et privés, notamment catholiques, avant d’entreprendre des études supérieures à l’université de Radcliffe. C’est là qu’elle fait l’apprentissage de la poésie, à une époque dominée par le formalisme des poètes modernistes anglo-américains et de la « new criticism ». W. H. Auden, Stephen Spender, Louis MacNeice, Karl Shapiro, Randall Jarrell, sont parmi ses premières influences. Diplômée en histoire et en littérature, elle a également étudié le russe et la philosophie, avant d’épouser Victor Kumin en 1946, ingénieur et ancien étudiant de Harvard. Alors débutent plusieurs années d’une vie peu satisfaisante, partagée entre les obligations familiales et la vocation pour la poésie, dans la banlieue aisée de Boston. Ce n’est qu’en 1953, à la veille de la naissance de son troisième enfant, que Maxine Kumin parvient à s’imposer en tant que poète, en commençant de publier ses textes dans divers magazines. La même année, elle s’inscrit au cours de poésie que dispense John Holmes, poète et professeur de littérature à Tufts, au Centre d’Education pour Adultes de Boston. Elle y fera la connaissance d’Anne Sexton, avec qui elle partagera une longue et profonde amitié où se mêlent échanges critiques et encouragements sur la voie de la création. En 1958, avec Anne Sexton, Maxine Kumin prend part aux ateliers de création poétique animés par Robert Lowell à l’université de Boston, où elle rencontrera également Sylvia Plath. A cette époque, au terme de dix années de recherche d’un nouveau type d’écriture, Robert Lowell est sur le point de publier Life Studies, un recueil de poèmes composés dans une veine autobiographique, dans un style moins imprégné de formalisme et de symbolisme que ses œuvres précédentes, qui inaugure le courant de la poésie dite « confessionnelle ». En 1961, Maxine Kumin publie son premier recueil, Halfway, une série de poèmes alliant histoire personnelle et exigences formelles, deux traits qui continueront de distinguer son écriture. En 1973, elle reçoit le Prix Pulitzer pour son recueil Up Country, avant de se retirer avec Victor Kumin à Warner, dans une ferme du New Hampshire, où elle se consacre à l’élevage de chevaux et à une œuvre littéraire qui compte  une vingtaine de recueils de poésie, plusieurs romans, recueils d’essais et de nouvelles, de nombreux livres pour enfants, dont certains furent écrits en collaboration avec Anne Sexton. Ecriture du quotidien et de la ruralité de la Nouvelle-Angleterre, de la relation entre les êtres, et célébration de la survie, la poésie de Maxine Kumin explore la mémoire familiale et l’héritage du judaïsme, sans séparer l’expérience privée d’un regard ouvert sur le monde.  
 
REF.  
KUMIN Maxine, Selected Poems 1960-1990, New York, London, W. W. Norton & Company, 1997. – To Make a Prairie : Essays on Poets, Poetry, and Country Living, University of Michigan Press, 1979. – Still to Mow, W. W. Norton Co., 2007. 
 
GROSHOLZ Emily (ed.), Telling the Barn Swallow : Poets on the Poetry of Maxine Kumin, Hanover, University Press of New England, 1997. 
 
[Patricia Godi]

 

[Carte blanche] Hommage à Claude Couffon, par Hughes Labrusse

 

 

Né pour naître lui aussi 

À Miguel et Gilles 
 
 

Para nacer he hacido, ce titre complète les Mémoires de Pablo Neruda, publiés sous le titre J’avoue que j’ai vécu. À plusieurs reprises, Claude Couffon m’a confié que s’il devait les rédiger ses Mémoires s’intituleraient Moi aussi j’avoue que j’ai vécu. Aveu du traducteur à des œuvres originales, mais qui revendique une vie aussi intense que celle des écrivains dont il a partagé l’existence. D’autant que leur survie dépend, s’il faut en croire Walter Benjamin, de la tâche du traducteur. Toute œuvre est condamnée si elle ne peut se traduire, s’il ne reste en elle de l’incommunicable qui incitera à creuser toujours davantage dans la tradition et le communicable cette énigme.  
 
Or, Claude Couffon, décédé en décembre dernier, recèle une part du mystère de la traduction. Né le 4 mai 1926, dans le Vaugueux, un quartier de Caen, il accomplit ses classes de lycée dans la tourmente de la guerre. Contraint de choisir une seconde langue vivante, qui ne pouvait être l’allemand, pour passer son baccalauréat, il est entraîné par hasard et grâce à un réfugié républicain vers l’espagnol. En 1946, il se décide à faire le voyage en Espagne, à Grenade, où il commence ses recherches sur la mort de Federico García Lorca. Il retrouve des textes oubliés, les présente à Albert Camus qui les publie et lui demande de travailler avec lui aux éditions Gallimard. 
 
En 1951, il publie dans le Figaro Littéraire un article où est révélée pour la première fois toute la vérité sur les derniers jours du poète García Lorca. Ces révélations font grand bruit et lancent la carrière de traducteur de Claude Couffon. Elle comporte pas loin d’une centaine de livres d’auteurs latino-américains, de Nicolas Guillén et Alberti à Pablo Neruda et Miguel Asturias, de Gabriel Garcia Marquez et Juan Ramon Jiménez à Manuel Scorza et Luis Mizon, de Camilo José Cela et Ernesto Sabato à Vicente Aleixandre ou Blas de Otero. 
 
Mais son œuvre ne s’arrête pas là. Il fonde avec Charles Aubrun, professeur à la Sorbonne et Directeur de l’Institut d’Études hispaniques de l’Université de Paris, Le Centre de Recherche de l’Institut d’Études Hispaniques dont il sera le secrétaire général jusqu’en 1970. Conseiller littéraire de Maurice Nadeau, il est membre du comité de rédaction de la revue Les Lettres Nouvelles. Il collabore régulièrement aux journaux et revues comme Le Figaro Littéraire, Les Lettres Nouvelles, Les Temps Modernes, Les Lettres Françaises, Europe. La somme de ses articles est impressionnante et constitue des archives irremplaçables sur l’histoire de la littérature latino-américaine d’après la seconde guerre mondiale. On y décèle également son engagement auprès d’écrivains qui n’ont cessé de combattre la dictature, si souvent liée à l’impérialisme américain.  
 
Claude Couffon a réalisé plusieurs anthologies, notamment sur la Poésie cubaine, les Poètes du Chiapas, la Poésie hondurienne et la Poésie péruvienne au XXe siècle. Président de la Maison Internationale des Poètes et des Écrivains, à Saint-Malo, il conduit des entretiens fructueux avec Mario Vargas Llosa, futur prix Nobel, en collaboration avec Albert Bensoussan, avec Édouard Glissant et Andrée Chédid. Retenons enfin les nombreux hommages qui lui ont été consacrés, tout particulièrement en Espagne. En janvier 1985, Claude Couffon est fait Chevalier de la Légion d’honneur. La distinction lui sera remise par Léopold Sedar Senghor, agissant au nom du Président Mitterrand. 
 
Essayiste, Claude Couffon a été l’auteur d’études sur Garcia Lorca, sur Nicolas Guillén, Alberti, Asturias, Pablo Neruda et René Depestre dans la collection des Poètes d’aujourd’hui, chez Seghers, en 1986. Mais lui aussi était poète. Il a commis une dizaine de recueil dont Le Temps d’une ombre ou d’une image, en 1973, Célébrations, en 1979, À l’ombre de ce corps, en 1988, Intimité, en 2008. En 2011, il a été invité au Festival des Soirées Poétiques de Struga. Son état de santé ne lui a pas permis d’y participer, mais j’ai eu le plaisir de publier des poèmes inédits dans le Livre d’or de Struga, publié à l’occasion du jubilé du Festival, avec le concours de l’UNESCO. Dans Le Voyage immobile, dédié à Roger Guggisberg, il écrit : 
 
Nous voyageons vers le passé, 
voguons toutes voiles dehors, 
pirates de nos souvenirs, 
contrebandiers de nos mémoires… 
 
Dans l’échange des conversations que nous menions ensemble ces trois dernières années, Claude Couffon tenait à souligner qu’il n’avait jamais écrit ses poèmes sous une quelconque influence des illustres auteurs qu’il traduisait. Des fragments de texte, racontait-il, le traversaient fréquemment dans un demi-sommeil. Il en écrivait la composition à son réveil, sans autre recherche. J’ignore, à la vérité, quelle signification attribuer à cette dictée quasi-automatique et très revendiquée. Mais à ce que j’en pressens, elle correspond à ce métier de traducteur où excellait Claude Couffon. Il se refusait à toute théorisation et fuyait autant que possible les investigations savantes. Traduire pour lui, c’était être saisi par un texte et transmettre le contenu de cette affinité en le déplaçant dans une autre langue. Je dis bien le contenu, ce qui implique la rigueur et n’exclut nullement l’expérience. Il est remarquable que les auteurs traduits par Claude Couffon aient toujours admiré à la fois sa fidélité et sa liberté. Sa fidélité ouverte qui reconstruit dans les moindres détails l’original, sans le recouvrir, et la liberté d’élargir sa propre langue à partir de celle qui s’offre corps et âme à la traduction. 
 
 Janvier 2014 
 
[Hughes Labrusse]

Claude Couffon est mort le 18 décembre 2013.

  

[Carte blanche] Ingrid Jonker, par Bernard Bretonnière

 
Le 24 mai 1994, lors de son discours d’investiture devant le premier parlement sud-africain élu démocratiquement, Nelson Mandela cite le poème d’Ingrid Jonker « L’enfant abattu par des soldats à Nyanga » (« L’enfant n’est pas mort... » – il s’agit d’un enfant noir tué par des militaires blancs). Il apparaît stupéfiant et incompréhensible qu’Ingrid Jonker, née en 1933 et décédée en 1965, ne soit pas mieux connue aujourd’hui en France. Ce n’est qu’en 2012 que les modestes éditions Le Thé des écrivains, en coédition avec Zootrope Films, publient le premier (et encore unique) recueil de cette poète afrikaaner qui écrivait en afrikaans (« d’une certaine manière la langue de l’oppresseur blanc » explique la Néerlandaise Paula van der Oest). Mince recueil de 43 pages – au regard d’une œuvre beaucoup plus importante – contenant treize poèmes traduits par Philippe Safavi et enrichis de très utiles commentaires par Simone Cilliers Venter (sa fille), Frédéric Boulleaux (illustrateur), Paula van der Oest (voir ci-après) et André Brink (son ami) Quelques mois auparavant, la réalisatrice Paula van der Oest avait consacré un long métrage, magnifique, magistral, à l’écrivain, Black Butterflies, distribué en France sous le titre Ingrid Jonker par Zootrope Films (sous-titré en français) où il passa (tout aussi inexplicablement) presque inaperçu (bande annonce du film). Carice van Houten (personnage principal de Black Book, film de Paul Verhoeven) y incarne superbement Ingrid Jonker.  
 
La vie tourmentée, l’œuvre puissante et le destin tragique d’Ingrid Jonker rappellent de façon troublante ceux de sa contemporaine américaine Sylvia Plath (1932-1963). Toutes deux, douées d’une extrême sensibilité, se sont donné la mort peu après leur trentième anniversaire.  
Ingrid écrit un premier recueil à treize ans, Na die somer  (Après l'été), et publie Ontvlugting (La Fuite) à vingt-trois. Toute sa vie, elle va s’indigner et dénoncer la ségrégation raciale dans son pays en même temps qu’elle tente désespérément de se faire aimer de son père, député du parti national et président de la commission de censure du parlement qui défend rigoureusement l'Apartheid. Soutenue et aimée par les écrivains Jack Cope et André Brink, Ingrid Jonker voit son œuvre reconnue (obtenant notamment le Grand Prix des libraires, la plus haute récompense qu’un auteur de langue afrikaans pouvait alors espérer, et une bourse de la Anglo American Corporation pour son recueil Rook en Oker – Fumée et Ocre), mais ne convaincra jamais son père, Abraham, qui lui dénie tout talent, ne supporte pas son engagement contre la politique raciale du gouvernement et, scandalisé par ses écrits, va jusqu’à la répudier publiquement lors d’un débat parlementaire. De plus en plus fragile, Ingrid va sombrer dans la dépression et un déséquilibre psychique qui lui vaudra plusieurs hospitalisations.  
 
Le 19 juillet 1965, à la nuit tombée, elle rejoint la plage la plage de Three Anchor Bay, à proximité immédiate de son appartement, entre dans la mer et se noie « sur la rive entre les herbes hautes et les herbes folles », comme elle l’avait très précisément écrit, à seize ans, dans un poème. 
D’Ingrid Jonker, personnalité profondément attachante, Jack Cope écrit qu’elle était rebelle, bohème, aventurière, « ne faisant aucune distinction entre la vie et la poésie ». 
En 2004, à titre posthume, la médaille de l’ordre de Ikhamanga lui fut décernée pour sa contribution à la littérature sud-africaine et pour son combat en faveur des droits de l’homme ; le Prix Ingrid Jonker récompense les meilleurs jeunes poètes d’Afrique du Sud et une fondation, le Ingrid Jonker Trust, a été créée par feu Jack Cope. 
« Si l’Europe peut compter Picasso et Guernica, l’Afrique du Sud peut compter Ingrid Jonker et L’Enfant de Nyanga. » (Frédéric Boulleaux) 
 
« L’enfant n’est pas mort ni à Langa ni à Nyanga  
ni à Orlando ni à Sharpeville  
ni au commissariat de Philippi  
où il gît une balle dans la tête 
 
[...] 
 
l’enfant qui voulait simplement jouer au soleil à Nyanga est partout  
l’enfant devenu homme arpente toute l’Afrique  
l’enfant devenu géant voyage dans le monde entier  
 
Sans laissez-passer. » 
 
Ingrid Jonker, L’Enfant n’est pas mort. Treize poèmes.  
Illustrations de Frédéric Boulleaux. Traduction de Philippe Safavi. Préface de Simone Cilliers Venter. Postfaces de Frédéric Boulleaux, Paula van der Oest (réalisatrice du film Ingrid Jonker) et André Brink. Collection « Poésie »dirigée par Georges-Emmanuel Morali. Éditions Le Thé des écrivains, en coédition avec Zootrope Films, 2012.  
ISBN 2-9155265-08-9 
9782915265088 
 
 
bio-bibliographie d’Ingrid Jonker 
 
Anthologie permanente du vendredi 17 janvier 2014 
 
 
Un poème de Bernard Bretonnière dédié à Ingrid Jonker 
 
Ingrid Jonker 
 
à la mémoire de Marie-Christine et pour Paula van der Oest, réalisatrice de Black Butterflies 
 
Ingrid fume  
Ingrid souffre  
Ingrid boit  
Ingrid baise  
Ingrid aime  
Ingrid crie  
Ingrid écrit.  
 
Ingrid chante  
Ingrid danse  
Ingrid tremble 
Ingrid est avec  
Ingrid est contre  
Ingrid rit  
Ingrid écrit.  
 
Ingrid lève les poings  
Ingrid se tape la tête contre les murs  
Ingrid trompe  
Ingrid casse  
Ingrid épuise  
Ingrid désobéit  
Ingrid écrit.  
 
Ingrid joue  
Ingrid risque  
Ingrid se perd 
Ingrid enfante  
Ingrid avorte  
Ingrid vit  
Ingrid écrit.  
 
Ingrid hurle  
Ingrid s’indigne  
Ingrid dénonce  
Ingrid se bat  
Ingrid frappe  
Ingrid supplie  
Ingrid écrit.  
 
Ingrid regarde vers la tombe  
Ingrid est folle  
Ingrid a raison  
Ingrid se mutile  
Ingrid n’écrit plus  
Ingrid n’en peut plus  
Ingrid se noie. 
 
Bernard Bretonnière  
Bezons, 23 mars 2013 

[Carte blanche] Avant-propos à Manuel Maples Arce, "Stridentisme ! Poésie & manifeste (1921-1927)", par Antoine Chareyre

 

Poezibao propose ici en avant-première l’Avant-propos du livre Manuel Maples Arce, Stridentisme ! Poésie & manifeste (1921-1927)  qui paraîtra le 7 novembre aux éditions le Temps des cerises  
 

Faut-il croire les romanciers ! Dans Ombre de l’ombre de Paco Ignacio Taibo II (1), un certain Fermin Valencia, lequel arbore « une moustache respectable, souvenir, avec ses bottes à talons et son foulard rouge, de son passage par la Division du Nord de Pancho Villa, dans les années 1913-1916 », faiseur poussif de poèmes à deux sous et de slogans publicitaires, auteur par exemple, vers 1922, de ce quatrain négocié contre vingt-cinq rafraîchissements, « peint en lettres baroques et multicolores au-dessus de [la] petite boutique » :  

Si t’as soif, va chez Simon 
Y’a pas plus frais dans Mexico 
Celui qui dit que c’est pas bon 
Dans Mexico, y’a pas plus con ! (2) 

ou encore de cette strophe point méprisable : 
 
Je couds mon âme à même ma peau 
Et je désespère 
La vie se vide de son sang 
Et pourtant 
J’attends toujours la Singer 
Qui réparera 
Avec des points précis 
Ce qui se dévide en moi 
Et reste derrière.(3)
 
et qui a la sensation, en remplissant son carnet de ce genre de poèmes, « d’être un chasseur furtif, l’auteur d’un acte délictueux qui le ren[d] hors la loi » — le poète Fermin Valencia, donc, passablement aviné « se [met] à déclamer des vers de Maples Arce, un jeune poète originaire de Veracruz », étant tombé un beau matin sur cet authentique « Prisme » stridentiste : 
 
La ville insurgée aux annonces lumineuses 
Flotte dans les almanachs 
Soir après soir là-bas 
Dans la rue repassée un tramway saigne 
 
en ajoutant : « Merde, j’aimerais bien écrire comme ça ! » Mais, qui, des amateurs de polars exotiques, s’en sera avisé ? 
Qu’à cela ne tienne. Il est une dilection plus insistante, quoique non moins burlesque, dans le discours savamment ourdi que sont Les détectives sauvages, ce roman d’un poète.(4) Or même au mieux disposé des lecteurs de Roberto Bolaño, la figure du stridentiste Manuel Maples Arce aura paru peut-être à peine plus réelle que l’obscure et improbable Cesárea Tinajero, putative poétesse fondatrice du Réalisme viscéral, illusoire proto-avant-garde mexicaine, et directrice du numéro unique d’une revue intitulée Caborca, auteur, là, du seul poème, et lequel, qui se puisse lire d’elle, pistée par les « détectives sauvages » et perdue à peine retrouvée dans les déserts du Sonora… 
 
Troublante élection et significative réminiscence pourtant, encore qu’oblique, que celle du mouvement stridentiste, dans les trames de la fiction, par la grâce de l’errance de ce groupuscule néo-réalviscéraliste mené par les furieux Arturo Belano et Ulises Lima — acte de reconnaissance insigne et dérisoire, tout à la fois, par les vrais infraréalistes Roberto Bolaño et Mario Santiago Papasquiaro, dans le Mexique des années 1970, à l’égard de cette radicale aventure échouée dans les années 1920 : tous ne furent-ils pas également, encore qu’à leur façon, des « Mexicains perdus à Mexico » ? C’est qu’alors, pour cette bohème de beatnicks latinos en quête d’exemples à leur subversion, en une contrée poétique placée sous le magistère peut-être écrasant d’un Octavio Paz (et d’autres), « de la période 1921-1928 restent néanmoins des livres qui sont utiles », car des recueils aussi oubliés (et introuvables) que Andamios interiores (1922) ou Poemas interdictos (1927) « [leur] servent pour commencer à voir d’une manière différente la tradition de la poésie mexicaine » ; en somme, « les stridentistes n’ont pu soutenir les barricades acides de la nouvelle poésie, mais ils [leur] ont appris plus d’une chose quant aux pavés » — ainsi que l’établit le jeune Bolaño dans l’une des revues que dirigea Octavio Paz, tiens donc, avant d’y donner des propos recueillis auprès des intéressés, en 1976 (5). L’année même où il donnait ses premiers textes à la publication, en revues, dans une anthologie infraréaliste et dans une plaquette personnelle : de la poésie. En dépit d’un très évident et définitif reflux, en s’enquérant de ce que pouvaient avoir à dire encore les trois vétérans de l’avant-garde nationale, il s’agissait de recueillir et revitaliser un legs symbolique, geste pathétique dont peu se souviendraient encore s’il n’avait été à son tour attesté, pour ainsi dire, dans un grand roman rédigé une vingtaine d’années plus tard. 
 
Ainsi donc, là, dans le récit de Bolaño, ceux qui ne fréquentent pas les réserves des bibliothèques, cet oubli, peuvent lire des fragments de la chronique à peine vraisembable, mais souvent véridique, du Stridentisme. Contrastant avec la figure légèrement antipathique d’un Maples Arce en retraite, c’est le non moins putatif Amadeo Salvatierra qui rapporte : « l’un d’eux m’a expliqué qu’ils étaient en train de faire un travail sur les stridentistes, et qu’ils avaient interviewé Germán, Arqueles et Maples Arce, et qu’ils avaient lu toutes les revues de cette époque-là, et que parmi tant de noms, de noms de vrais hommes et de noms creux qui ne signifient plus rien et ne sont même pas un mauvais souvenir, ils sont tombés sur le nom de Cesárea ». Et sous l’empire nostalgique de répétitives rasades de mezcal Los Suicidas, le prolixe Salvatierra prodigue de chapitre en chapitre ses commentaires clandestins et enthousiastes des plus hauts faits de l’aventure stridentiste. On y trouve, là aussi, jusqu’à du Maples Arce dans le texte et un peu plus tangible que Cesárea Tinajero, mais incrédule encore, et avec ce sentiment qu’à notre insu nous est fourguée comme une mémoire de contrebande. 

Qu’est-ce à dire ? Veut-on tout de même comprendre quelque chose à l’histoire de la poésie mexicaine, par-delà tout pacifisme simplificateur et derrière les valeurs consacrées ? Le Stridentisme, qui fut au Mexique, de 1921 à 1927, l’avant-garde même, ne peut-il être autre chose qu’une partie du décor ou qu’un obscur objet d’étude pour historiens de la littérature ? Son fondateur et animateur, Manuel Maples Arce, à condition d’être (re)lu et pourquoi pas traduit, pourrait être un peu plus qu’un douteux personnage de fiction : un authentique poète. Voici l’œuvre. 
 
[Antoine Chareyre] 
 
 
« Avant-propos » au volume : 
Manuel Maples Arce, Stridentisme ! Poésie & manifeste (1921-1927) 
édition bilingue & illustrée 
textes réunis & établis, traduits de l’espagnol (Mexique), présentés & annotés par Antoine Chareyre 
Le Temps des Cerises, coll. « Commun’art » 
(à paraître le 7 novembre 2013) 
 
 
1. P. I. Taibo II, Sombra de la sombra, Mexico, Editorial Planeta Mexicana, « Biblioteca policíaca », 1986 ; version française citée : Ombre de l’ombre, trad. de Mara Hernandez et René Solis, Paris, Rivages, « Rivages noirs », 1992. 
2. « Para aguas las de Simón,/ no hay más frescas en el rumbo/ el que diga que no gustan/ de un madrazo me lo tumbo. » 
3. « Coso mi alma a la piel/ y desespero/ la vida se desangra/ y apesar/ no ha nacido la Singer que repare/ con puntadas precisas/ y lo siento/ estas cosas de mí/ que voy perdiendo/ dejando/ atrás. » 
4. R. Bolaño, Los detectives salvajes, Barcelone, Editorial Anagrama, « Narrativas hispánicas », 1998 ; version française citée : Les détectives sauvages, trad. de Robert Amutio [Paris, Christian Bourgois, 2006], rééd. Gallimard, « Folio », 2010. 
5. Voir « El estridentismo » et « Tres estridentistas en 1976 », Plural (Mexico), n^o 61 et 62, octobre et novembre 1976. 
  
 

[Carte blanche] "Je préfère ne pas", en mémoire d'Elie Delamare-Deboutteville, par Dominique Dou

 

Je préfère ne pas - 
 
On aura beau chercher dans les dictionnaires à Delamare-Deboutteville, on ne trouvera, pour l'instant, que son ancêtre – arrière grand-père je crois, l'inventeur de la première voiture à moteur à explosion, en 1884. 
 
Pourtant ce fut aussi un grand jeu que de vivre pour Elie en explosant sa trace – je veux dire son empreinte – sur la terre. A nulle autre pareille comme il se doit pour une empreinte. 
Et une signature initiale – inaugurale – Elie (AY) Delamare-Deboutteville, avec toujours ajoutées, celles, mystérieuses "(AY)" que personne ne comprend. 
Car il est parti avec ce mystère : incantation, invocation – à qui ? à quoi ? N'ayant pas eu de réponse, finalement je crois que je ne veux pas savoir : je préfère inventer, imaginer. Et ne pas vous le dire. 
C'est un grand jeu qui n'est pas vraiment une plaisanterie que de vivre dans un grand écartement, dans un grand développement intérieur, imperméable à tous – ou presque. 
Et pourtant comme il habitait le monde ! – mais hors du monde des endormis – dans cette présence innocente encore toute proche de l'enfance réelle, celle qui joue, sait qu'elle joue, sait que ça va finir un jour, sait qu'elle ouvre grand les bras, émue même par son doux rire fraternel d'avant la bêtise. 
Une fragilité, un silence admirable qui n'a pas peur de la tresse infinie du temps, une présence acceptante – de tout. Je veux dire qui accepte le monde comme "le ciel accepte les oiseaux" parce que, de toute manière, ils ne peuvent vivre ailleurs que dans le ciel. 
 
Elie Delamare-Deboutteville (écrire entièrement ce nom) était un humain spécial, vivant dans cet indéfini qu'il parcourait sans cesse par des poèmes innombrables, incommensurables dont lui seul connaissait le nombre exact. 
Des milliers, des milliers : comment penser qu'il était "à côté" du monde, et de la vie, lorsque l'on sait qu'il écrivait "tout le temps", tout son temps, jusqu'à épuisement – jusqu'à épuisement de quelques mots – ritournelle obsédante – l'infini, l'éternel, l'intemporel, le possible, l'impossible, l'amour, la mort, le rêve, le silence. 
 
Ce ne sont pas des miroirs ces mots dans son oeuvre mais des vitres très claires – aussi claires que lui-même, au travers desquelles il pouvait écrire des choses aussi simples et aussi terribles  
que : "je me demande si adolf hitler / criait pour s'empêcher de pleurer" – sans majuscule au nom du "démon" – lorsqu'on sait que ces deux vers sont issus du poème "A Babylone reconstruite"... on comprend que ce flux jaillissant d'Elie était parfaitement construit, parfaitement conscient, parfaitement présent. 
 
Je me rappelle maintenant cette présence tout entièrement claire et tout entièrement intérieure qu'Elie manifestât lors de nos rencontres – presqu'entièrement silencieuses – de part et d'autre – je n'en parlerai donc pas. Je préfère ne pas. 
 
Je me rappelle aussi les premiers poèmes que je lus de lui, ce vertige si bien nommé, qui m'ont littéralement sauté aux yeux en une caractéristique évidente : ce participe présent et cet infinitif – suivi ou précédant l'un l'autre – procédant l'un de l'autre en une apocope du monde en train de s'accomplir, non accompli, non conjugué, dans ce cadeau extraordinaire fait à la lectrice que je fus, que je suis : celui que j'ai de conjuguer ou de ne pas conjuguer.  
 
Je préfère ne pas – être en cours de – observer la durée à l'oeuvre, l'idée, le noyau, l'infinie liberté en cours de développement, l'être-là en train d'être là où je lis – pas de procès, pas de jugement, juste lire là, présentement, participant du présent, infiniment donc. 
 
Immense épaisseur de l'écrire et du vivre qui laisse libre-cours à la conjecture : qui était Elie ? Avant que la biographie l'emporte, un jour, sur le reste – je préfère ne pas, aujourd'hui, savoir. Et pourtant... 
"Quelqu'un qui écrirait sans penser je suis la révolution n'écrirait pas" écrit (en substance) Blanchot. J'ignore si Elie pensait cela mais cette phrase m'est venue ces jours-ci, dans cette époque-là que nous vivons qui n'est pas une époque de révolution mais de mutation que nous observons, certains, hébétés, d'autres, endormis, d'autres, réactionnaires. 
 
Pour un écrivain – un écrivain de poèmes – le plus évident c'est l'écartement. C'est sûr : c'est une tragédie, lourde, à porter jusqu'au bout. L'écartement – et, en même temps la présence assurée. 
 
M'est revenue enfin ces jours-ci, la voix d'Elie sur le répondeur téléphonique – oui, c'était sa voix étrange – qui d'autre pouvait parler de douceur et d'absolu en même temps – qui posait une question à laquelle je n'eus pas le temps de donner une réponse. 
J'eusse préféré, pourtant – 
 
[Dominique DOU] (octobre 2013) 

photo ©Hubert Haddad

 

[anthologie permanente] Elie Delamare-Deboutteville [carte blanche à Hubert Haddad]

 

Ce courriel d’Hubert Haddad (hier soir, mardi 17 septembre 2013) :  
« Le poète Elie Delamare-Deboutteville est mort aujourd'hui, peut-être était-il un de nos grands contemporains inconnus, dans une entière solitude, peut-être pourriez-vous lui faire un signe, je vous joins quelques poèmes de lui, il en a écrit dans une vie de combat contre la mort et la folie près de vingt-huit mille 
 
Une rencontre autour de son œuvre (programmée avant sa mort) est prévue le lundi 30 septembre : 
 
Lundi 30 septembre 2013 à partir de 19 h  
Découvrir Élie Delamare-Deboutteville   
 
Élie Delamare-Deboutteville est un inconnu majeur de la poésie française contemporaine, un poète actuel, d’une extraordinaire inventivité. Né à Paris en octobre 1947, il est décédé le 17 septembre 2013 à Brunoy. Ceux qui ont eu la chance de le croiser n’ignorent pas la raison de cette méconnaissance : Élie Delamare-Deboutteville est la poésie incarnée – quand parole, corps et âme s’embrasent en une seule flamme. Toute sa vie – depuis ses premiers pas dans les ultimes turbulences du surréalisme (autour de l’Archibras et du Soleil Noir) jusqu’en ces jours malaisés de l’automne 2013 où nous le savons luttant contre la maladie – n’aura été qu’un immense poème d’une merveilleuse, burlesque, inquiétante singularité. L’œuvre qui en témoigne, sans doute l’une des plus vastes jamais écrites et dont on ne connaît pour l’heure qu’une infime part (éditée entre autres aux éditions Le Point d’être et Bernard Dumerchez), se déploie depuis la fin des années soixante en milliers de pages manuscrites et dessinées. Par cette rencontre que nous souhaitons allègre, ponctuée de lectures et de la projection d’un court-métrage, nous évoquerons, révélerons, mettrons à jour un poète vivant d’aujourd’hui, lui manifestant ainsi notre admiratif attachement tout en oeuvrant ensemble à sa pérennité.  
 
Atelier Joëlle Posseme 17 rue Trousseau 75011, Paris – metro Ledru Rollin  
 
Bibliographie 
La Nouvelle Poésie française, (Anthologie) de Bernard Delvaille, Seghers, 1974 
Face à peu de temps, éditions le Point d'être, 1983, avec une préface de Hubert Haddad. 
Poèmes pour un dieu égaré sur terre, éditions le Point d'être, 1986, avec une préface de Frédérick Tristan. 
Poèmes pour un dieu égaré sur terre, 1989, préface de Frédérick Tristan  
Poèmes pour la conquête d'un vertige, éditions Bernard Dumerchez, 2004, illustrations de Gérard Zingg
Poèmes pour un sabre enfantin, éditions de Champtin, coll. Kraft, avec les encres de Patricia Noblet, présentations de Hubert Haddad et de Rémy Pastor, 2005 
Raison basse (Anthologie), éditions Caméras Animales, 2007. 

Textes dans les revues l’Archibras, Le Point d’être, C’, Dérives, L’Ivre de Pierre, Supérieur Inconnu, etc.

  
Extraits proposés par Hubert Haddad
 
Chanson funèbre 
 
L’amour et l’orage s’en allèrent 
main dans la main 
 
enterrer le temps  
qui passe et revient 
 
nous ne sommes en vie que par la grâce 
des morts 
 
 
Scène d’intérieur 
 
et les déluges ne cessaient d’enchanter 
les hommes autant que les dieux 
 
les foules des temps 
passant repassant 
devant ce miroir 
où Dieu caresse 
et console un Serpent 
à plumes 
 
 
berceuse 
 
écoute 
ô écoute 
le possible 
 
le chant jaillissant 
de l’amour possible 
 
que même l’impossible 
garde mémoire 
 
de ce chant que tu entends 
en toi par toi 
 
 
intemporel 
 
on regarde le monde 
dans le miroir de la mort 
 
les arcs-en-ciel de l’intemporel 
ouvrent leurs yeux 
 
ô amour je te parle 
et je te contemple 
bien après notre mort 
 
 
souvenir 
 
je me souviens de ton sourire étonné 
quand on te dit le chiffre du silence 
 
tu quittes la nuit de la mort 
mais dis toi de temps en temps que 
la nuit est blanche 
 
 
infini 
 
Ô bonheur de croiser une étoile au plus près 
Ô panique devinant la mort d’un soleil 
 
les rêves ne sont pas forcément 
roses, noirs ou azur 
 
l’infini passe un pied derrière 
la tête 
 
*  

Et l’être eut deux visages en même temps 
 
La porte s’ouvrait toute seule 
 
La part invisible de chaque chose 
 
La mort n’est pas le noir total 
 
Un regard d’amour se pose sur chaque os 
 
On ne peut pas oublier le corps 
 
L’absence pleure par mes yeux 
 
Un cadavre léger comme une fleur 
 
Un cadavre lourd comme une étoile 
 
Ô amour sans deviner le temps 
 
Ô amour sans oublier l’absence 
 
 
 
L’infini étant une croix 
 
L’infini contemple l’infini 
 
Et le cerveau disparaît derrière moi 
 
 
[...] 
3 
l’occident 
contemple 
le taureau 
du possible 
 
gardant 
l’impossible 
combattant 
 
l’orient présente 
la danse de l’écume 
 
au rivage du doute 
 
4 
on s’étonne  
de l’infini 
autant que 
de l’amour 
 
tout 
se 
suppose 
 
un cube 
est au cœur 
 
de la tourmente 
 
 
campagne militaire 
 
dans la campagne 
les vaches ont des sourires 
prophétiques 
et calmes 
 
quel sera le temps 
de pluie dorée et 
de plomb argenté 
quel sera l’intemporel 
 
pense-t-on mieux 
dans un cercueil 
ou dans une boîte de conserve 
 
la croix de guerre 
ferait-elle bien 
au cou du Christ 
 
 
possible 
 
lointaine 
lointaine 
mystérieuse 
histoire 
 
le silence 
ouvre ses oreilles 
et entend 
le rien 
 
les mondes et les temps` 
se souviennent 
aussi vite qu’oublier 
 
écoutez la couleur 
chantant l’impossible 
dialogue changeant 
 
 

Portrait par Jean Criton

 

[carte blanche] "Un nouveau souffle de la poésie allemande, Kunze, Sebald" par Patrice Beray

 

Un nouveau souffle de la poésie allemande 
avec Kunze, Sebald 
Par Patrice Beray 
Article publié sur le site Mediapart, le mardi 3 septembre 2013 
 

Les éditions Cheyne viennent de publier Invitation à une tasse de thé au jasmin, une anthologie personnelle du poète allemand Reiner Kunze qui était aussi l’invité cet été des Lectures sous l’arbre du Chambon-sur-Lignon, en compagnie notamment de sa traductrice en français Mireille Gansel.  
 
Patrice Beray a publié de son côté tout récemment un article important sur le site Mediapart.  
Le site et l’auteur ont autorisé Poezibao à le reprendre. Qu’ils en soient très chaleureusement remerciés. 
Pour respecter la mise en page de l’article, avec ses illustrations, ce texte est publié ici en format pdf, à ouvrir d’un simple clic sur le lien ci-dessous 

Lire : Un nouveau souffle de la poésie allemande, Kunze, Sebald