Poezibao

[anthologie permanente] [Carte Blanche] & [poètes], Sándor Weöres, par Thierry Gillyboeuf et Cécile A. Holdban

 

Le 22 juin dernier était fêté le centième anniversaire de la naissance de Sándor Weöres, un poète hongrois protéiforme et original, parmi les plus aimés de son pays. Il n'existe que très peu de traductions en français de ce poète. 
Cécile A. Holdban, poète et traductrice, a entrepris de traduire certain de ses poèmes, dont plusieurs sont à paraître en revue, et l'un de ses recueil les plus emblématiques est à paraître dans la collection Orphée, des éditions de la Différence, dirigée par Claude Michel Cluny 
Thierry Gillyboeuf et Cécile A. Holdban ont proposé à Poezibao ce dossier, présentation du poète et large choix de traductions.  
 
[éléments de biographie et de bibliographie] 
 
Incontestablement, Weöres Sándor* est, avec Jószef Attila, la figure centrale, incontournable et fondatrice de la poésie hongroise moderne. Mais contrairement à ce dernier, Weöres Sándor, dont on fête aujourd’hui le centenaire et qui avait été proposé pour le Prix Nobel de littérature un an avant sa mort, reste encore largement méconnu en France. Il est pourtant l’un des poètes les plus populaires de son pays, aimé autant des adultes que des enfants pour lesquels il a imaginé des comptines et des chants qui font désormais figure de classiques et ont inspiré aussi bien des compositeurs comme Kodály Zoltán et Ligeti György que nombre d’interprètes de musiciens folkloriques ou contemporains. 
 
Poète prodige – il a publié son premier poème, “Les Vieux”, à quinze ans, qui lui vaut d’être remarqué d’emblée par Kosztolányi Dezső et reçoit le prix Baumgarten à dix-sept ans, qui lui permet d’entreprendre un voyage en Extrême-Orient –, virtuose – par ses trouvailles rythmiques, ses néologismes, ses jeux de mots, la richesse onirico-philosophique de sa langue, il a insufflé au hongrois une vitalité inépuisable – il se passionne pour des domaines aussi variés que le mysticisme, la linguistique, l’Orient, l’érotisme, la musique, les civilisations premières ou l’antiquité. Sa poésie ne se nourrit pas des évènements de sa vie personnelle ni des soubresauts de l’histoire et des bouleversements que son pays a connus au cours du XX^e siècle, qu’il a vécus et traversés en préservant une voix/voie poétique unique et inimitable. 
 
 
Écrivain protéiforme et inclassable, qui ne cesse de se renouveler, traducteur de William Blake, Stéphane Mallarmé, Taras Chevtchenko ou Lao T’seu, lui qui se disait “las d’être enfermé dans un corps masculin” composa, en 1972, Psyche, un ensemble de lettres et de poèmes attribués à une poétesse tsigane (fictive) du XIX^e siècle, Lónyai Erzsébet, retraçant le parcours d’une femme passionnée, ses amours tumultueuses, sa quête d’identité et sa révolte. Il y a tant de finesse et de vérité dans le portrait ainsi dressé de cette femme, qu’à sa parution, les lecteurs sont persuadés qu’elle a réellement vécu et que Weöres Sándor l’a découverte… jusqu’ ce qu’il avoue être l’auteur du livre, dévoilant ainsi sa capacité à transcender le sexe et l’époque avec génie. Bódy Gábor, un jeune cinéaste, adaptera en 1980 ce texte dans son très beau film Nárcisz és Psyché (Narcisse et Psyché). Comme l’écrivait lui-même Weöres Sándor, l’univers avait fait son nid dans l’œil de celui qu’on a appelé l’“Orphée hongrois”. 
  
 
[Cécile A. Holdban & Thierry Gillyboeuf] Portrait inédit de Jean-Paul Gillyboeuf
 
 
*En hongrois, le patronyme est toujours placé devant le prénom 
 
 
 
TÖRT FÉNY 
 
Suhogó este, árnyakból varrva, 
hullámosan fénylő sötét szövet. 
A súlyos csöndet alig zavarva 
dongó surrog a violák felett. 
 
Kivilágított repülőgép fenn     
búgva viszi a világ zaját. 
Itt egykor annyi sugárban éltem, 
hogy feledtem az örök éjszakát. 
 
(Ének A Határtalanról, 1979) 
 
 
LUMIÈRE FRACTALE 
 
Le soir bruisse cousu d’ombres, 
tissu couvert de vagues sombres. 
Le bourdon survole les giroflées 
le silence pesant est à peine dérangé. 
 
Là-haut un avion éclairé vrombit 
emportant la rumeur du monde 
tant de rayons me baignèrent un jour ici 
que j’en oubliais la nuit infinie. 
 
 
 
A FOLYÓK 
 
A folyók egymásba hangzanak 
És egymás körül látszanak 
Elhagyva saját alkonyukat 
A hontalan pályán 
A megfoghatatlan ügetésen 
Most és még sokáig. 
 
(Kútbanéző, 1985) 
 
 
LES FLEUVES 
 
Les fleuves résonnent l’un dans l’autre 
paraissent s’entrelacer l’un l’autre 
abandonnant leur propre déclin 
sur un chemin d’exil 
sur un galop imprenable 
maintenant et pour longtemps encore. 
 

[Anthologie permanente] [Carte blanche] [poètes] Geoffrey Squires (par Alain Lance)

 

L’édition 2013 du Marché de la poésie fut marquée, entre autres, par l’heureuse renaissance des Editions Unes. Parmi ses nouvelles publications, Sans titre, de Geoffrey Squires, poèmes traduit de l’anglais par François Heusbourg. Avec des gravures de Robert Groborne. 
 
Geoffrey Squires est né en 1942 en Irlande. Après des études à Cambridge, il a travaillé dans diverses universités en Iran, en France, aux États-Unis et au Royaume-Uni, où il a notamment enseigné à l’université de Hull. Depuis Drowned Stones en 1975, il a publié une quinzaine de recueils de poésie et l’an prochain paraîtra aux États-Unis sa traduction du Diwân de Hafez. 
Si un certain nombre de poèmes de Geoffrey Squires avaient déjà paru dans des revues en France (notamment dans action poétique), Sans titre est son premier livre publié en français, en édition bilingue. 
 
Dans son introduction au recueil, François Heusbourg écrit : « Alors nous ouvrons un livre de Geoffrey Squires comme nous entrons dans un espace vide, où des corps nous attendent, des arbres, des visages arrachés au souvenir, miettes répétées le long d’un chemin surgi sous nos pieds, d’un chemin qui s’épelle sous nos pieds, tissé à mesure, tiré à soi à mesure que l’on avance, que l’on tourne les pages. Chaque poème devient l’épisode d’une phrase en mouvement. Le poème devient un corps dont nous sommes le mouvement. » 
Il faut saluer la qualité de la traduction de François Heusbourg, qui a su découvrir l’œuvre discrète mais originale d’un poète irlandais à distance d’une certaine image convenue de la poésie au pays de Joyce. Souhaitons donc que François Heusbourg poursuive son travail et nous offre à l’avenir d’autres recueils de Geoffrey Squires, pour faire découvrir le cheminement d’une œuvre depuis quatre décennies. 
 
Qu’on me permette une note personnelle : Geoffrey Squires est non seulement un poète dont j’admire le travail mais c’est aussi un ami de longue date. Je fis sa connaissance en 1966 en Iran, à Ispahan, où il enseignait l’anglais à l’université et au British Council quand j’enseignais le français dans divers lycées de la ville. C’est lui qui me permit de faire les premières rencontres avec des écrivains et poètes iraniens. Depuis ces années-là, nous nous sommes régulièrement retrouvés, en Irlande, en Angleterre ou à Paris, où il séjourna toute une année. Et je lui dois les belles traductions de mon cycle de poèmes Chronos, paru en 2002 dans un livre d’artiste de Wanda Mihuleac. 
 
[Alain Lance] 
 
 
Et dans trop d’endroits trop proches ou trop soudains 
tout autour de nous et même derrière    quand nous tournons 
 
nombreux nombreux petits mouvements 
d’abord incertains et ensuite 
 
que cela soit ou contenu en soi 
imagine ce que cela pourrait signifier 
 
 
And in too many places too near or too soon 
all around us even behind   when we turn 
 
many many small movements 
uncertain at first and then 
 
whether it is or has within it 
imagine what that would mean 
 
* 
 
Qui ne veut rien dire de plus 
 
et avec pourtant la capacité à faire son chemin 
dans des espaces auxquels nous venons juste de penser 
 
mouvement   comment savons nous 
une chose découlant d’une autre 
 
pourrait ou ne pourrait pas et qu’importe 
 
 
Which is no more than to say 
 
and yet with the capacity to work its way 
into spaces we have only just thought of 
 
movement   how do we know 
one thing following from another 
 
might or might not and any way if it did 
 
* 
 
Et pour ce que nous en savons 
cela pourrait se reproduire 
 
défaille   répétitif   bref 
une chose coulant d’une autre 
imagine ce que cela pourrait signifier 
 
pourquoi se répète-t-il   ce mouvement parmi tous 
pas un seul jour où je n’ai au moins essayé 
 
crois-moi 
 
 
And for all we know 
might be so again 
 
breaks down   repetitive    not long 
one thing flowing from another 
imagine what that would mean 
 
why does it repeat   this of all movements 
there is not one day but I have in some way tried 
 
believe me 
 
* 
 
Passage du soleil à la fraîcheur 
 
et l’air à l’intérieur comme un marbre 
sur le visage    les épaules nues 
 
dans la soudaine obscurité de la chambre 
 
une brise chaude fouille les rideaux 
le bruit de la mer la mer 
où tu où je où nous 
 
 
Passage from sun to cool 
 
and the air inside like marble 
on the face   the bare shoulders 
 
in the unwonted dark of the room 
 
a warm breeze rifling the curtains 
sound of the sea the sea 
where you where I where we 
 
* 
 
Et ça ne disparaît pas juste parce que ça a été oublié 
laissé de côté    renvoyé pour un temps 
 
ce qui vient après ou enfin 
et légèrement plus tôt que prévu 
 
qui n’est pas à dire 
ou ne peut être dit 
 
 
And does not go away just because it has been forgotten 
left unattended    dismissed for a while 
 
what comes next or at last 
and slightly earlier than was expected 
 
which is not to say 
or cannot be said to be 
 
 
Geoffrey Squires, Sans titre, traduit de l’anglais (Irlande) et préfacé par François Heusbourg, Éditions Unes, 2013, pp. 10 et 11, 14 et 15, 24 et 25, 46 et 47, 72 et 73 

[anthologie permanente] & [Carte Blanche] Bertolt Brecht & Volker Braun

 

« Le 14 octobre 1983, Volker Braun visite à Svendborg la maison où Brecht habitait pendant son exil au Danemark …. » : Alain Lance propose ici un jeu d’échos entre Bertolt Brecht et le poète contemporain Volker Braun, dont il est le traducteur en français.  
 
Fragen eines lesenden Arbeiters 
 
Wer baute das siebentorige Theben?  
In den Büchern stehen die Namen von Königen.  
Haben die Könige die Felsbrocken herbeigeschleppt?  
Und das mehrmals zerstörte Babylon -  
Wer baute es so viele Male auf? In welchen Häusern  
Des goldstrahlenden Lima wohnten die Bauleute?
Wohin gingen an dem Abend, wo die Chinesische Mauer fertig war Die Maurer?
Das große Rom  
Ist voll von Triumphbögen. Wer errichtete sie? Über wen Triumphierten die Cäsaren? Hatte das vielbesungene Byzanz  
Nur Paläste für seine Bewohner? Selbst in dem sagenhaften Atlantis Brüllten in der Nacht, wo das Meer es verschlang  
Die Ersaufenden nach ihren Sklaven.  
Der junge Alexander eroberte Indien.
Er allein?  
Cäsar schlug die Gallier.
Hatte er nicht wenigstens einen Koch bei sich?
Philipp von Spanien weinte, als seine Flotte Untergegangen war. Weinte sonst niemand?  
Friedrich der Zweite siegte im Siebenjährigen Krieg. Wer Siegte außer ihm?  
Jede Seite ein Sieg.
Wer kochte den Siegesschmaus?  
Alle zehn Jahre ein großer Mann.
Wer bezahlte die Spesen?  
So viele Berichte.
So viele Fragen.  
(1935) 
 
Bertolt Brecht   
 
Questions que pose un ouvrier qui lit 
Qui a construit Thèbes aux sept portes ?
Dans les livres, on donne les noms des Rois.
Les Rois ont-ils traîné les blocs de pierre ?
Babylone, plusieurs fois détruite,
Qui tant de fois l’a reconstruite ? Dans quelles maisons
De Lima la dorée logèrent les ouvriers du bâtiment ?
Quand la Muraille de Chine fut terminée,
Où allèrent, ce soir-là les maçons ? Rome la grande
Est pleine d’arcs de triomphe. Qui les érigea ? De qui
Les Césars ont-ils triomphé ? Byzance la tant chantée.
N’avait-elle que des palais
Pour les habitants ? Même en la légendaire Atlantide
Hurlant dans cette nuit où la mer l’engloutit,
Ceux qui se noyaient voulaient leurs esclaves. 
Le jeune Alexandre conquit les Indes.
Tout seul ?
César vainquit les Gaulois.
N’avait-il pas à ses côtés au moins un cuisinier ? 
Quand sa flotte fut coulée, Philippe d’Espagne
Pleura. Personne d’autre ne pleurait ?
Frédéric II gagna la Guerre de sept ans.
Qui, à part lui, était gagnant ? 
À chaque page une victoire.
Qui cuisinait les festins ?
Tous les dix ans un grand homme.
Les frais, qui les payait ? 
Autant de récits,
Autant de questions. 
 
Bertolt Brecht, traduction de Maurice Regnaut 
 
  

Le 14 octobre 1983, Volker Braun visite à Svendborg la maison où Brecht habitait pendant son exil au Danemark, après la prise du pouvoir par Hitler. Il écrit le texte ci-dessous, allusion au célèbre poème de Brecht. Le poème de Volker Braun figure dans une très intéressante anthologie intitulée « Ô Chicago ! O Widerspruch ! » - Hundert Gedichte auf Brecht (1), parue en 2006 aux éditions Transit, choix et présentation de Karen Leeder et Erdmut Wizisla. Le livre rassemble cent poèmes dédiés à ou inspirés par Brecht, écrits par des dizaines d’écrivains allemands contemporains. Ce texte figure également dans le journal de travail de Volker Braun (Werktage 1977-1989, Arbeitsbuch) paru aux éditions Suhrkamp en 2009.  

 
 
Qui habitait sous le toit de chaume danois ? 
Sur la plaque de bronze on lit le nom du poète. 
Qui à part lui logea dans ce refuge ? Était-il seul 
Quand il fuyait les fascistes ? Sa femme 
Portait les valises et les enfants. 
Et n’y avait-il pas là ces amies 
Aimantes, et n’avait-il pas aussi une cuisinière 
Mari Hold, d’Augsbourg ?  
 
 
WER WOHNTE unter dem dänischen Strohdach? 
Auf der Bronzetafel steht der Name des Dichters. 
Wem außer ihm 
Bot sich der Unterschlupf? War er allein 
Auf der Flucht vor den Faschisten? Seine Frau 
Trug die Koffer und Kinder. 
Und waren da nicht diese lieb- 
Reichen Freundinnen, und  
Hatte er nicht auch eine Köchin dabei 
Mari Hold aus Augsburg? 
  

Ce n’est d’ailleurs pas la première fois que Volker Braun entretient ce dialogue dialectique empreint d’admiration mais aussi d’ironie avec le poète et dramaturge d’Augsburg. Dans son premier recueil de poèmes paru en 1965, Provokation für mich, on trouvait ceci : 
 
 
Questions d’un ouvrier pendant la révolution 
 
Tant de récits. 
Si peu de questions. 
Les journaux annoncent notre pouvoir. 
Combien d’entre nous  
Pour n’avoir jamais eu la parole 
Cachent encore leur bouche  
Comme une partie honteuse ?  
Les radios transmettent au monde notre politique. 
Comment, devant les machines en marche 
Choisir entre deux leviers… 
Ou deux ministres ?  
Les places portent nos noms. 
Chacun est-il est sa place 
Pour se servir des nouvelles dispositions ?  
Beaucoup se tiennent seulement à la disposition 
De l’usine. Sur les trônes sont assis 
Des gens à nous : demandez-vous notre avis 
Assez souvent ? Pourquoi 
Ne parlons-nous pas toujours ? 
 
 
(traduit par Alain Lance dans Volker Braun, Provocations pour moi et d’autres, Pierre-Jean Oswald, 1970) 
 
 
Fragen eines lesenden Arbeiters während der Revolution 
 
So viele Berichte. 
So wenig Fragen. 
Die Zeitungen melden unsere Macht. 
Wie viele von uns 
Nur weil sie nichts zu melden hatten 
Halten noch immer den Mund versteckt 
Wie ein Schamteil? 
Die Sender funken der Welt unsern Kurs. 
Wie, an den laufenden Maschinen, bleibt 
Uns eine Wahl zwischen zwei Hebeln 
Oder Ministern?  
Auf den Plätzen stehn unsere Namen.  
Steht jeder auf dem Platz 
Die neuen Beschlüsse  
Zu verfügen? Viele verfügen sich nur 
In die Fabriken. Auf den Thronen sitzen 
Unsre Leute : fragt ihr uns 
Oft genug? Warum 
Reden wir nicht immer? 

^1. Ô Chicago ! Ô contradiction ! C’est d’ailleurs le titre d’un poème de Volker Braun, écrit en mai 1990, qu’on peut lire dans le choix de poèmes Le Massacre des illusions, paru  il y a deux ans aux éditions L’Oreille du Loup. 

[parution] Sous la direction de Peter Collier & Ilda Tomas, "Béatrice Bonhomme, le mot, la mort, l’amour"

 

 
Comment donner une forme aussi logique que passionnelle à un ensemble riche et complexe ? Comment mettre en relation et combiner des unités critiques diverses où les mêmes éléments sont repris, disjoints, redistribués proposant des clés de lecture pour peindre une même personne ? 
Cet ouvrage se déclare, d’entrée de jeu, comme reconnaissance au triple sens du terme : 
Reconnaissance d’une œuvre et de sa place éminente dans la poésie actuelle. 
Reconnaissance envers une œuvre au sein de laquelle le secret des êtres et des choses, le dialogue de la vie et de la mort commandent le mouvement de l’écriture et son dynamisme interne. 
Reconnaissances enfin au sens d’itinéraires, d’explorations, de propulsions menées dans l’opulence de cet univers poétique. 
Il serait vain de prétendre rendre compte en quelques minutes de la qualité exceptionnelle des études. L’intérêt nous semble plutôt de retrouver les pistes à parcourir à partir du chemin tracé par le poète. La structure de base qui assure à l’ouvrage son ordre et son orientation est celle d’une continuité, d’une progression, et d’un approfondissement dans la découverte d’une identité. Les séquences soigneusement élaborées, avec un style différent et un rythme renouvelé, ont été disposées en vue d’obtenir un autre système, en écho à l’œuvre et à l’artiste étudiés ; le passage de l’une à l’autre se faisant comme par un fondu-enchaîné dans une  poursuite  qui affine, affouille et affermit l’approche critique. 
 
La première partie, grâce aux textes inédits de Béatrice Bonhomme, renvoie d’emblée à l’écriture du poète : nous sommes à même la matière et la chair vivante du Verbe ! 
Succède une partie biographique : aucun bavardage anecdotique, mais un dialogue fécond qui plonge dans ce nœud d’où partent, mûrissent et fusionnent les multiples façons d’être, de sentir et de créer. 
La lumière étoilée illustre les rapports entre formes artistiques et artistes variés faisant ressortir le rôle prépondérant tenu par l’art, dans une œuvre qui ouvre dans la photographie, la peinture et le théâtre, des lignes et des perspectives qui se croisent, s’entrelacent et convergent. 
Le vide essentiel désigne l’autre côté de la vie : Béatrice Bonhomme capte les frissons du manque ressenti en creux et en cri. Elle suggère à vertige les cicatrices de l’inexistence, ce lieu de tension absolue où fermente l’insoutenable, et traduit le passage inouï de l’absence à l’étreinte, de la carence à la caresse. 
Mais Béatrice Bonhomme connaît autant l’art d’aviver et d’exalter l’éclat de la vie, l’élan de l’amour, l’épaisseur savoureuse et charnelle du monde, ce que révèlent le corps glorieux et les splendeurs du sentir, celles des aubes et des couleurs, des arbres et des fleurs, des rires d’enfants, des pulsations sensorielles et des émois sensuels. 
Cette poésie porte néanmoins les marques d’une conscience inquiète devant le problème du destin de l’être et la difficulté à dire l’indicible et l’infini. Chaque lecture fait vibrer l’intensité de ce qui fut un désir, une émotion, la perception de la beauté ou de la douleur, aboutissant logiquement à une interrogation sur les fonctions de la poésie. 
 
Nous avons cherché à engendrer, par l’agencement de tous les textes, la trame de l’ensemble poétique de Béatrice Bonhomme, sa teneur, en contrepoint duquel se sont déployées toutes nos voix. Les combinaisons par lesquelles les matériaux s’organisent effacent sans doute les conditions difficiles qui mettent la création critique en mouvement et la font s’ouvrir, se déployer et s’émouvoir comme une respiration, un souffle, une palpitation : manière de dominer et de recréer ce battement de vie singulier. 
Cet ouvrage fut une fête à des degrés divers. Il est d’abord le centième de la collection de Peter Collier sur la Littérature Française Moderne. Il est élaboration d’un ensemble chanté dans une combinatoire signifiante, dans une démarche effectuée davantage sous forme cinétique que statique, qui privilégie les sources émotives dans une organisation conceptuelle.  
D’autre part, pour comprendre un poète, il faut répondre à ses vibrations. Par moments, cet ouvrage a des airs de méditation lyrique, ensemble de science et de ferveur, de concentration et d’effusion, conçue sur le lyrisme de Béatrice Bonhomme, prolongeant indéfiniment le retentissement des poèmes dans une ardente communication qui nous porte et nous inclut tous.  
 
[Ilda Tomas] 
 
Sous la direction de Peter Collier & Ilda Tomas,  Béatrice Bonhomme, le mot, la mort, l’amour, Editions Peter Lang, 2013.  Contenu du recueil
 
Lire aussi un entretien de Béatrice Bonhomme avec Claude Ber 

[poètes] [Carte blanche] Dossier Carl Rakosi, par Auxeméry

 

Auxeméry publie ici un important travail autour de Carl Rakosi, poète américain trop peu traduit en français. En raison de l'importance et de la longueur des trois ensembles qui composent ce dossier, Poezibao les propose en fichier PDF, facilement enregistrables ou imprimables, et que l'on ouvre d'un simple clic. 

 

Carl Rakosi, mort centenaire, fut le dernier représentant de ce groupement de poètes connu sous l’appellation d’Objectivistes, et si son œuvre, parmi ceux-ci, est une des plus minces, elle n’en est peut-être pas la moins dense ; de plus, cet homme a montré qu’au regard de ces dénominations passées dans le domaine historique et des maîtres qui l’ont formé, il avait su conserver un esprit critique aiguisé, voire mordant. Un esprit libre, essentiellement, et parfaitement conscient des enjeux, ainsi que de ses propres éventuelles faiblesses ou vertus d’écrivain. Un maître de l’épigramme, avant tout – un œil d’une pénétrante vivacité, accordé à une voix sans grain, très précise, très saine, de cette grande santé qui se communique. Bref, un esprit sachant peser ce qui importe, sachant chiffrer et déchiffrer : adepte d’une facture à la ligne claire, et doué de cette vertu simple qui consiste à ne pas perdre son temps aux complaisances. 
 
Né à Berlin en 1903, il passa néanmoins une partie de son enfance en Hongrie jusqu’en 1910, auprès d’une mère dont le souvenir ne lui fut pas très agréable ; son père et sa belle-mère avaient émigré aux États-Unis : celui-là exerça la profession d’horloger-bijoutier, d’abord à Chicago, puis dans une petite ville de l’Indiana. Malgré la modestie de ses revenus, la famille parvint à envoyer le jeune garçon à l’Université (Chicago, puis Wisconsin-Madison), où il commença à écrire, en alternant études (en psychologie, en particulier) et activité professionnelle (dans l’assistance sociale). Fatigué de voir son patronyme d’origine écorché par les gosiers de ses nouveaux compatriotes, il prit le nom de Callman Rawley (permettant une intégration et une recherche d’emploi plus faciles, selon lui), gardant l’ancien nom, celui du Vieux Monde, pour ses rares publications. Pendant un temps, il fut psychologue et enseignant, mais revint à l’assistance sociale jusqu’à sa retraite. 
Cette remarquable biographie offre l’avantage d’une franche (et d’autant plus intense, s’il se peut) banalité, mais aussi d’une représentativité singulière : elle décrit l’itinéraire d’un homme du commun de l’immigration dans le (prétendu) melting pot américain ; elle offre le substrat idéalement plat pour le destin d’un poète discret, et cependant profondément engagé. Elle illustre assez ce qu’on pourrait appeler le conflit des nécessités, auquel tout un chacun peut être soumis : celle de l’expression et de la réalisation personnelles (et plus généralement de la culture) et celle de l’action dans la communauté (et plus précisément, de l’engagement politique). Elle est également celle d’un homme de qualité, que le souci de la futilité ne tarauda jamais. Celle d’un poète extrêmement rigoureux, sous ses airs de légèreté : il suffit d’avoir en mémoire ce salut à l’ami disparu, George Oppen : « Adieu, gentle friend. » Tout Rakosi est dans cette adresse – peu de mots, densité maximale. 
 
[Auxeméry, avril 2013] 
 
 
•Lire Carl Rakosi, Biographie commentée par lui-même, par Auxeméry,   
•Lire Carl Rakosi, poèmes, traductions inédites d'Auxeméry
 
•Lire Carl Rakosi, proses, traduites et présentées par Auxeméry 
 

[Carte blanche] "La non-poésie des non-poètes", par Martin Rueff

 

Martin Rueff a publié hier dans Libération un important article sur la poésie. Il a autorisé Poezibao à le reprendre.  
 
 

La non-poésie des non-poètes 
 
 

« Poétique » est l'adjectif de la louange partagée. D'une exposition, d'une installation, d'une chanson, d’une silhouette on dira aujourd’hui qu'elles sont « poétiques ». Le prédicat est ici moins descriptif qu’évaluatif. « Poétique » signifie tour à tour mystérieux, beau, profond, singulier, frappant.  
Mais on assiste, aujourd’hui, en France, à un phénomène sémantique qui ne doit pas passer inaperçu : non seulement le nom « poésie » (descriptif en tant qu’il désigne une activité symbolique qu’on a pendant des siècles identifiée comme « art du langage ») dont l'adjectif « poétique » (évaluatif) est tiré n'est plus considéré comme son porteur naturel, mais encore on va jusqu’à dénier aux poètes la poésie qu’on prête aux non-poètes. Ce n’est plus la poésie des poètes qui est poétique. On  apporte ici un cas limite.    
Un paradoxe de l’époque : dans leurs suppléments littéraires, les gazettes ne cessent de saluer tel roman, tel essai, telle réflexion et de les qualifier de « poétiques ». Elles ne s’étonnent guère de la disparition dans leurs colonnes du porteur « naturel » de l’adjectif qu’ils utilisent si abondamment.  
En octobre 2010, paraissent dans une très belle édition les Fragments de Marylin Monroe. Ils contiennent outre des proses et des pages de journaux de véritables poèmes (disposés en vers). On les célèbre. Une poétesse est née. En avril 2013, le romancier français Michel Houellebecq publie un recueil de poèmes (ce n’est pas son premier) : Configuration du dernier rivage. La critique est unanime et tapageuse et vaut au romancier la pleine page des journaux, des magazines. On célèbre sinon son art, du moins son courage : le courage de la poésie (le Dicthermut de Hölderlin). Ainsi, on encense Marylin et Houellebecq parce qu'ils écrivent des poèmes (et écrire des poèmes est donc une pratique valorisée : ce ne serait pas exactement la même chose si Michel Houellebecq exposait des tableaux ou si Marylin Monroe avait écrit des pièces de théâtre), mais s’ils n'écrivaient que des poèmes on ne s'y intéresserait pas : ce n'est pas la poésie des poètes qui intéressent mais la poésie-des-non-poètes.  
Ce qui caractérise la poésie-des-non-poètes, c’est son aspect délibérément « vieillot ». Michel Houellebecq nous aide à saisir l’étendue du paradoxe quand il déclare n’avoir lu aucun poète du XX^ème siècle. Ainsi un romancier dont certains considèrent qu’il contribue à l’invention du roman contemporain considère-t-il qu’il n’a pas à se situer par rapport aux pratiques poétiques contemporaines pour écrire de la poésie.  
A le lire on s’en convainc aisément : la poésie du non-poète entretient le même rapport à la poésie française contemporaine que la peinture d’un peintre du dimanche entretient à l’égard de l’art pictural du XX^ème siècle. Tout comme celui-ci peut vouloir portraiturer sa famille ou peindre son jardin dans les formes canonisées par une séquence historique qui va, disons, de 1880 à 1914 (il emprunte ses modèles dans un musée imaginaire qui comprend Monet et Manet, Gauguin et Cézanne), celui-là veut chanter ses amours malheureuses dans des formes convenues empruntées au matériel poétique des écoliers ou des chansonniers.  

On peut donc dire qu’aujourd’hui, en France, la poésie est célébrée dans la mesure même où c'est la "non-poésie-des-non-poètes".  

 
Une lecture de ce phénomène en termes de « distinction » n’est pas impossible. L’écriture romanesque ne « distingue » plus parmi les écrivains (qui se présentent comme des dominés par la culture de masse). On va chercher les dominés des dominés (les poètes qui se présentent comme des dominés par la culture du roman). On récupère le genre le moins vendeur (sous prétexte qu’il est par ce fait même indice de valeur symbolique) et on se le prédique. « Courage de la poésie » : le beurre et l’argent du beurre. 
On a sans doute affaire ici à un avatar (théorique et historique) de la question posée par les philosophes analytiques. Ces philosophes – parmi lesquels Morris Weitz, Arthur Danto, Nelson Goodman et George Dickie aux Etats-Unis, Jean-Marie Schaeffer et Gérard Genette en France – soutiennent depuis une bonne cinquantaine d’années qu’il est impossible d’apporter une définition « substantielle » de l’art. L’art n’aurait pas de forme ou de contenu particulier ; seul le contexte – historique, institutionnel et théorique – permettrait de rendre compte de son existence. Ainsi, plutôt que de demander « qu’est-ce que l’art ? », ces philosophes se sont interrogés sur ses présupposés : « quand y a-t-il art ? ». Et la réponse vers laquelle fait pencher la situation de la poésie est sans doute celle d’Arthur Danto qui pense avant tout l’œuvre comme un produit historique, dont la reconnaissance en tant qu’art dépend de l’« atmosphère théorique » du moment (les critères artistiques qui prévalent à ce moment-là de l’histoire de l’art). Sans doute ne se trompe-t-on donc pas de beaucoup quand on fait de notre époque celle qui loue la « non-poésie-des-non-poètes ».  
Il reste que cette affaire de prédication se complique d’un tour : les poètes contemporains refusent souvent qu’on les appelle « poètes » et qu’on qualifie de poèmes les textes qu’ils écrivent. En 2011 paraît aux éditions La Fabrique un petit manifeste intitulé Mais toi aussi tu as des armes. Poésie et politique. Le livre s’ouvre sur ces mots : « ce livre où il est question de poésie, réunit des écrivains qui ont en commun de ne pas trop aimer qu’on les traite de poètes. Elles et ils ne tiennent pas non plus à ce que leur travail d’écriture soit qualifié de poésie ». Et pourtant c’est bien « poésie et politique » qui apparaît en sous-titre de leur livre. Il y a donc aussi la poésie-non-poésie-des-poètes-non-poètes.  
Ce débat n’est pas vain. Il pourrait permettre de rappeler ce qu’est la poésie-des-poètes, par quoi l’on indique ceux pour qui l’écriture de poèmes est une exigence et la prédication de « poésie » un horizon artistique. Quant à l’ « étrange appellation non contrôlée » (Aragon) de « poètes », ils ne la recherchent pas et ne la refusent pas – ils peuvent s’approprier la formule de Michel Deguy et se présenter comme « des poètes-qui-cherchent à l’être ».  
Au moment de rendre hommage à Pier Paolo Pasolini, Andrea Zanzotto se demande si « avec tout ce qu’il a écrit, et avec tout ce qu’il a créé dans les champs d’activité les plus variés, il est juste de dire que Pasolini doit être avant tout qualifié par le nom de poète ? Oui, et cela, dans l’acception la plus gênante et presque la plus désuète (imbarazzante e persino desueta) que ce terme peut recouvrir ». Sans doute sera-t-il de plus en difficile de désirer coller à toutes les acceptions de ce terme et on a sans doute bien des raisons de remiser certains costumes. Mais ces difficultés ne devront pas empêcher les poètes-qui-cherchent-à-l’être de défendre la poésie-des-poètes-qui-cherchent-à-l’être. Sans quoi on s’exposera au risque d’apparaître comme une génération qui a gaspillé la poésie.  
 
[Martin Rueff] 

[poètes] [Carte blanche] [Dossier] Valerio Magrelli, par J. Charles Vegliante

 

Pour présenter Valerio Magrelli (dans un pays qu’il connaît bien)  

Valerio Magrelli, né à Rome en 1957, a reçu une formation en philosophie, musicologie et français, entre autres à la Sorbonne Nouvelle - Paris 3, où il participa à l’anthologie Le Printemps italien proposée par J.-Ch. Vegliante (Action Poétique) dès 1977. Ses premiers poèmes avaient paru peu avant dans la revue de Pagliarani “Periodo Ipotetico” à Rome. Sa thèse de Littérature française, 1989, est publiée chez Pacini (Pise) en 1995 : La casa del pensiero, Introduzione all’opera di Joseph Joubert. Il travaille aussi sur Dada et traduit beaucoup du français. Enseignant-chercheur, il est nommé Maître de Conférences à l’Université de Florence en 2000, puis Professeur à celle de Cassino.  
Auteur précoce mais à la voix d’emblée parfaitement sûre, marquant un renouveau dans la poésie italienne du second après-guerre – ainsi qu’Enzo Siciliano l’avait aussitôt proclamé –, son premier recueil Ora serrata retinae (Feltrinelli, 1980), dont la section centrale “Rima palpebralis” avait été anticipée dans les publications de 1977 rappelées ci-dessus, trouve sa version définitive (avec un texte soulignant aussi sa composante biographique) huit ans après, alors qu’un deuxième recueil, Nature e venature (Mondadori) vient confirmer sa place de tout premier rang parmi les nouvelles voix italiennes. Chez le même éditeur, Esercizi di tiptologia (1992) impose enfin cette écriture singulière, renouant avec la “pensée-en-poésie” d’un Leopardi, le modernisme des sciences du vivant en plus : une posture que le lyrisme et le flou hermétique du premier XX^e siècle avait un peu fait oublier, non moins que les avatars les plus naïfs du réalisme, auxquels notre réception française a fait souvent la part belle. De nouveaux poèmes complètent la reprise de cet ensemble dans le volume Poesie 1980-1992, e altre poesie chez Einaudi, en 1996. Disponibles, des traductions françaises de Bernard Simeone et J.Y. Masson le font mieux connaître de ce côté des Alpes. 
Valerio Magrelli a dirigé chez Einaudi la collection “Écrivains traduits par des écrivains” trilingue, et a publié un certain nombre d’essais, sur Valéry et autres. Il est connu aussi, désormais, comme auteur de proses, dont Nel condominio di carne (Einaudi, 2003), La vicevita. Treni e viaggi in treno (2009), Il Sessantotto realizzato da Mediaset (2011) – de vaste retentissement dans les dernières années du berlusconisme (du reste, d’autres livres comme Le Campe al Castello d’Ugo Piscopo affrontent à cette même date ce type de question) –, ou récemment l’extraordinaire Geologia di un padre (Einaudi, 2013), dont sont tirés les textes ici traduits. L’aspect novateur de ce dernier livre tient moins dans son caractère de prosimètre (selon l’archi-modèle dantesque de la Vie nouvelle), à la tradition assez affirmée, que dans l’utilisation d’un humour tout britannique, d’une grande humanité, au sein même des régions les plus intimes et douloureuses du rapport de transmission générationnelle (et, si l’on peut dire, comportementale), avec un regard tourné certes vers le passé des géniteurs – l’on songe au long roman familial en vers La Camera da letto d’Attilio Bertolucci, ou aux chroniques plus modestes, villageoises cette fois, d’un Angelo Australi –, mais aussi vers le futur des propres enfants, en bonne logique de la “vie réelle” et de la transmission que l’écriture, en particulier traductive, dit de façon fine et plurielle. C’est cette dernière composante, ou modulation, qui soustrait l’oeuvre au magistère sensible de Pascoli, cet immense poète trop peu traduit, que Magrelli aime et reconnaît parmi les siens. C’est aussi, semble-t-il, la seule façon de ne pas dénaturer – par exemple en le dramatisant – notre rapport essentiel au(x) disparu(s). Voilà ce que montrent magnifiquement ces poèmes, isolés de leur entourage romanesque avec l’accord amical de l’auteur. 
 
[Jean-Charles Vegliante] 

on peut aussi télécharger ici le fichier des poèmes avec les versions originales :  Choix de poèmes de Valerio Magrelli

 

[Carte blanche] La poète norvégienne Torild Wardenær, par Anne-Marie Soulier

Anne-Marie Soulier traduit de nombreux poètes norvégiens. À la demande de Poezibao, elle a conçu cet ensemble autour de Torild Wardenær. 
On trouvera ci-dessous une petite note de présentation de cette poète et plusieurs textes, avec originaux, traduits par Anne-Marie Soulier.  
 
Torild Wardenær est née en 1951 à Stavanger, une petite ville côtière du sud-ouest de la Norvège, où elle vit toujours. Depuis la parution de son premier recueil de poèmes, I Pionertiden (Au temps des pionniers) en 1994, son œuvre n’a cessé de s’enrichir et de recevoir de nombreux prix.  
Ce qui frappe d’emblée dans sa poésie, c’est la liberté extrême des va-et-vient entre le monde physique et les spéculations métaphysiques. Le temps est tout à la fois le temps « poétique » de la sensation contemplative et le temps des « savants »,  philosophes, astronomes, mathématiciens. L’auteur voyage sans embarras ni contraintes entre les ères passées les plus éloignées, Moyen Âge, Renaissance, Antiquité, et des avenirs de science-fiction, sorcière ou déesse mue par son seul désir, sa seule et insatiable curiosité. D’un recueil à l’autre, le voyage explore nos héritages les plus reculés, jusqu’à spéculer autour du boson de Higgs  dès l’année 2010, alors que l’existence de cette particule élémentaire de notre univers n’était encore que pure spéculation mathématique. 
Mais pourquoi y aurait-il contradiction entre l’art et la matière ? Pourquoi la recherche scientifique serait-elle incompatible avec la beauté du monde ? Qu’on la mesure en lux ou qu’on la nomme « lumière », ne s’agit-il pas de la même clarté, et de notre avidité à en percer les secrets ? 
 
[Anne-Marie Soulier]
 
Bibliographie :  
I Pionértiden, 1994 
Null komma to lux, 1995 
Houdini til minne, 1997 
Døgndrift, 1998 
Titanporten, 2001 
Paradiseffekten, 2004 
psi, 2007 
Mens Higgsbosonet gnager, 2011 
 
En français :  
Quelques poèmes extraits de Paradiseffekten traduits par Hélène Hervieu, Nouvelle Revue Française, juin 2005 
Poèmes traduits par Anne-Marie Soulier pour l’anthologie « Trois poètes norvégiens », éditions du Murmure, Dijon 2011. 
Les traductions ci-dessous sont pour l’essentiel empruntées à ce recueil, sauf la traduction du dernier texte, encore inédite (traduction du « Boson de Higgs » en cours).  
 
 
Héritage CCCXXXVI 
 
Rituel chlorophyllien I 
Me voici donc arrivée à ce troisième millénaire, à demi en armes, à demi désarmée, 
car le vert a soif de l’eau où baigne mon sang millénaire, ou bien est-ce 
qu’il m’évite, qu’il me survivra, ou bien sommes-nous de la même force ? 
 
Vais-je donc rester plantée là, au nord de l’Europe, dans l’éternel retour de la chlorophylle, assignée à lentement traduire tout cela en un poème mal ficelé tandis que la lumière, l’eau et les sonnets des maîtres, fracassés, éclatés, s’éparpillent sur villes et chemins,  
qu’il faut les repêcher, les remettre en circulation avec les arbres et les oiseux alentour, 
mais aussi avec tout ce que je veux encore pouvoir désirer :  
les régions tempérées, les quarks minuscules qui règnent en cachette sur la vie et la mort,  
mais par-dessus tout les trente-six humains dont la bonté, en tout temps, tient le monde debout. 
 
Torild Wardenær, extrait de Boson de Higgs, traduction en cours d’Anne-Marie Soulier.  

 
Lire six autres poèmes de Torild Wardenær, avec leur version originale :  Téléchargement Torild Wardenaer
 

[Carte blanche] à Alain Paire : autour de Z.M. de Sophie Pujas

 
Sophie Pujas /  Portrait intérieur de Zoran Music 
 

Ce ne sont pas précisément des chroniques ou des fragments de vidas, c'est une forme qui s'invente et qui ne pourra pas être reproduite dans un autre livre. C'est à la fois neuf et ancien, cela ne correspond pas précisément à d'autres schémas d'écriture que l'on rencontre dans les ouvrages de la merveilleuse collection L'un et L'autre de J-B. Pontalis. Un peu plus de cent pages, un premier livre : à mes yeux, quelques semaines après sa disparition, l'une des plus belles réussites de ce magnifique découvreur (1). 
 
S'il n'y avait pas eu sur la couverture, immédiatement reconnaissable, avec ses couleurs de fresque éteinte, un auto-portrait de Zoran Music, j'aurais pu ne pas remarquer son livre sur la table du libraire. Son titre, uniquement les deux initiales du peintre : Z.M. Sophie Pujas, le nom de son auteur, était pour moi une inconnue (2). Pour que je puisse songer à m'arrêter et feuilleter, un récent article de Pierre Assouline m'avait mis en alerte. 
 
De courts paragraphes accompagnés d'un titre en italique se coulent dans la chronologie d'une existence pleine de discrétion et de chance. Du malheur, des joies et du travail. Il y eut pour Zoran Music, la vie antérieure avant Dachau, et ce qui s'ensuivit : du silence, de l'amour et des amitiés, des cauchemars et des moments d'allégresse, une mort qui survint à Venise alors qu'il avait quatre-vingt-treize ans. Sophie Pujas rappelle dans une incise l'effroi qui avait saisi ses amis qui restèrent un instant sans voix, lorsqu'il sut exprimer, lors de l'une de ses rares interventions publiques, sur un plateau de télévision conduit par Laure Adler, ce qui l'habitait de manière permanente : "j'ai l'impression que c'est quelque chose qui m'est arrivé il y a cent ans et qui pourtant tous les jours est devant moi". 
 
Une trame finement apparente : le texte de Sophie Pujas ne cherche pas à combler les éventuels vides de son récit, depuis l'enfance du peintre jusqu'aux ultimes jours à Venise. Dans la langue d'origine du peintre, Zoran signifie naissance du jour. On pressent qu'elle a très attentivement parcouru et annoté tous les livres et tous les entretiens qui évoquent Music. L'un des compliments qu'on pourrait lui adresser, c'est d'avoir le sentiment qu'à force de recherches et de décantations successives, les fugues de son livre étonnamment concis et mélodieux ressemblent à la diction et à la personnalité de ce peintre qui avait "la grâce de se fondre dans de nouveaux langages avec aisance, comme dans une nouvelle peau. Plus tard, il parlerait l'italien, le français, d'une voix grave, émouvante. Une voix dont les aspérités évoquaient les rocailles de son enfance heureuse. Son âme était nomade, éclairée des fulgurances du Greco comme des lueurs sombres de Rembrandt." 
 
Sophie Pujas n'a vraisemblablement jamais rencontré Music ailleurs que dans ses livres et ses expositions ; il semblerait pourtant qu'elle écrit constamment comme si elle pouvait écouter, réfléchir et voir cet artiste profondément taiseux. Quelquefois, mais cela survient dans un léger décalage par rapport aux rythmes constamment retenus de son écriture, elle introduit dans son texte les paroles mêmes du peintre. Par exemple, elle signale de quelle manière Music avait répondu en 1963 à un questionnaire proposé par Jean Grenier qui composait Dix-sept entretiens avec des peintres non-figuratifs. L'abstraction n'était bien évidemment pas son fort, "il ne cessait de s'excuser : Pardonnez-moi si j'abuse du mot paysage". Plus loin, avec beaucoup de douceur et sans crier gare, Sophie Pujas écrit dans l'incipit d'un paragraphe titré Combat avec l'ange : "Les paysages sont la mémoire de l'humanité". De même, dans un autre passage de son livre, elle n'hésite pas, elle énonce que "l'enfance est une destination". 
 
Elle évoque les multiples sources du peintre, sa formation à Vienne, ses séjours à Prague et Zagreb, son voyage en Espagne lorsqu'il découvrit Goya et Le Gréco : "il ne comprendrait tout à fait qu'après être lui-même passé de l'autre côté de la vie". Beaucoup de choses commencèrent lors de son apprentissage de Venise. "Aimer, c'est reconnaître... Il aimait Venise depuis toujours, et il aima sans peine la femme que Venise lui offrit". L'atelier parisien de Zoran Music fut autrefois l'atelier de Soutine. "Il l'avait repris des mains de Brassai ... Il y avait une douceur vraie dans ce passage de témoin, ce fil d'amitié qui refusait de se rompre". À propos de son arrestation et des circonstances de son internement, Sophie Pujas reste concise. Voici deux des propos de Music qu'elle inclut dans son texte : "On pouvait disparaître d'un instant à l'autre, pour rien" ... "Ce qui m'étonne, c'est d'avoir pu dessiner si bien". Il lui faudra exprimer, il s'agit d'une phrase de l'auteure, "la beauté inavouable de l'horreur". 
 
Dans un bref avertissement qui figure au début de ce livre, Pontalis signale que la veuve de Music lui avait demandé "de préciser que cet ouvrage ne saurait être considéré comme une biographie autorisée ni par elle ni par l'Archivio Music... j'accède bien volontiers à cette requête... tout en rappelant que la collection "L'un et l'autre" attend de ses auteurs un portrait personnel de celui auquel ils souhaitent rendre hommage à leur manière et en toute liberté, étant entendu que les données biographiques se doivent d'être conformes à la réalité. Je remercie Jean Clair, qui était à la fois un familier de Music et un grand connaisseur de son œuvre, d'avoir généreusement accepté que figure dans ce livre, en guise de postface, le texte qui servait d'introduction au catalogue de l'exposition consacrée au peintre par la galerie Claude Bernard, en 2010". 
 
 
[Alain Paire] 
 
Lire des extraits de ce livre ici : Sophie Pujas, Z.M. 
 
Sophie Pujas, Z.M, éditions Gallimard, collection L'un et l'autre, achevé d'imprimer le 29 mars 2013. 
 
 
(1) Il faudrait tenter de lire la  totalité des livres de la collection de Pontalis. Parmi ceux que j'affectionne vivement, Histoire d'un historien. Kantorowicz par Alain Boureau, Langue morte. Bossuet par Jean-Michel Delacomptée, Rimbaud le fils par Pierre Michon et Pauvre Bouilhet par Henri Raczymov. 
 
(2) Internet et la toile m'ont renseigné. Sophie Pujas, de manière intermittente, est depuis trois ans journaliste dans l'hebdomadaire Le Point. Elle publie ses articles en pages culture, on en trouve la liste sur ce lien. Entre autres, d'excellents entretiens avec des historiens, Alain Corbin, Carlo Ginsburg ou Michel Pastoureau. Ce pourrait être l'une de ses phrases personnelles, elle fait dire à Roger Chartier que "la condition de la mémoire, c'est l'oubli". 

[poètes] [Carte blanche] Dossier Eliot Weinberger, par Auxeméry

 

Eliot Weinberger est né le 6 février 1949. Essayiste, éditeur et traducteur américain. 
 
Eliot Weinberger n’est pas poète lui-même, au sens où il serait l’auteur d’une œuvre poétique personnelle, mais il est un auteur au service de la poésie, et étant le traducteur d’œuvres de très haute lisse, et amateur plus qu’éclairé de poésie universelle (les Chinois, tant anciens que modernes, par exemple, tenant une large part dans ses affections), il a droit à notre reconnaissance. Il serait judicieux qu’un éditeur de chez nous se rende compte de la valeur de ses contributions et les fasse connaître aux lecteurs de langue française. 
« Je ne suis pas censé être poète, mais il m’arrive d’être inclus dans les anthologies en tant que tel, nous disait-il récemment. Ma participation préférée se trouve dans The Wisdom Anthology of North American Buddhist Poets … et la semaine dernière, j’ai découvert que je me trouvais dans une anthologie portant le titre d’Ecopoetry… Me voilà donc éco-poète bouddhiste. » 
 
Ses principales traductions sont celles d’Octavio Paz : Collected Poems 1957-1987, In Light of India (Lueurs de l’Inde), Sunstone (Pierre de Soleil) ; de Vincente Huidobro (Altazor) ; de Jorge Luis Borges (Seven Nights, et Selected Non-Fictions), de Bei Dao (Unlock, et The Rose of Time). Il a également publié une anthologie lui-même : American Poetry Since 1950 : Innovators & Outsiders, à laquelle fait allusion Nathaniel Tarn dans l’article que nous donnons ici. 
Ces travaux lui ont fait connaître la notoriété outre-Atlantique, après l’attribution du Nobel à Paz.  
 
Il a également publié un texte intitulé The Stars, qui se caractérise par une distribution typographique originale sur la page, et par le fait qu’il a demandé à des amis de lui fournir, simultanément, des versions en arabe, en chinoise, en hindi, en japonais et en maori – façon de s’inscrire au cœur de la correspondance entre langues, au cœur du divers-même, pour emprunter un concept à notre Segalen (à qui il a consacré une étude, en parallèle avec l’œuvre d’un photographe). 
 
Ses essais sont recueillis dans plusieurs volumes : Works on Paper(1986), Outside Stories (1992), Karmic Traces (2000), An Elemental Thing (2007), Oranges and Peanuts for Sale (2009), publiés chez New Directions. La caractéristique de ces essais est leur tonalité expérimentale très variée – tendant vers la « poésie documentaire en prose », selon ses propres termes. 
Ils sont aussi le lieu d’une parfaite liberté de parole soutenue par une langue d’une grande précision : dans Works on Paper, le travail de plusieurs années se concentre essentiellement sur la vision que l’Occident a de l’Orient (vues de l’Inde à l’époque de Christophe Colomb ; missions chrétiennes en Chine au XVIème siècle ; prostituées de Bombay ; théocratie tibétaine, ; bureaucratie confucéenne ; poésie des Tang…) et sur une analyse serrée des grandes figures de la poésie nord-américaine au XXème siècle (Charles Reznikoff, Ezra Pound, George Oppen, Clayton Eshleman, Langston Hughes) en conjonction avec les grands problèmes de l’heure – antisémitisme, bombe atomique, etc. ; dans Outsides Stories, les préoccupations de Weinberger vont de la fatwa lancée par le régime islamique d’Iran contre Rushdie à la considération du mythe de l’Atlantide, de l’histoire des Pèlerins qui ont fondé la Nouvelle Angleterre aux étudiants de la Place Tien An Men. Son souci permanent reste de lire les poètes (du Mexique au Japon) Sa méthode consiste à rapprocher le vieux fonds des mythes et des textes anciens avec les réalités parfois étranges autant qu’étrangères de notre temps ; dans Karmic Traces, son regard continue à scruter les horizons les plus divers : rêves Viking, rituels aztèques, mémoire hindoue etc., dans une optique où la poésie comme l’histoire ont leur mot à dire, et où l’acuité de la vue de l’essayiste le dispute à la largeur de son compas mental ; dans An Elemantal Thing, l’écriture se fait plus dense, parfois, et les textes abordent des sujets aux frontières de l’histoire, de l’ethnologie, de la poésie, de la philosophie (des Lacandons à Empédocle, d’une lecture de Blanqui par Walter Benjamin à une biographie de Mahomet traité selon une méthode proche de celle du poète Reznikoff). Nous traduisons ici un article de son ami Nathaniel Tarn, publié à l’occasion de la parution du cinquième recueil, Oranges & Peanuts for Sale, et en analysant les diverses facettes. 
 
Les articles politiques tiennent une part particulière dans cet ensemble, et sont extrêmement acerbes à l’encontre de la politique américaine intérieure et étrangère, surtout concernant la période de l’administration Bush. L’effondrement des Tours du World Trade Center (Weinberger a assisté à l’événement depuis les fenêtres de son appartement et a commencé sa réflexion dès le lendemain) a été le point de départ d’une série de textes recueillis dans 9/12 (Prickly Paradigm Press, 2003). Autres recueils : What I heard about Iraq (Verso, Londres, 2005) et What Happened Here : Bush Chronicles (New Directions, New York, 2005, et Verso, Londres, 2006), Muhammad (New York, Londres, 2006). 
 
Weinberger est l’auteur avec Octavio Paz d’un remarquable petit livre récemment réédité : 19 Ways of Looking at Wang Wei (Asphodel Press, première édition 1987). Les auteurs y présentent les différentes traductions disponibles parues dans le monde entier dans plusieurs langues (français, anglais, espagnol…) d’un poème du poète chinois de l’époque Tang, Wang Wei. Ce travail est introduit par la phrase : Poetry is that which is worth translating, « Poésie est ce qui mérite traduction » – invitation à un voyage dans le temps et les civilisations : « La grande poésie vit dans un état de perpétuelle transformation, de traduction perpétuelle : le poème meurt quand il n’a pas de lieu où aller. » 
 
Weinberger a également édité deux petites anthologies des traductions en anglais de poèmes chinois et japonais par Kenneth Rexroth : Written on the Sky et Songs of Love, Moon, & Wind (New Directions, 2009). Il est enfin l’auteur d’Una antologia de la poesia norteamericana desde 1950 (Editiones del Equilibrista, Mexico, 1992), et il est le premier écrivain U.S. à avoir reçu du gouvernement mexicain l’Ordre de l’Aigle Aztèque. 
 
Il collabore enfin régulièrement à la London Review of Books et à la New York Review of Books… 
 
On trouvera des traductions de quelques textes par Auxeméry : 
Sur le site alligatorzine : 
La Ville 
Les étoiles  
Obama contre Clinton – récapitulation 
Là où vivent les Kaluli      
Sur le Zócalo 
(repris dans La revue des ressources :  
Sur le site Œuvres ouvertes : 
« Pour sûr, dis-je » 
Dans la revue Action poétique, n° 136 (automne 1994) : 
Notes sur la poésie 
 
Signalons, enfin, le texte Oppen Then, repris en préface par Yves di Manno, à sa traduction de George Oppen, Poésie complète, Corti, 2011. 
 
[Auxeméry]

Poezibao propose ici tout un ensemble de traductions d’Auxeméry de et autour d’Eliot Weinberger, sous forme de fichiers PDF téléchargeables, pour un meilleur confort de lecture.  
 
James Laughlin : Téléchargement Eliot Weinberger, James Laughlin (trad. Auxeméry) 
Niedecker/Reznikoff  : Téléchargement Eliot Weinberger, Niedeker Reznikoff (traduction Auxeméry)
Un poème de Reznikoff :  Téléchargement Charles Reznikoff, Les Anglais en Virginie
Un article de Nathaniel Tarn :  Téléchargement Nathaniel Tarn Eliot Weinberger, Oranges Peanuts