Poezibao

des roms, par Pierre Le Pillouër

 

 

des roms 
un poème inédit de Pierre Le Pillouër  

 

Nous hommes ne 
sommes-nous  
pas tous des Roms ? 
 
Sous hommes en devenir 
hommes saouls de tout 
et d’abord des chemins qui mènent à Rome 
hommes avant tout 
fous d’arums et de rhums 
hommes en dessous  
de tout et surtout de tous  
ceux qui mènent Rome 
de ceux qui l’ont menée et la mèneront 
en dessous des ronds 
en dessous même des roues 
nous sommes sous les nouilles 
et les poux 
nous sommes les dessous du monde 
 
Venus reçus  
de nulle part et d’autre 
 
nous sommes des flous  
et des rimes inutiles 
nous sommes des coupes des tomes 
des vers et des souillures 
 
nous dormons du somme  
du faible et du rat 
nous sommes les pommes 
du jardin sans un sou 
 
nous sommes la promenade 
qui fuit les coups 
le vent qui joint les bouts 
avaleurs de boue et d’étoiles 
 
hommes sans home ni dôme 
chair à pogroms 
 
on nous gomme 
par tous les trous 
on nous dégomme 
de tout égoût 
nous les Roms nous les hommes 
 
qui s’en fout ? 
 
Pierre Le Pillouër, poème inédit
 
Pierre Le Pillouër  dans Poezibao : 
ajouts contre jour (parution), ajouts contre jour (note de lecture), Trouver Hortense, Trouver Hortense (par J. Demarcq), Trouver Hortense (journal de lecture de F. Trocmé) 
 
Pierre Le Pillouër est aussi créateur et animateur du site sitaudis.fr 

 

Philippe Blanchon : le poète et son ombre, par René Noël

 

 

 La poésie a pour vertu de nous étonner à partir de la langue commune qu'elle régénère. Et cet étonnement est souvent double, puisqu'en même temps que nous comprenons en la lisant que la surprise attendue n'a rien d'extraordinaire, cet inattendu au plus près de nous, ombre qui nous suit et grandit avec nous toute notre vie, nous fait ressentir autrement les mots que nous parlons chaque jour, sans nous apercevoir que nous participons à ce fleuve commun du langage qui nous est transmis à la naissance. Il suffit de penser à la redécouverte de soi-même que bien des personnes éprouvent en apprenant une langue étrangère, à un dictionnaire étymologique, au livre des mutations des chinois où chacune des situations possibles et vécues par l'espèce humaine, dans son stade de développement actuel, c'est à dire depuis des millénaires jusqu'à aujourd'hui, parle à tous et à chaque personne qui l'ouvre et désire y lire l'avenir proche vers lequel elle tend, ou à la polysémie de toute parole que nous prononçons le jour et la nuit lorsque nous rêvons, pour comprendre l'action du poème.  
 
 Philippe Blanchon est poète en ce sens que ses livres parlent la langue commune qu'il taille, sculpte, rendant manifeste qu'il appartient à cette communauté de poètes d'aujourd'hui, qui écrit, vit et respire avec nous, attentif aux mémoires, au présent des usages anciens et modernes des lexiques, rythmes, prosodies pratiquées, qu'il prolonge par ses propres apports. Cette familiarité que le lecteur éprouve à la lecture de ses livres, est d'autant remarquable, qu'au lieu de pratiquer une neutralisation des genres (ainsi que nombre de poètes contemporains, oscillant entre la saillie aphoristique, littérale ou empruntant certains traits de leur proésie à la description scientifique, au brouillon, à la sotie précipitée, font de cette neutralité leur milieu) Philippe Blanchon a entrepris un cycle où des personnages vivent, correspondent d'époques en époques, que lui-même nomme nouvelle fiction, deux livres de ce cycle la nuit jetée et Capitale sous le neige ayant été publiés à ce jour. 
 
 La singularité de Philippe Blanchon, puisqu'à ma connaissance il est le seul en notre langue aujourd'hui à pratiquer la poésie selon un genre faisant évoluer et mêlant d'une manière inédite le lyrisme et l'épopée, consiste, ainsi que la plupart des romanciers ou nouvellistes l'effectuent, à ajouter des qualités, par les liens, les correspondances que les personnages entretiennent entre eux. A rebours donc de toute écriture fragmentaire, de la dispersion, ou de contraires disséminés dans l'espace de la page, cette poésie n'en participe pas moins que ces héritiers des écrivains et poètes du choc des contraires, qui font entrer en collisions les réalités banales et les symboles parfois  désincarnés de la poésie afin de ranimer les mots, au laboratoire de la langue, Philippe Blanchon forgeant non moins que ses contemporains qu'il lit, ses vers à la lumière de ceux-ci et des avant-garde qu'il cite, nuance, ses propres inventions explicitement issues des restitutions et interprétations qu'il en fait. Cette mesure propre à ce poète, ainsi que chacun a son corps et son ombre particuliers, confirme ainsi, pour la grande jubilation du lecteur, ce fait noté en ouverture de ces lignes, à savoir que la poésie rectifie ce que nous pensons à propos de l'étonnement. S'étonner revient à comprendre que ce que nous entendons habituellement par étonnement manque sa cible. Et pourtant cette compréhension, loin de nous décevoir, accapare notre intérêt, nous fait plonger dans un monde, celui de notre silhouette que la lumière projette derrière nous ainsi qu'il en va pour chaque personne, paysage quotidiennement. 
 
 Jacques, Mary, Jan, Jean, Ulysse, Lord Philipp, ont chacun leur voix reconnaissable, leurs correspondances, trouvant des durées particulières, des transitions qui nous mènent aussi certainement à travers les âges, sans pour autant que des dates, des époques soient formellement citées (à l'exception d'un 10 novembre) même si les saisons sont présentes, chacune étant peinte selon sa gravité propre, propice à l'éclosion des métamorphoses des personnages de cette fiction. La place - mais le lecteur trouvera de toute façon vite ses marques dans ce monde neuf - manque ici pour préciser combien les évolutions autour de provinces, l'ambassade de Jacques centrale, et Mary part féminine et poésie miroir du langage, se déclinent dans ces deux livres. Tout juste peut-on malgré tout préciser les innovations mises en place dans la nuit jetée, dernière partie du premier livre qui lui donne son titre et représente le centre de cette expérience de la poésie où, en même temps que les rythmes, scansions poétiques se transforment, les personnages dressent leurs territoires abstraits, manière qui est la nôtre à notre époque où chacun, dans la radicalisation de ses propres obsessions, correspond avec autrui, alors que dans la partie qui ouvre ce premier livre, les sujets s'effacent d'une manière plus prononcée, afin de se rassembler. Rassemblement qui ne correspond pas à une résolution d'intrigue, ou à une levée de suspens, mais parvient à établir une constellation dont les individualités, loin de s'ignorer ou de renoncer à une part d'elles-mêmes, au contraire précisent leurs positions, ainsi que des planètes, étoiles, dans le cosmos. Cette évolution ''sans progrès'' à travers laquelle l'épopée et le lyrisme se croisent et se fécondent répond à cette injonction de Rimbaud, écrivant que la poésie devrait être à l'avenir subjective de part en part, pour être pleinement partagée par chacun.  
 
Deux autres livres de ce poète, Le reliquat de santé et Janvier, bien que n'appartenant pas à proprement à ce cycle, confirment cette singularité affirmée dans l'écriture de cette suite. Où une invitation à se laisser contaminer par la poésie, dans les mêmes dispositions où le monde et le moi s'entretiennent, nous est transmise, nous donnant à entendre que c'est bien de vie concrète de son auteur qu'il s'agit. Ce qui ne peut que confirmer que la poésie loin d'être trépassée, se perpétue avec toute la santé nécessaire à ses offices modernes. 
 
par René Noël 
 
 
 
 
Philippe Blanchon : la nuit jetée, fond Comp'Act, l'Act Mem, 2005, Capitale sous la neige, l'Act Mem, 2009 - Le Reliquat de Santé, La Courtine, 2005 Janvier, La Part Commune, 2009 
 

Entretiens avec Claude Garache, de Marie du Bouchet, Florian Rodari et Alain Madeleine-Perdrillat (lecture d'Alain Paire)

 

 

Claude Garache
après les poètes et les écrivains,  la parole du peintre  

 

 Depuis bientôt quatre décennies, parce que ses couleurs et ses compositions sont magnifiquement énigmatiques - à la fois brûlantes et souverainement simples - la peinture de Claude Garache a suscité chez de nombreux auteurs de remarquables tentatives d'exégèse. Des poètes comme Edmond Jabès, Roger Munier, Anne de Staël, Alain Veinstein et Jean Frémon ainsi que des écrivains qui sont également des enseignants, des hommes qui font publiquement part de leurs approches et de leurs convictions - Piero Bigongiari, Georges Duby, Marc Fumaroli, Jacques Thuillier, John E. Jackson, Michael Edwards, Patrick Labarthe - ont œuvré au contact de cette œuvre pour renouveler leur regard et aiguiser leurs problématiques.  
 
Strate après strate, sans qu'interviennent des sédimentations et des recouvrements excessifs, une archéologie des discours provoqués par la peinture de Garache pourrait être pratiquée, Jean Starobinski l'avait esquissée. Parmi les tout premiers et décisifs commentaires de cette peinture, il y eut en février-mars 1974, à la faveur d'une exposition de la Fondation Maeght de Saint Paul de Vence, un texte publié par Yves Bonnefoy dans un catalogue où  se déployait l'essentiel des questions que cette peinture peut soulever. Bonnefoy qui vivait alors entre Paris et la région de Nice où il enseignait - Spéracèdes était le nom du village qu'il habitait près de Grasse - livrait alors les premières réponses et les premières références qui frayaient la voie pour une approche de cette peinture.  
 
Yves Bonnefoy songeait à l'atelier du peintre, décrivait le chemin qu'on emprunte pour découvrir rue du Cherche-Midi, le bref écart d'une cour intérieure et puis les marches d'un escalier :"en haut d'un escalier aussi étroit qu'escarpé qui est déjà la suggestion vague d'une initiation qui commence, on entre dans un lieu sans vue sinon sans lumière, sans bruits du monde extérieur, sans objets, sans tableaux visibles, qu'entame seul, au bas d'un grand mur blanc en face du visiteur, le fait - comment dire ? plutôt l'événement, ou le cri - d'une bande gris-noir, haute à peu près comme un homme, et là peinte de bout en bout. La couleur est vieille, usée de taches diverses, douce donc, le cri n'en sonne pas moins". 
 
Pour bien marquer l'altitude où l'on pouvait situer la première rétrospective de cette œuvre et les déchiffrements qui l'avaient précédée, Bonnefoy citait les plus grands noms : le sillage d'Alberto Giacometti pour la plus récente génération, Pontormo, Seurat ou bien Degas pour un plus ancien lignage. Il affirmait que Garache "est de ceux qui font passer, travaillant, le souci d'interroger la présence avant l'inventaire de ses richesses, prenant le risque de la réponse violente, dévastatrice". Simultanément, le futur auteur du Nuage rouge reprenait quelques-unes des interrogations qui surgissent inévitablement en face de ses toiles : "Pourquoi ce rouge ? ... comment un peintre peut-il se limiter si obstinément à l'emploi d'une seule couleur sur le fond blanc de la toile nue". Il évoquait un "calme des profondeurs" mais tout aussi bien de sourdes inquiétudes, un surcroît d'éloignement notamment dans l'un des premiers paragraphes de son texte à l'intérieur duquel surgissait "un objet d'effroi, une cause de recul brusque"... "Telle peinture, une jeune femme, aux longs cheveux, non, un fourré comme on en voit au petit jour sur le remblai des voies ferrées, à ces moments où le train s'est arrêté et où tout alentour est désert et silencieux. Où est-on, va-t-on jamais repartir ?". 
 
La place et le temps manquent pour évoquer les modes de compréhension générés par l'œuvre de Garache, c'est un long chapitre qu'il faudrait rédiger si l'on se mêlait de retracer les cheminements empruntés par d'autres commentateurs de la peinture de Claude Garache. Dans l'introduction d'un essai publié chez Flammarion en 1988, Jean Starobinski évoquait immédiatement après le coup d'envoi donné par Yves Bonnefoy et Raoul Ubac, un poème intensément juste de Philippe Jaccottet, une lithographie où l'on appréhendait simultanément les lignes penchées d'un manuscrit et les ombres de deux corps féminins gravés par Garache. Cette lithographie admirablement concertée, écrivait Starobinski, "évoque non la seule venue du soir, mais les deux bords de la journée, la double lumière de l'aube et du soir". Si l'on adopte comme une clef possible ce poème de Jaccottet, des intuitions plurielles, des éléments d'extrême finesse et des sources moins sombres que chez Bonnefoy surgissent, une "chose mélangée de terre et d'un soleil encore ou déjà invisible"... 
 
Le vermillon clair, le pourpre et le cadmium rouge de Claude Garache peuvent évoquer "le cri étouffé de qui met au monde" répercuté dans les derniers mots du commentaire de Bonnefoy ou bien encore, dans des pages composées par Jacques Dupin, "une saisie, une coupure vive, un saisissement qui n'a pas de commencement ni de fin", "un corps aux modulations innombrables"... "de la fleur de pêcher à la flamme de sarments". Associés aux textes de ces grands aînés qui sont les exacts contemporains de Garache - né en 1929, Claude Garache qui tutoie Jacques Dupin est proche ami de Bonnefoy et de Jaccottet - les commentaires et les notations d'une seconde génération d'écrivains furent rassemblés et reconfigurés en 2006 dans un ouvrage collectif des éditions de La Dogana , Garache face au modèle, un recueil imaginé par Florian Rodari, où l'on trouve des textes d'Emmanuel Laugier, Nicolas Pesquès, François Tremolières, Pierre-Alain Tâche et Alain Madeleine-Perdrillat. 
 
Grâce aux questions de Rodari et de Madeleine-Perdrillat, avec l'apport d'une troisième interlocutrice qui est aussi la fille d'un grand poète, Marie du Bouchet, voici que paraît chez Hazan, avec une maquette élégante et d'impeccables illustrations, un recueil d'images et d'entretiens à l'intérieur duquel ce sont cette fois-ci les réponses du peintre qui se font entendre. Jusqu'à présent, le principal intéressé ne s'était pas directement manifesté dans le registre de l'écrit. Ceux qui l'ont souvent rencontré pourraient témoigner pour sa discrétion et sa courtoisie : tous soulignent la finesse de sa culture et sa capacité d'écoute. Garache n'est pas pour autant un personnage silencieux, il est en compagnie de sa femme Hélène intensément présent dans tous les domaines de la vie quotidienne, sa réserve et ses exigences sont saisissantes. Si l'occasion s'était présentée, de grands portraitistes, Henri Cartier-Bresson ou Marc Trivier, auraient pu traduire ce que révèlent sa noblesse d'allure, son visage et sa silhouette : les images d'un bref reportage photographique auraient pu compléter ce très beau livre, elles auraient donné à voir l'intérieur de l'atelier de Garache, sa haute verrière qui donne sur le nord-est et puis son sol, le rangement de ses tableaux et de ses pinceaux ainsi que quelques détails infiniment émouvants comme cet angle de mur où sont griffonnés les titres de ses prochaines toiles. 
 
Pour cet entretien qui constitue la matière de ce livre, quatre personnes se sont donc réunies à deux reprises dans l'atelier de Garache : les enregistrements de leurs conversations se sont déroulés les 21 mai et 27 juin 2008. De menus allégements, un suivi éditorial extrêmement minutieux ont permis d'aller plus loin qu'une simple transcription : tels qu'ils sont donnés à lire, les échanges auxquels nous assistons sont à la fois concertés et improvisés. Comme l'indique la préface de cet ouvrage, "Claude Garache a tenu à réécrire des phrases, à remplacer des mots, à choisir d'autres exemples, pour préciser toujours plus sa pensée".  Par ailleurs, la vision d'un grand format intitulé ″Yvie et Sauve ″ affinait les débats de la seconde séance de travail. Cette toile dont la reproduction figure dans la page centrale du livre mesure 260 x 240 cm. Ses dates de création s'étirent dans le temps : maintes fois repris, ce tableau fut peint entre 1977 et 2009.  
 
Les partis pris de cet ouvrage sont rigoureux. Dans la transcription des échanges qui se sont noués, si l'on met à part de brèves évocations de la formation et des voyages de l'artiste ainsi que le récit d'une courte expérience cinématographique en compagnie de Kirk Douglas et Vicente Minnelli, on rencontrera très peu de renseignements susceptibles d'étoffer une éventuelle biographie : l'entourage et les amis du peintre, le soutien et puis ensuite le retrait partiel de la galerie Maeght / Lelong qui aurait pu infléchir l'audience de cette œuvre ne sont pas évoqués, presque rien n'est proféré à propos des collectionneurs privés ou bien des institutions publiques. Parce qu'elle avait autrefois écrit que la peinture de Garache pourrait relever d'un art "post-abstrait", Dora Vallier est le seul nom de critique d'art mentionné au fil des pages : ce qui se dit ici vise les données intrinsèques d'une opiniâtre recherche, ce qui se produit et s'imagine dans la solitude de l'atelier.  
 
De ce point de vue l'apport de ces pages est considérable, quelques-unes des interrogations que cette œuvre pouvait provoquer sont à présent élucidées, les réponses de Claude Garache sont parfaitement claires. Garache explique comment ses apprentissages de sculpteur l'ont irrésistiblement entraîné, sans heurts ni déchirements, vers la peinture, il raconte sans fable ni mythe comment ses choix l'ont porté vers le rouge et les modèles féminins. Alors que les courants dominants de son époque confluaient vers l'abstraction, il professait une immense admiration - je voudrais y voir un autoportrait involontaire - pour l'œuvre d'Henri Matisse (p. 70) "toujours sans présupposé esthétique, très libre dans ses moyens, sans emprunt à quiconque, ce qui est rare dans cette longue période où le foyer parisien était d'une richesse et d'une diversité illimitées, qui permettaient tous les pillages et les croisements"... "Matisse n'a jamais quitté la nature du regard, cherchant toujours une forme nouvelle pour traduire sa sensation". 
 
À ses yeux, lorsqu'il travaille dans son atelier, "aucune distraction n'est possible" ... "j'avais besoin d'une réponse impérative du réel" ... "sous mes yeux, tout disparaît, hormis cette personne qui est là". Beaucoup de science et de patience lui permettent de trouver en compagnie du modèle la pose et l'angle d'attaque qui conviennent :"je parle au présent de sujets permanents"...  "je ne veux pas de faux gestes par exemple. Je veux qu'il y ait une pesanteur, une suggestion de mouvement" ... "Il y a beaucoup de superpositions d'une séance à l'autre, quelquefois une infinité de séances" ..."il ne faut reprendre une oeuvre que s'il y a une piste qui s'ouvre"... "je me déplace énormément pendant la séance" ... "il y a un mouvement continuel que je dois suivre"... 
 
Ses interlocuteurs qui sont aussi ses amis gardent avec lui la bonne distance qui peut favoriser l'art de la maïeutique : Garache s'accorde avec Alain Madeleine-Perdrillat lorsque celui-ci indique que dans ses toiles, la lumière "vient de l'intérieur des figures plutôt que d'ailleurs" (p. 27). Il souscrit aux observations de Florian Rodari qui estime (p. 31) que sa peinture "déborde ce qu'elle montre pour rejoindre quelque chose qui suggère l'ampleur du paysage", il donne son complet assentiment (p. 35) lorsque Marie du Bouchet souligne le fait que dans ses œuvres "il y a, en même temps, un corps qui peut se dissoudre dans la couleur, et une véritable présence, tout à fait évidente avant même que l'on ait saisi la forme du modèle". 
 
Toutes les déclarations de Garache consignées dans ce livre semblent induire que son travail et ses choix n'auront jamais de cesse : "le nu est le sujet le plus conséquent à aborder"... "il faut que ce lieu soit totalement consacré à cet engagement, qu'il ne s'y passe rien d'autre... "Au fond je n'ai pas besoin d'aller dans le paysage, je n'ai pas besoin de sortir de l'atelier, parce que j'ai ici toute la nature sous les yeux"..."Avec cela que puis-je espérer de plus ?". 
 
Parmi les artistes "francophones" d'aujourd'hui, ils sont relativement rares ceux qui sont capables d'évoquer avec clarté et précision les enjeux de leur travail. Bioulès, Boltanski, Cremonini et Traquandi sont à mon sens quelques-unes des exceptions qui confirment cette règle. S'il faut trouver une rubrique pour ce livre consacré à Garache, je le rangerai parmi les meilleures archives orales de l'art contemporain. 
 
par Alain Paire 
 
 
 
Entretiens avec Claude Garache, avec Marie du Bouchet, Florian Rodari et Alain Madeleine-Perdrillat, 48 reproductions en couleur, collection "Beaux-Arts", éditions Hazan, 28 euros. 
 
L'exposition d'une quarantaine de toiles de Claude Garache vient de se dérouler au 10 Grand-Rue de Nîmes du 30 avril au 24 mai 2010, à l'initiative du directeur de L’Ecole Supérieure des Beaux-Arts, le peintre Dominique Gutherz. Un catalogue a été imprimé à cette occasion, avec des textes de Georges Duby et John E. Jackson. Une seconde exposition de Garache se déroule actuellement à la Galerie Chantal Bamberger de Strasbourg, jusqu'au 12 juillet 2010.  
 
En octobre 2010, j'aurai l'occasion de présenter au 30 de la rue du Puits Neuf à Aix-en-Provence une exposition de gravures ainsi qu'un poème de Florian Rodari, A voix nues, une édition originale de 80 exemplaires avec deux eaux-fortes et un bois  gravé de Claude Garache, éditions de la revue Conférence.  
 

Rachel Blau DuPlessis, Deixis (par Auxeméry)

 

 

Poezibao rappelle que la poète américaine Rachel Blau DuPlessis est présente à Paris. Elle est ce soir l’invitée de Ivy Writers, en compagnie d’Auxeméry qui la traduit. Elle sera demain soir, toujours en compagnie d’Auxeméry, à la soirée Traduction organisée par Poezibao dans le cadre du Marché de la poésie 
 
Poezibao publie à cette occasion un ensemble traduit et composé par Auxeméry autour de Deixis de la poète américaine Rachel Blau DuPlessis. En premier lieu, un essai théorique, puis des poèmes. En complément Auxeméry revient sur cet ensemble et le commente. 
Ci-dessous, incipit du premier texte et lien de téléchargement de l’ensemble.  

 

 

Rachel Blau DuPlessis 
 
 
 
Quelques réflexions sur la deixis. 

 

 

Un jour, entre 1957 et 1959, Charles Olson envoya à Robert Creeley un tout petit poème au titre particulièrement recherché, One Word as the Complete Poem, « Poème Complet en un Seul Mot » (Collected Poems, excluding Maximus 660). Un poème d’un seul mot est toujours un défi intentionnel aux normes des poèmes en général, puisque dire d’un mot qu’il équivaut à un poème suppose qu’on fait un investissement conséquent dans ce mot-là, et cela manifeste une résistance tout à fait particulière à l’égard des maints et maints autres mots employés dans maints autres poèmes. Dans le cas d’Olson – cela mettrait en cause ses propres poèmes, également. Le mot, le mot unique qui compose le poème entier est dictic, « dictique » (Collected Poems 425). Le poème dit donc ceci : qu’il indique la fonction d’indiquer, de montrer, et qu’il l’illustre lui-même tout simplement en s’indiquant soi-même en tant que mot. Il s’agit par conséquent d’un poème indexical 
 

Téléchargement Dossier Deixis  

Pierre Alechinsky et l'écriture (par Alain Paire)

 

 

 A l’occasion de l’importante exposition qu’il propose dans sa Galerie à Aix-en-Provence  du 5 juin au 30 juillet, autour de la collaboration de Pierre Alechinsky avec l’éditeur Fata Morgana, Alain Paire rappelle le versant littéraire de l’œuvre du peintre.  
En voici quelques « preuves », avec des extraits de Rein, comme si de rien n’était, avec un extrait aussi de Autoportraits de Jacques Réda (Fata Morgana), dans le chapitre consacré à Pierre Alechinsky 

 

Trois extraits de Rein, comme si de rien 
choix et présentation d’Alain Paire 

Né en 1928, le sculpteur Reinhoud d'Haese était membre du mouvement Cobra. Pendant les années cinquante, il exposa ses travaux en compagnie d'Asger Jorn, de Dotremont et d'Alechinsky. En mémoire de son ami décédé en 2007, Pierre Alechinsky a publié chez Fata Morgana, le 28 octobre 2009, un livre titré "Rein, comme si de rien", avec une eau-forte et des dessins de l'auteur faits d'après des mies de pain modelées par le sculpteur. 
 
« DES GOBELETS EN CARTON, VIDES DE YAOURT, formaient sur la table de cuisine un décor frontal à l'abri duquel, après le café du matin, Reinhoud absorbait un temps mort en mordillant entre ses doigts un peuple accueillant de lilliputiens glauques et rigolards. Sub-quadragénaires durant les trois-quarts des années soixante, nous partagions des ateliers dans l'ancienne école d'un village picard, où, pour peindre mieux que dans une chambre à Paris, je débarquais. Au-delà du rempart de gobelets, côté - absence de - public, progressaient les reliefs d'une autre consommation : un épandage de pelures d'oranges. Pas n'importe quelles pelures : des spirales selon le couteau et l'attention manuelle du sculpteur. Des modèles vivants dans tous les états propices à la contemplation. Sous le charme de cette multiplicité de courbes orangées et féminines, mon pinceau attendait son heure. Je repris différemment le dessin. Quant à mon camarade qui revendiquait de ne dessiner jamais, il se tailla un calame dans une écharde de vieux chêne. Bref, il se mit au dessin. 
 
... Un Prix, celui de la Jeune Sculpture Belge en 1957, lui permet enfin de respirer. Il quitte son gagne-pain et, plusieurs mois sans discontinuer, sculpte. D'abord à Sauvagemont en Brabant, dans une maison vide, puis dans un cabanon perdu dans la garrigue de Saint-Rémy-de-Provence. Les feuilles de cuivre et sa technique de carrossier lui offrent une mobilité, une souplesse d'exécution, surtout de possibles extensions que ni le bois ni la pierre n'autorisent. Il va pouvoir ... accélérer - si bien que son rythme journalier exprime une fringale. Par période, une fureur de sculpter : au lever du jour, il termine la sculpture commencée la veille au soir et entame la suivante à maîtriser le lendemain et ainsi de suite. Résultat : un peuplement de métal, du burlesque au tragique. Aubaine : parmi les découpes surnuméraires jonchant le sol, Rein (en flamand : pureté) choisira les formes d'élection qui inspireront des silhouettes traitées en deux dimensions. Ce sera le départ d'illustrations d'accompagnement pour des ouvrages de bibliophilie : Rabelais, Fabre, Jarry (ses lectures) et des inédits de Hugo Claus. » 
 
... « Je crois en sa sculpture. Je ne suis pas seul à y croire »... 
 
... 7 avril : « Hier à Bichat, cher Nicolas, j'ai tenu la main de mon vieux camarade abandonné à presque lui-même. Tu as soif ? J'ai humecté sa langue et suis reparti, il s'enfonçait dans le sommeil... Ce matin, pensant au grand boiteux que je croisais à La Cambre, je me suis mis à peindre entre anamorphose et anagramme les courbes qui nous étaient familières : Rein, comme si de rien ... » 

*** 

 

A propos des écrits de ce peintre, voici des extraits du chapitre Alechinsky d'un livre de Jacques Réda, récemment publié par Bruno Roy, Autoportraits  :  
« ... De quels peintres dirions-nous sans hésiter qu'ils ont tracé, à côté de leur œuvre de peintre, une œuvre d'écrivain ? Je ne pense ni aux notes de Braque ni aux lettres de Van Gogh ni au journal de Delacroix. Car ce ne sont pas à proprement parler des œuvres littéraires, malgré leur valeur documentaire et leur charge d'humanité. On ne les lit vraiment que dans le rapport qu'elles entretiennent avec le peintre et sa peinture. 
Il me semble qu'il en va d'une autre manière pour les écrits d'Alechinsky. Il ne s'agit pourtant pas d'échantillons d'un genre (essais, récit, poème) tout indépendant de son métier... On ne les lit jamais sans se rappeler que l'auteur est un peintre, et ce peintre, mais un peintre qui possède les dons essentiels d'un écrivain. Et à tel point qu'il n'est peut-être pas indispensable, à mon avis, de connaître la peinture d'Alechinsky pour apprécier ses livres »... 
 
Si j'ai le droit de faire état de mon propre comportement de lecteur, je dirai qu'il est avec Ponge, et Perros, un de ceux dont la langue me restitue la saveur de la littérature en tant que lieu d'un libre et libérateur apprentissage moral. Ce qui bien sûr le ferait, dans sa barbe elle-même réservée, sourire ». 

 

Pierre Alechinsky, bibliographie. 

En 2002, une publication orchestrée à Anvers par Ceueleers & Van de Velde, avec le concours de Frédéric Charron, Patrice Cotensin et Yves Peyré, a recensé The complete books of Alechinsky. On ne s'aventurera pas à reproduire ici une aussi copieuse bibliographie... 
Puisqu'en 2002, dans cet inventaire d'ouvrages illustrés, on parvenait à un total de 553 livres, on devrait aujourd'hui en dénombrer une centaine de plus. Soixante d'entre eux ont été édités par Fata Morgana. Parmi ces soixante livres, voici ceux qu'Alechinsky a publiés en tant qu'auteur depuis Fontfroide le haut, près de Montpellier :   
 
 
Pierre Alechinsky :  Rein, comme si de rien
2009 ‒ 32 pages ‒ 17 x 24 cm 
Julien Gracq & Joë Bousquet / Pierre Alechinsky :  André Breton
2008 ‒ 20 pages ‒ 18 x 23,5 cm 
Pierre Alechinsky :  La chambre et l’atelier
2007 ‒ 24 pages ‒ 26 x 20 cm 
Pierre Alechinsky :  Mots
2007 ‒ 8 pages ‒ 28 x 38 cm 
Julien Gracq :  Plénièrement
suivi de Une journée chez Elisa par Pierre Alechinsky
2006 ‒ 40 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  La gamme d’Ensor
1999 ‒ 40 pages ‒ 14 x 22 cm. 
Pierre Alechinsky :  Lieux et liens
1994 ‒ 8 pages ‒ 13 x 20 cm 
Pierre Alechinsky :  La danse des petits pains
1994 ‒ 24 pages ‒ 24 x 32 cm 
Pierre Alechinsky :  L’avenir de la propriété
1992 ‒ 72 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  A la maison de Balzac
1989 ‒ 48 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  L’autre main
1988 ‒ 152 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  Ensortilèges
1984 ‒ 96 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  Le bureau du titre
1983 ‒ 96 pages ‒ 14 x 22 cm 
Pierre Alechinsky :  Far Rockaway
1977 ‒ 64 pages ‒ 12 x 21 cm 
Celui qui ne peut se servir des mots
1975 ‒ 152 pages ‒ 22 x 28 cm 
Pour les livres d'Alechinsky édités en tant qu'artiste chez Fata Morgana, on peut  consulter ce lien 
 
Par Alain Paire 

 

"Jean-Michel Maulpoix : un nouveau lyrisme" (une étude de Chantal Colomb Guillaume)

 

 

Chantal Colomb Guillaume a confié à Poezibao un grand article sur le travail poétique de Jean–Michel Maulpoix. C’est la version remaniée d’une conférence faite en mars 2009 à l’Université de Vienne à l’occasion d’une lecture donnée par Jean-Michel Maulpoix à l’Institut français du fait que sa traductrice, Margret Millischer, est autrichienne et vit à Vienne. 
Poezibao publie sur cette page le début de cette étude et propose l’intégralité en téléchargement sous forme de fichier pdf 
Télécharger l'article de Chantal Colomb Guillaume

 

Jean-Michel Maulpoix : un nouveau lyrisme 
entre modernité et postmodernité 
par Chantal Colomb Guillaume 

 

Le nom de Jean-Michel Maulpoix est étroitement associé à celui du mouvement poétique qu'il a créé et nommé "lyrisme critique". Reprendre cette expression eût donc été logique pour une présentation de quelques aspects de son œuvre mais c'eût été le suivre pas à pas, peut-être trop fidèlement, et tel n'est pas le travail du critique littéraire. Pour vague que soit le titre de "nouveau lyrisme", que nous ne prendrons pas au sens de "néo-lyrisme" - terme qui a servi à désigner l'écriture des poètes de la génération de Jean-Michel Maulpoix par opposition au littéralisme - ce titre nous a obligée à prendre de la distance par rapport à son œuvre qui, si l'on manque de recul, peut paraître proposer à la fois la poésie et son commentaire. Le plus difficile lorsque l'on est devant l'œuvre d'un poète lyrique qui publie également des essais sur le lyrisme, c'est de se détacher de sa propre lecture de son œuvre, de la lecture qu'il souhaite nous en donner à nous, ses lecteurs. Si traduire, c'est trahir, comme on le dit souvent, lire une œuvre en tant que critique, c'est aussi trahir, non pas que la langue du commentateur ne puisse être fidèle à l'œuvre mais parce qu'il faut se situer dans la distance, ne pas adhérer à l'œuvre, quels que soit les sentiments qu'elle nous inspire. Il faut pouvoir trouver un angle qui lui permette de se révéler autrement que par l'angle de vision par lequel l'auteur la voit lui-même .......
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Une analyse du poème dynamique Orion, de Tibor Papp (par Louis-Michel de Vaulchier)

 

 

Poezibao propose ici une analyse, par Louis-Michel de Vaulchier,  d’un poème visuel dynamique généré par ordinateur de Tibor Papp, « Orion »  
Le poème est téléchargeable ici* 
 
A propos de Tibor Papp 
bio-bibliographie,  à la soirée Polyphonix, dec. 06, entretien avec Alexandre Gherban (1, 2, 3 avec pdf), notes sur la poésie, extraits 1 

 

 

Le mythe et la carte 
Tibor Papp : ORION* 
Poème visuel dynamique généré par ordinateur 
par Louis-Michel de Vaulchier

 

Un mythe, 
une carte,  
là-bas un géant aveugle parcourant le monde, 
ici le plan d’un quartier urbain. 
 
A quelle subtile machination, à quels inventifs agencements faut-il recourir pour parvenir à associer dans une même œuvre poétique deux objets aussi hétérogènes? 
Et poétique en quoi ? 
 
aaORIONp02.exe 
 
Il faut donc s’attendre à ce que les choses ne soient pas simples et le spectateur est dès le début prévenu avec insistance : « je tourne à l’ambigu, je tourne alambiqué,  je tourne alambica, je tourne alambici » plusieurs fois rabâché. 
Puis aussitôt, afin que personne ne se laisse endormir par ce tournis verbal, apparaissent des fenêtres-alertes posant quelques absurdes questions dans le seul but d’obliger à cliquer sur OK, indiquant ainsi qu’on est prêt à se laisser emporter. 
 
Enfin, pour achever l’introduction, apparaît l’auteur en personne affublé d’une couronne de roi qui coince et dresse en l’air de grandes oreilles d’âne, double allusion au roi cruel et au titre « Orion » du mythe. Il faut donc s’attendre à ce que les oreilles soient ici fortement sollicitées quitte à attraper les oreillons ! 
Et sous ce portrait un cœur bat. 
Puis le portrait s’efface progressivement. La vue du spectateur baisse. C’est que la cécité du géant s’exporte tandis que l’écran devient peu à peu complètement blanc. Très loin dans le temps et dans l’espace Orion poursuit le soleil, visage tendu vers la chaleur de ses rayons tandis que le bruit régulier de ses pas se confond avec le flux et le reflux du sang. 
Déjà se mêlent ces flux que les programmes numériques sont seuls capables de combiner avec autant d’efficacité. (suite en cliquant sur "lire la suite")

Guadalupe Grande, Carlo Bordini, Maura Fabi aux éditions Alidades

 

 

Poezibao publie cette lettre reçue à l’instant du traducteur Olivier Favier, lettre qui est une occasion de rendre un bel hommage au travail d’Emmanuel Malherbet et de sa maison Alidades. 
 
 
 
Les éditions Alidades jouent à la marelle, l'occasion de découvrir quelques titres d'un catalogue que je trouve somptueux et d'en parler autour de vous. 
Comme vous le savez, cette maison ne vit que de bouche à oreille, ce qui lui va très bien. Son éditeur, Emmanuel Malherbet, peut ainsi s'intéresser à l'essentiel, c'est-à-dire au soin apporté à ses publications. 
  
De bouche à oreille donc, je vous annonce  la parution imminente d'une anthologie d'une grande, très grande disons-le, poétesse espagnole contemporaine, Guadalupe Grande, pratiquement inédite en français; sauf ici. L'anthologie, bilingue comme il se doit, paraître sous le titre de Métier de chrysalide. Vous pourrez la commander d'ici une quinzaine de jours, soit auprès de votre libraire, soit directement auprès de la maison d'édition.  
En voici un avant-goût: Ce travail est l'œuvre précise et patiente de deux traductrices, Dorothée Suarez et Juliette Gheerbrant. La postface est de Carlo Bordini. 
  
Parlons de Carlo Bordini justement. Les éditions Alidades, vous le savez peut-être déjà, ont publié Poussière en 2008 (en voici un extrait). Début juin paraîtra un autre long poème, Danger. Carlo Bordini sera présent au Festival international de la poésie de Namur entre les 9 et le 12 juin. Le 23 juin, il sera à Paris, dans le cadre de la semaine italienne. A propos de Belgique, vous trouverez sur le site de la maison de la Poésie de Namur, un poème sur Magritte 
  
En juin toujours, sortira Le Domaine des morts de Mauro Fabi, dont vous avez -qui sait?- déjà lu ceci sur Poezibao. Lui aussi sera présent au Festival international de la poésie de Namur, d'ailleurs, voici un extrait du Domaine des morts: cette belle séquence poétique est suivie d'un texte sur la poésie de l'auteur, et d'une postface de Carlo Bordini. 
  
  
par Olivier Favier 

Pourquoi le & ?, Auxeméry répond à Poezibao

 

 

Auxeméry répond ici à une question de Poezibao, sur l’usage qu’il fait du signe typographique &.  
 

 
            Que dire, que faire ? 
Sinon, suivre le fil dans le labyrinthe. 
Filer, donc. Mais en crabe. En fumiste. Mais technicien. 
En exégète tors, ou retors. 
 
Faisons, pour commencer, une manière de description. 
L’& a la forme de l’ombilic, un ombilic assez élégant, presque satisfait. Presque. 
En italiques, elle devient même ceci : & – une sorte de métaphore de soi, une invite, ou une très élégante échappatoire, on ne sait. Un ombilic fébrile, et affairé, et pressé peut-être d’en finir…Mais avec quoi ? 
Ou rien de tout cela, d’abord. 
Car il s’agit simplement d’un instrument d’écriture, d’un mot-signe, d’un glyphe, et de haute naissance, d’ancienneté certaine. Et instrument d’utilité assurée, comme les copieurs des abbayes en inventèrent des dizaines, à fin d’efficacité. L’&, cependant, a cette particularité d’avoir duré au-delà des nécessités de son emploi par les travailleurs attelés à la tâche de la transmission des textes vénérables avant que le caractère mobile et renouvelable par la machinerie de l’impression ne vienne sceller le sort de cette fantaisie de gribouillage précis, & fastidieux. 
On écrit donc toujours l’& – l’icône est sur le clavier –, on l’inscrit : clé posée en tête du segment syntaxique, indication sur la portée ; la portée en prend un air de définitif ; le segment syntaxique s’en trouve enrichi, ou achevé, accompli de soi-même, en quelque sorte. De soi-même : « de », disant l’instrumental autant que le génitif. 
Ce signe complète, et il s’affirme ; il termine ce qui est dit par sa voie propre, et sans autre fioriture que soi. Il annonce qu’il accorde et qu’il accouple impérativement ce qui doit l’être. La boucle de l’& connecte l’antécédent au suivant, la matrice au rejeton, le pair au pair. Bref, elle fait ficelle ou lacet : il y a en elle de l’artifice certes, mais sans apprêt autre que sa forme, qui recherche l’efficace en stylisant le et latin. C’est enfin la rapide intrusion qui scelle, ou induit, ou apparie. 
Toutefois, toutefois… 
Y aurait-il, tout de même, sous ces offres de service, l’amorce d’un forfait ? C’est ce que je soupçonne, c’est la question que je me pose moi-même depuis longtemps, et certes, selon des modes de signification qui sont apparus, avec le métier, dirais-je. Avec la constitution de la trame de l’œuvre, puisqu’il faut bien se dire qu’avec le temps, justement, on a bâti cette chose particulière qui s’appelle une œuvre, et dont on ignore le destin, alors que s’il est une autre chose dont on sait le destin, c’est précisément le corps écrivant. Qui, lui, ne se relie à rien qu’à sa fin. 
 
Que cache-t-elle, par conséquent, notre &, – laisse ou cordelière, nombril ou nœud coulant ? 
 
Examinons. 
 
.......... 
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Téléchargement L' auxemérienne souci épistémologique

 

 

Dossier Ingeborg Bachmann (par Françoise Rétif), 5 et fin

 

 

Poezibao termine ici la publication du dossier Ingeborg Bachmann conçu par Françoise Rétif. A propos de ce dossier, lire l’introduction et la présentation, lire aussi une première série de quatre poèmes, ainsi que la séquence « Chants en fuite » et une nouvelle série de poèmes.

 

APRÈS CE DÉLUGE 
 
Après ce déluge 
j’aimerais voir la colombe 
et rien que la colombe 
encore une fois sauvée. 
 
Je sombrerais sans doute dans cette mer ! 
si elle ne s’envolait  
si elle n’apportait pas 
à la dernière heure la feuille. 
 
Publié dans le numéro XIX de Botteghe Oscure, p. 445. Puis dans Akzente. Zeitschrift für Dichtung, München, Jg. 4, Heft 6, Dezember 1957, p. 491. Repris Werke, I, p. 154. 
Lu en juin 1957 à la radio SDR Stuttgart.
Traduction Françoise Rétif 
 
• 
 
MYRIAM 
 
Où as-tu pris ta sombre chevelure, 
le nom si doux au son d’amende mûre ? 
Ce n’est pas ta jeunesse, cet éclat de levant— 
ton pays est levant, depuis plus de mille ans. 
 
Promets-nous Jéricho, au psautier donne vie, 
que de ta main coule la source du Jourdain, 
fais que les meurtriers soient pétrifiés soudain 
et un instant aussi ta seconde patrie ! 
 
Effleure les poitrines de pierre et produis le miracle, 
que les larmes enfin submergent aussi la pierre. 
Et fais-toi baptiser avec l’eau brûlante. 
Ne nous reste étrangère que le temps d’être plus étrangers à nous-mêmes.  
 
Une neige tombera souvent sur ton berceau. 
Sous les patins ce sera son de glace. 
Mais dors à poings fermés, et le monde est dompté. 
De la Mer rouge se retirent les eaux ! 
 
 
Publié  dans le numéro XIX de Botteghe Oscure, p. 448. Repris dans Werke I, p. 155. 
Lu également comme le précédent à la radio de Stuttgart. 
Traduction Françoise Rétif 
 
• 
 
ARIA 1 
 
Où que nous allions sous l’orage de roses 
la nuit est éclairée d’épines, et le tonnerre 
du feuillage, naguère si doux dans les buissons, 
est maintenant sur nos talons. 
 
Où toujours on éteint ce qu’enflamment les roses 
la pluie au fleuve nous emporte. Ô nuit plus lointaine ! 
Une feuille pourtant, qui nous toucha, sur les ondes dérive 
derrière nous jusqu’à l’embouchure.  


Wohin wir uns wenden im Gewitter der Rosen,
ist die Nacht von Dornen erhellt, und der Donner
des Laubs, das so leise war in den Büschen,
folgt uns jetzt auf dem Fuß. 
 
Wo immer gelöscht wird, was die Rosen entzünden,
schwemmt Regen uns in den Fluß. O fernere Nacht!
Doch ein Blatt, das uns traf, treibt auf den Wellen
bis zur Mündung uns nach. 
 
 
La première strophe, publiée en 1953, sous le titre « Sous l’orage de roses » est un écho du poème Stille de Celan ; la deuxième fut écrite à la demande de Henze ; le tout fut envoyé à Celan dans une lettre de 1958. Les deux strophes du poème, ainsi que le poème suivant, Freies Geleit (Sauf-conduit), furent mis en musique par Hans Werner Henze sous le titre Nachtstücke und Arien (Première le 20 octobre 1957). 
Traduction Françoise Rétif 
 
 
 
En conclusion de ce dossier, lire Le Poème au lecteur.  Manuscrit inachevé, publié dans la version originale pour la première fois en 1978 (cf. Werke, IV, p. 307), mais dont la date de rédaction est inconnue (probablement aux alentours de 1960). Certains mots (en particulier les mots de la fin Getier et Geäst en particulier) sont incertains. Première traduction de Françoise Rétif dans le numéro d’Europe, août-septembre 2003.  

 
Le Poème au lecteur (esquisse)¹  
 
Qu'est-ce qui nous a éloignés l'un de l'autre? Si je me regarde dans le miroir et m'interroge, je me vois à l'envers, une écriture solitaire, et je ne me comprends plus. Dans ce grand froid qui règne, nous nous serions froidement détournés l'un de l'autre, malgré cet amour insatiable entre nous? Je t'ai certes jeté des mots fumants, brûlés, au mauvais arrière-goût, des phrases tranchantes ou bien émoussées, sans éclat. Comme si je voulais accroître ta détresse et avec mon entendement t'exclure de mes contrées. Tu venais à moi si confiant, parfois même balourd, tu exigeais un mot qui embellît la vérité; tu voulais aussi être consolé, et je ne connaissais pas de consolation pour toi. La réflexion non plus ne relève pas de mes fonctions.  
 
Mais un amour insatiable pour toi ne m'a jamais quitté et je cherche à présent dans les ruines et les airs, dans le vent glacé et sous le soleil, les mots pour toi qui me jetteraient de nouveau dans tes bras. Car je languis loin de toi.  
 
Je ne suis pas un tissu, pas une étoffe pour couvrir ta nudité, mais j’ai l’éclat de toutes les étoffes, et je veux éclater dans tes sens et dans ton esprit comme les veines d'or dans la terre, et de ma lumière, de mon lustre, je veux te transpercer, te transporter, lorsque se déclare en toi le noir incendie, ton être mortel.  
 
Je ne sais pas ce que tu attends de moi. Pour le chant que tu pourrais entonner pour gagner une bataille, je ne vaux rien. Devant les autels, je me retire. Je ne suis pas un conciliateur. Toutes tes affaires me laissent froid. Mais pas toi, non pas toi. Rien que toi. 
 
Tu es tout pour moi. Que ne voudrais-je être pour toi! Je voudrais te suivre, lorsque tu seras mort, me retourner vers toi, au risque d’être pétrifié, je voudrais résonner, faire pleurer les animaux et fleurir les pierres, de chaque branche exhaler le parfum.  
 

 
dossier proposé et réalisé par Françoise Rétif 

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