Poezibao

Autour de Claude Garache (par Bernadette Engel-Roux)

 

À la suite du très bel ouvrage consacré au peintre par les éditions La Dogana, en 2006, sous le titre Garache face au modèle et qui assemblait les noms de constellations fraternelles : Philippe Jaccottet, Jean Starobinski… paraissent, dans la seule année 2010 deux autres livres de regards échangés avec l’œuvre du peintre des nus rouges. 
Chez Hazan, des Entretiens avec Claude Garache laissent la place à la voix du peintre lui-même, que relancent deux autres voix amicales. Cependant que l’une d’elle, celle de Florian Rodari, dans le recueil A voix nues donne à voir un aspect inédit du peintre, celui des eaux-fortes et du bois gravé qui accompagnent les chants de tendresse ou de deuil que Florian Rodari a repris aux lèvres de femmes des îles Salomon. 
Ces trois livres permettent de percevoir les modulations et les déclinaisons sensibles d’une œuvre dont l’unicité de ton, le rouge, et de formes, le nu féminin, prend les aspects d’une hantise.  
De ces variations, telles que les font apparaître ces trois livres, nous avons choisi ici, à travers quelques toiles élues, l’un des instants, celui où la saturation de la forme par la couleur et de la couleur par la forme, fondent comme en un creuset pour ne plus nous laisser à voir, percevoir, éprouver, qu’une très chaude vibration.  
 
« Fascination du rouge, et plus encore lorsqu’il sature la toile sans que le corps, du fond se distingue sur des gris, des bleus, des verts, fussent-ils profonds et infusés de rouge, sur des blancs qu’atteint de rose sa lumière. Fascination du rouge lorsque le corps n’est plus que forme qui s’estompe et se dissipe dans sa buée charnelle, rouge. Soleil d’un corps dont la forme se perd dans sa couronne de feu, mais corps et non soleil, corps de femme en femme rouge rebaptisée, renaissante, corps où perdure le chaud noyau où "femme" se condense, se ramasse, pour renaître, expansion continue d’elle-même et seule. Sur la toile, l’énergie centrale perdure, c’est la confiance du peintre, sa confidence de confiance. C’est comme "pour toujours" que ce feu charnel va, ira, se diffusant. "Femme" est rouge. "Rouge" est femme. 
Absorption du regard dans la vibration de ce feu charnel qui ne brûle ni consume. Mais irradie, continûment. C’est le troublant mystère de la chair adorée, adorable, où le regard se perd sans rien voir alentour. Le mystère charnel est total, à son égard l’anecdote s’abolit. Chair mystérieuse, tentation offerte, ouverte, et ramassée sur son énigme. Le regard s’absorbe jusqu’à se perdre dans cette totalité-tonalité si chaude que toute la toile en est frémissement. La forme, ou ce qu’il en reste dans sa rouge diffusion, frémit dans l’expansion continue, inaltérable, de son feu central jusqu’aux limites extrêmes où le regard peut rêver encore qu’elle déborde, douceur, chaleur, envahissante. Et l’imagination du regard commence aux limites incertaines de la toile, comme débordée, comme elle s’était d’abord perdue, du corps au contour troublé de sa forme, et de sa frange vibrante à son halo réverbéré, rouge intensément. Rouge. » 
  
 
Bernadette Engel-Roux 
 
Garache face au modèle, La Dogana, 2006 
Entretiens avec Claude Garache, Hazan, 2010 
A voix nues, poèmes de Florian Rodari, eaux-fortes et bois gravé Claude Garache, éditions de la revue Conférence, 2010 
 
voir aussi les articles consacrés à Claude Garache et à Florian Rodari par Alain Paire 

Lettre ouverte à Auxeméry, sur sa traduction du Maximus d'Olson, par Nathaniel Tarn

 

Poezibao a reçu cette « Lettre ouverte à J.P. Auxeméry à propos de la traduction des Poèmes de Maximus de Charles Olson », (La Nerthe, Toulon, 2009.) Une occasion de remettre à la une cette très importante parution. 
 
Cher ami, 
En vous écrivant, je crois avoir souligné que les États-Unis n’ont pas de Ministère de la Culture et ne peuvent donc – comme c’est le cas pour beaucoup de pays civilisés, dont la France – honorer et récompenser ceux qui ont rendu au pays de très grands services culturels. Tout au plus avons nous une « National Endowment for the Arts » qui jouit de très peu de moyens et ne fait donc pas grand chose – sous la devise (imbécile au plus haut point):  « Because a Great Nation deserves Great Art. » 
Vous avez traduit un très grand nombre de poètes américains (entre autres : Pound, H.D., Williams, Reznikoff et Creeley) et devriez donc recevoir ces honneurs si justice était faite. 
Et voici que m’arrive un exemplaire de votre travail extraordinaire sur les "Maximus Poems" de Charles Olson. 
Un gros tas de soucis et de problèmes, sans dénombrer les comédies médicales, m’ont empêché jusqu’ici de rendre justice à ce livre de 915 pages : : votre Maximus. Mais finalement j’ai pu enfin passer une longue soirée avec ce livre – œuvre magistrale sur une œuvre magistrale  : en situant Olson non seulement dans sa propre peau et son propre pouvoir, mais aussi dans son contexte – Pound, Williams, Duncan, Creeley, Dorn et toute la sainte lignée – vous avez pu donner à vos compatriotes l’à-peu-près tout de ce qu’il pourrait y avoir de valable en notre temps, en notre siècle, chez nous ici. 
Chose qui se dissout en ce moment, paraît-il, avec une rapidité vertigineuse dont on finit par avoir honte. 
La plupart du temps, je me trouve incapable de lire des traductions dans une langue que je connais et venant d’une langue que je connais. Mais après avoir parcouru vos douze chants de l’arrière-préface, j’avoue que je serai parfaitement capable, quand mon temps reviendra de lire le grand Charles, de vous prendre comme guide tout aussi bien que les fameux savants Butterick, Maud, Sherman Paul et autres dont vous avez, avec méthode et alchimie, rendu l’essentiel, tout en y ajoutant vos propres connaissances et expériences. On voit bien que vous avez travaillé sur Olson depuis trente ans : : il n’est pas nécessaire qu’on nous le dise... 
Et, comme toujours, vous avez cette capacité, excessivement rare, d’entrer dans la voix, dans le rythme verbal, dans la prosodie de celui que vous traduisez : en vous lisant, je me suis trouvé chez Olson comme si je le lisais en américain. 
Ne connaissant que mal la situation de la poésie en France, je me demande jusqu’à quel point, dans quelles situations et dans quels contextes votre œuvre trouvera sa place et quelle reconnaissance se manifestera pour vous remercier le plus chaleureusement possible de ce grand don que vous avez mis en place. Y a-t-il déjà quelques signes que le livre a été lu, recensé, et apprécié à sa juste valeur? Tenez-moi au courant de tout cela, je vous en prie. En attendant je tenterai de faire connaître ici toute la portée de votre hommage – je connais finalement très peu de monde et les voies de la propagande ne me sont pas exactement ouvertes. Mais nous verrons. 
En attendant, acceptez d’un ami américain les plus chaleureuses des félicitations : le constat du rapport entre notre être et notre réalité n’a jamais eu autant d’éclat et de mérite que sous l’envergure de votre navigation de l’océan olsonien  
 
à vous, 
 
Nathaniel Tarn 

 

L'amour la poésie, par Matthieu Gosztola

 

L’amour la poésie 
 
Mathieu Gosztola

 

 

Bernard Pignero : Georges Haldas a théorisé l'Etat de Poésie comme étant celui qui permet au poète de prolonger dans l'écriture les « minutes heureuses », sortes de révélations, pour lui d'inspiration sans doute divine, mais dont chacun peut retrouver des expériences courantes dans la définition qu'il tente d'en donner, tout en acceptant l'idée que seuls certains « élus » sont capables d'en faire un traitement littéraire par un prolongement poétique. Il écrit dans ses carnets de 1973 : « Ainsi l'éternité de la minute heureuse est-elle source en même temps de parole et de communion entre les êtres. Elle est donc fondamentalement humanisante. Elle est grosse, en somme, du seul progrès réel entre les êtres : qui ne consiste nullement en un accroissement de pouvoir, mais en capacité de se relier. Ainsi, l'Etat de Poésie est-il prophétique de la condition humaine... » Te retrouves-tu dans cette approche de la démarche poétique ? 
 
Matthieu Gosztola : Oui, elle est indispensable, cette capacité de relier les êtres que permet la poésie. Ou, plus exactement, cette capacité de faire apparaître la liaison entre les êtres, car, comme le stipule un sermon de John Donne mis en exergue par Hemingway dans Pour qui sonne le glas,  « La mort de tout être humain me diminue, Car je suis concerné par l'humanité tout entière. » Mais avant d’en arriver là, il nous faut faire un long détour, ou plutôt : il nous faut revenir à ce que dit Haldas au début de la citation. Car cela nécessite une très longue explicitation, prendre à bras le corps tout ce que laisse entendre Haldas. Déjà, ce qu’il faut remarquer, c’est que l’Etat de Poésie théorisé par Haldas est bien particulier : il n’est en rien transcendant de vie, mais en cueille la saveur secrète, pour qu’elle soit possiblement partagée. Je fais référence ici à Artaud, qui écrit dans Le théâtre et son double : « avoué ou non avoué, conscient ou inconscient, l’état poétique, un état transcendant de vie, est au fond ce que le public recherche à travers l’amour, le crime, les drogues, la guerre ou l’insurrection ». Cette attitude prônée par Artaud et défendue par nombre de surréalistes, quand bien même elle continue de trouver des échos chez des poètes contemporains à travers leur volonté de faire sentir au lecteur, par l’excès d’un langage volontairement dénaturé, l’intenable de la situation de l’Etant cherchant un ailleurs de la conscience au sein d’un siècle qui n’en finit pas de pourrir sur ses assises gangrénées par les grands conflits, ne me parle pas entièrement. Aussi, oui, je serais plus proche de la définition que donne Haldas de l’Etat de Poésie, dans la volonté qu’il a de privilégier la captation des minutes heureuses, existentiellement d’abord, puis dans le « prolongement » qu’est l’écriture qui ne vise qu’à ouvrir cet espace de partage qu’est le livre, lequel permet, à travers le lien d’une parole avec les yeux et l’ouïe intérieure qui viennent la cueillir, oui, c’est bien de cela qu’il s’agit, une « communion ».  
 
Bien sûr, il y a la tristesse. D’une part, cette tristesse donne sens et forme au non-sens et à l’informe. En effet, la vie est succession informe dont on ne perçoit pas le sens, plus que jamais quand elle est zébrée de traumas, et l’écriture vient plaquer une forme sur ce qui n’en a pas tout en donnant  rétrospectivement un sens, quand bien même c’est illusoirement, à ce qui n’en a pas, justifiant l’injustifiable en en tirant, sinon de l’or littéraire pour reprendre la formulation de Woody Allen dans Deconstructing Harry, du moins une idée de complétude esthétique en laquelle l’être peut reconnaître, sinon sa propre complétude, du moins sa propre unicité et sa propre unité. « [I]l existe tout de même un salut par les mots, ces mots arrachés à main nue comme anthracite au fond de la mine, dans le noir le plus noir, puis portés à incandescence pour transformer la détresse en cristal », écrit Nicolas Bouvier dans L’Echappée belle. D’autre part, la tristesse peut être un moteur pour l’écrit. Comme l’écrit Olivier Barbarant dans son journal : « Ecrire m’écorche. Tout va bien. » Barbarant écrit ailleurs dans ce même Temps mort : « je n’existe qu’en fonction de ce qui m’atteint. » La tristesse est ce qui nous atteint, comme du reste la joie, mais sensiblement elle est ce qui nous atteint plus profondément que la joie, alors qu’il n’en est rien, en vérité, comme nous le verrons un peu plus loin : la joie est semblable atteinte en notre chair et en celle de notre imaginaire. Mais l’idée nous occupe un peu tristement que la tristesse donne assise à notre être, en lui donnant consistance, douloureusement consistance dans la temporalité (la rendant soudain pleine de finitude) alors que la joie est justement la façon que l’on a de s’arracher à la temporalité en en épousant tous les contours. Si je devais donner une image de la tristesse, je prendrais le tableau de Manet : Un bar aux Folies-Bergère (il m’arrive d’aller à Londres uniquement pour pouvoir contempler longuement ce tableau dans la splendide Courtauld Gallery, 150 Strand, Charing Cross – passant avec bonheur de La loge de Renoir à  l'Autoportrait à l'oreille bandée de Van Gogh). Il y a la tristesse de la femme dans le bar. Tu sais, cette femme que Manet fait poser longuement, et qui n’est autre que Suzon, la véritable serveuse du bar, que Manet a déjà croquée dans plusieurs pastels, très beaux. Fait poser longuement, parce qu’il est obligé d’aller s’allonger très souvent, étant très malade, pour regarder de loin son tableau, son ultime grande œuvre. La lenteur avec laquelle il peint se transmue (se glisse) dans les traits de Suzon.  Cette jeune femme est lente dans le cours de ses pensées tristes, comme pétrifiée dans son chagrin, un chagrin doux, qui est une absence au monde. Suzon apparaît, pour reprendre la formulation de Yourcenar, comme un Ulysse, une Ulysse devrais-je dire, sans autre Ithaque qu’intérieure. C’est cela que génère la tristesse, la grande tristesse, l’intériorisation d’une Ithaque que nous sommes voués à rechercher de toutes les fibres de notre être et de notre action comme aveuglée, se butant, informe, aux murs de nos angoisses. Cette absence au monde, cette plongée de sa propre Ithaque dans son espace intérieur (alors que la survenue de l’Ithaque hors de l’intériorité suggère au contraire le déploiement d’actions individuelles, le fait pour l’être de se reconnaître dans ces actions – dans ses actions –, et non dans ses angoisses, lesquelles deviennent les seules actions tangibles qui peuvent se déployer au sein même de ce monde qu’est son intériorité), cette absence au monde donc (cette façon que l’on a de faire soi-même écran entre soi et le monde), pour le dire un peu simplement, c’est ce qui pour moi caractérise la tristesse, laquelle nous rend ainsi toujours captif d’elle-même (pour reprendre la formulation de Lady Capulet parlant de sa fille dans Roméo et Juliette de Shakespeare : Tonight she’s mewed up to her heaviness / Ce soir elle est captive de sa tristesse). Une seule absence au monde ? Cela va plus loin que ça. Car cette présence accrue que forme Suzon avec tout son être face à – et au sein de – ses pensées n’est qu’une façon qu’elle a, en s’approchant de son intériorité,  en faisant corps avec lui – c'est-à-dire en faisant corps avec ce qui n’a pas de corps justement, avec ce qui n’est que mouvance, instabilité en laquelle l’être ne peut qu’échouer à se reconnaître durablement –, de détisser le rapport qu’elle entretient avec le monde et qui fait de son être un être singulier, car toute singularité n’est telle que dans une dynamique interpersonnelle. Absence au monde donc, mais aussi à la singularité. Dans le très merveilleux tableau de Manet, Suzon est perdue dans sa solitude bien qu’elle soit entourée de présences étincelantes (lumières se répercutant, inventant leur danse de lumières, bouteilles, agitation multiple et protéiforme, homme entrant et dont le profil se dessine dans le miroir, possiblement une connaissance de Suzon…). 

 

(pour lire la suite, cliquer sur "lire la suite". Un lien permettant le téléchargement du fichier PDF de cet entretien se trouve à la toute fin. 

Marie-Claire et Alain Bancquart, une gémellité du sens du temps (par Florence Trocmé)

 

 
Marie-Claire et Alain Bancquart 
une gémellité du sens du temps 
 
Journée d’étude Marie-Claire Bancquart 
Nanterre, le 1^er décembre 2010 
 

 

Pour mon intervention dans cette journée d’études autour de Marie-Claire Bancquart, j’ai choisi un thème qui me parait peut-être assez peu exploré et qui est pourtant fondamental, la question de la musique. Mais il ne va s’agir en rien ici de déterminer si l’écriture de la poète est « musicale » !   
Je vais partir d’une donnée essentielle de sa vie, le fait qu’elle est mariée et vit, et cela depuis des décennies, avec un compositeur, Alain Bancquart.  
Je vais donc tenter, en me basant sur des entretiens et conversations que j’ai eus avec le couple et sur Qui voyage le soir*, un livre d’Alain Bancquart qui vient de paraître, d’explorer les possibles interactions entre leurs deux langages.  
 
 
Alain Bancquart 
Alain Bancquart est né en 1934 et il a fait ses études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris (violon, alto, musique de chambre, contrepoint, fugue et composition), puis a occupé le poste de troisième alto solo à l'Orchestre national de France, de 1961 à 1973.  
Il sera ensuite Directeur musical des Orchestres de Régions de l'ORTF puis Directeur musical de l'Orchestre national de France.  
En 1977, il est nommé Inspecteur de la Musique au Ministère de la Culture. Il occupe cette fonction de 1977 à 1984, et est parallèlement producteur à Radio France des «perspectives du XXe siècle». 
Depuis 1967, il consacre l'ensemble de son travail à l'étude des micro-intervalles.  
Il se trouve aussi qu’il a écrit deux livres Habiter le temps, paru en 2003 aux Éditions Symétrie et Qui Voyage le soir*, tout juste paru chez Tschann libraire..  
 
Il faut évoquer d’emblée le point clé de l’œuvre d’Alain Bancquart, à savoir le fait qu’il s’est consacré entièrement à l’étude et la mise en œuvre de ce qu’on appelle les micro-intervalles.  
Pour dire les choses rapidement, la musique occidentale depuis un peu plus de deux siècles est fondée sur le système dit tempéré qui est un système de division de l'octave. Il consiste à la découper en douze intervalles chromatiques égaux. Généralisé depuis environ deux siècles seulement, il a connu un développement considérable entre le XVIIIe et le XXe s. L’échelle musicale est la gamme de 12 sons, qui répartit tons et ½ tons selon des schémas bien précis.  
Or en termes de possibilités pour la composition musicale, ce système est à bout de souffle ; c’est la raison pour laquelle dès le début du siècle précédent, des musiciens ont tenté d’en sortir, soit par l’invention du sérialisme, soit par le recours à d’autres modes musicaux, parfois empruntés aux musiques orientales. On peut citer ici les noms de Berg, de Schönberg, de Webern mais aussi de Debussy. 
Alain Bancquart a choisi de se centrer sur une toute approche,  une division beaucoup plus fine du ton. Il travaille sur les ¼ de tons, les 8^èmes de tons et même les 16^èmes de tons.  
 
le texte, la musique 
Ce que j’ai choisi d’explorer, essentiellement en lisant les livres d’Alain Bancquart et en menant plusieurs entretiens au fil du temps avec Marie-Claire et Alain, c’est le rapport de création qui peut exister entre leurs deux œuvres.  
On verra d’ailleurs que cela entrainera dans une réflexion encore plus large sur le rapport entre le texte et la musique. On peut rappeler à ce sujet que Victor Hugo mais aussi André Breton se sont élevés formellement contre la mise en musique de leurs œuvres et on prête à Satie une remarque charmante disant que « le musicien est celui qui inventa l’art sublime d’abîmer la poésie ».  
Or cette citation se trouve dans le nouveau livre d’Alain Bancquart Qui voyage le soir. On reconnaît là un titre de Marie-Claire, long poème présent dans Rituel d’Emportement, on peut aussi en reconnaître de très nombreux dans les intitulés des œuvres d’Alain, qui dit : 
 
« Je lui emprunte ce titre comme je lui ai emprunté la plupart des titres de mes œuvres, qui sont en très grande et très secrète partie les siennes » 
 
Un premier indice peut-être pour notre recherche.  
Second indice, on compte une dizaine d’œuvres écrites en collaboration entre la poète et le musicien. 
J’ai choisi d’en retenir trois plus particulièrement, comme des jalons dans cet échange marqué par une évolution très importante et la réflexion constante du musicien sur la question musique et texte.  
 
Trois jalons 
Ces trois pièces sont :  
Les Tarots d’Ulysse, un opéra radiophonique qui date des années 80 ; 
Le Livre du Labyrinthe, un monodrame pour baryton et cinq violoncelles, composé entre 1995 et 2000 ;  
Appels d’être, composé entre 2006 et 2010.  
 
→ Les Tarots d’Ulysse 
On remarque tout de suite qu’il y a là attestation de ce que les spécialistes de l’œuvre de Marie-Claire connaissent bien, son attrait pour la mythologie et très particulièrement pour deux grandes figures Ulysse et le Minotaure (dans la seconde œuvre évoquée). On reconnait aussi dans l’intitulé de la première œuvre le titre d’un roman de Marie Claire, paru en 1984 chez Belfond.  
À partir de ce roman, elle a composé un texte qui va servir de trame à Alain pour composer son opéra radiophonique.  
Ici donc, elle est partie d’une œuvre existante mais à laquelle elle a donné une autre forme pour cette première collaboration significative avec son mari.  
 
→ Le livre du labyrinthe 
Pour le grand cycle Le Livre du Labyrinthe, elle va composer spécifiquement le texte de l’une des pièces, Meurtre tandis que celui d’une autre des pièces, Icare, reprend un poème existant au préalable.  
 
→Appels d’être 
Appels d’être, le tout dernier cycle en cours enfin est composé de Musipoèmes, ce seul mot attestant d’une évolution très intéressante sur laquelle je vais revenir. Pour ce cycle, Marie-Claire a écrit spécifiquement les textes pour la composition musicale.   
 

SIEL mon salon ! , par Jacques Fournier

 

 

Le logo repris sur l’affiche et le tract m’avait déjà mis la puce à l’oreille : deux plumes plantées (la petite se voulant la fausse ombre de la grande) dans le point du i.  Une seule aurait dû suffire à me faire comprendre. J’y suis allé mû par l’intérêt que je porte au travail de Wanda Mihuleac, l’artiste-éditrice de Transignum, qui y présentait un défilé de ses Habits à lire, une de ses dernières idées faussement farfelues et vraiment artistiques. 
Mais qu’allait-elle donc faire dans cette galère ? 

Au 18^e étage de la tour est de la BNF, dans les salons Belvédère (cela eût pu être à soi seul une des raisons du déplacement, mais la vue sur Paris et ses environs était hélas prémonitoirement bouchée par un temps gris et pluvieux), le Salon Indépendant des Écrivains et Libraires (SIEL de Paris) accueillait quelque 200 exposants, des centaines d’ « auteurs » (le site en annonçait 462 !) et quelques éditeurs (je ne mets pas de guillemets, certains l’étant vraiment, perdus eux aussi dans ce marécage pseudo culturel, alléchés par le prestige du lieu) qui s’entassaient sur des tables riquiquis (1m10 sur 60 cm* ou ronde format table de bistrot), alignés en quatre colonnes par salle (genre je ne veux voir qu’une seule tête). Une manière radicale de rentabiliser l’espace par une occupation maximale**. 
Dans les allées étroites (mais que fait la sécurité ?), déambulait un public nombreux semble-t-il. Curieux, amis et membres éblouis de la famille des auteurs apparemment satisfaits d’être traités comme des poulets en batterie. 
L’usage de guillemets autour de « auteurs » se justifie par le fait que la très grand majorité de ceux qui exposaient étaient soit autoédités soit édités à compte d’auteur. Ma connaissance assez fine du milieu me permet d’affirmer qu’il y avait là peu d’auteurs publiés à compte d’éditeur. Et le comportement de la plupart d’entre eux me le confirmait : on avait droit à un véritable harcèlement de leur part, ainsi qu’on en peut subir dans une foire commerciale : apostrophe au chaland (« Vous aimez la poésie ? » , « Vous connaissez l’histoire de…. », etc.) ; distribution de cartes de visite portant l’obligatoire mention : écrivain, poète, romancier, conférencier, etc. ; distribution de tracts proposant l’intégrale de la première page du dernier livre et la reprise d’un article élogieux paru dans la page d’une feuille de chou locale, rédigé on le sait la plupart du temps par l’écrivain soi-même, le pigiste de service n’ayant pas eu le temps de le faire, trop retenu qu’il est sur les évènements sportifs et les anniversaires à la maison de retraite ; tract tendu à bout de bras au potentiel acheteur (« Si vous êtes là, c’est que vous aimez la lecture ? ») comme un marchand de fruits et légumes tend aux passants des quartiers de la clémentine qu’il n’arrive pas à écouler. Sur les tables, des piles et des piles d’exemplaires du dernier roman historico-romantique de 650 pages ; de la dernière plaquette de poésie rimaillée ; du résultat de leurs recherches sur la grande loge, les oiseaux migrateurs, la démonologie, le comportement de leur chat,… ; d’une bande dessinée au trait obsolète et au texte lénifiant ; du témoignage affligeant de leur douleur (sclérose en plaque, cancer du sein, perte d’un enfant, drogue, … (NB : le SIDA n’y a pas bonne presse, semble-t-il), et de leur résurrection grâce, en vrac, à Dieu, aux médecins, au mari compatissant, à la phytothérapie, au bon air de la montagne, au dépassement de soi, et j’en oublie.
 
Le défilé des merveilleux Habits à lire de Wanda Mihuleac (vêtements de tissus et papier imprimés de poèmes dus à des poètes – j’allais dire : des vrais - d’aujourd’hui) s’est déroulé dans des conditions pitoyables, tant pour les « mannequins » que pour le comédien et diseur de textes Denis Parmain (il est vrai rompu à l’exercice sur les marchés et dans les rues où parfois il exerce toujours avec talent son art), que pour le public, entassé au fond de la deuxième salle, face à une estrade trop basse pour être une scène, au milieu du brouhaha incessant et naturel de ce genre d’environnement, avec une sonorisation de conférencier, non de spectacle. Quand on pense que des « conférences »  se sont tenues sur cet espace, cela laisse pantois… 
Le tableau serait incomplet si je n’évoquais l’apostrophe indélicate d’une dame patronnesse et organisatrice (madame la présidente ?) au public lui enjoignant plus que l’invitant (il était 16h30) à quitter les lieux à 17h précises afin que les personnes ayant une gommette bleue (ciel ?) sur leur badge puissent profiter à 18h du cocktail (payant, comme l’ont été les nappes en tissu anti-feu proposées aux exposants !). 

Je terminerai par le souci que causa la descente dudit public vers le rez-de-chaussée par le biais de deux ascenseurs trop étroits mais bien heureusement rapides, et, m’a-t-on dit, l’embouteillage qui se créa au rez-de-chaussée où s’entassaient dès 16h30 de potentiels visiteurs bloqués par un vigile scrupuleux. 
Transignum et d’autres rares éditeurs de qualité présents sur ce pseudo salon littéraire ont été attirés dans ce guet-apens par le prestige du lieu. Ils doivent encore s’en mordre les doigts. 
Si ce salon fut apparemment un succès public (mais le site du SIEL ne donne aucune information quant à la fréquentation, ni d’ailleurs n’affiche aucun bilan, alors que les commentaires le plus souvent négatifs fusent de toutes parts sur la blogosphère), il n’en reste pas moins un fiasco organisationnel et littéraire. 
À qui la faute ? 
À l’association, trop heureuse de faire parler d’elle dans un lieu connu de tous (et paradoxalement difficile à trouver car mal indiqué !), mais incapable d’assurer une qualité d’organisation professionnelle ? Les bonnes intentions (mais n’est-ce que cela qui meut les dirigeants de l’association ? Revoir la note de bas de page **) ne suffisent pas à faire un bon salon. 
À la direction de la BNF qui a loué*** un lieu mal adapté à ce genre de manifestation ?  Justement, la direction de la BNF devrait se poser des questions au regard de ce qui s’est tenu là. Il paraît normal que la BNF se mêle d’accueillir une manifestation littéraire. Nul ne peut le nier. Mais cela doit-il se faire au risque de véhiculer une image dévalorisée de ce que peut être la littérature ? La BNF propose-t-elle à son public des expositions de « peintres du dimanche » ? Pourquoi alors accepte-t-elle que soit ainsi montrer des « écrivants » du même acabit, qui s’autodéclarent indépendants parce que leurs proses ou leurs poèmes ont été refusés par les « grandes » maisons d’édition (devenues dès lors leurs ennemis jurés puisque responsables de l’abandon de leurs ambitions littéraires et de leur besoin de reconnaissance voire de gloire), écrivants auxquels je ne dénie absolument pas le droit d’écrire, les mots appartenant à tout le monde (ou peu s’en faut), mais qui, sous prétexte qu’ils ont payé pour être édités, s’arrogent le titre d’écrivain, voire de poète, vidant ainsi ces termes de toute leur substance et de tout ce qui fait leur sens. 
 
Ce qui aurait pu être le 18^e ciel de la littérature s’est avéré finalement une foire de bas étage à laquelle ont participé quelques gogos trop contents d’être vus et peu regardant sur les moyens d’y arriver, et faisant quelques victimes collatérales dont le visiteur que j’y fus. 
 
Jacques Fournier, directeur de la Maison de la Poésie de Saint-Quentin-en-Yvelines et président de la Fédération européenne des maison de poésie / MAIPO

 
 
* Une éditrice qui avait fait plus de 250 km et réservé deux nuits d’hôtel, a, à la présidente de l’association, fait la remarque que la taille de la table était inférieure à ce qu’on leur avait « vendu » lors de l’inscription. Elle s’est entendu répondre : « Si cela ne vous convient pas, nous pouvons vous rembourser, il aura toujours quelqu’un pour reprendre votre table », arguant que la taille des tables avait été imposée par la sécurité de la BNF ! Faux argument puisqu’il suffisait d’avoir moins d’exposants et de leur octroyer le linéaire proposé en matérialisant sur les tables les limites de chacun. 
** L’occasion fait le larron. Quel aura été le bénéfice pour l’association organisatrice à 100 € la table pour les auteurs, 150 € pour les éditeurs (je n’ai pas vu de stand de libraires, mais je peux n’avoir pas tout vu) ? Je demanderais bien leurs comptes de fin d’exercice pour avoir la confirmation de mes soupçons. 
*** Je ne pense que la BNF prête gracieusement ses locaux. 

 

André Dimanche, portrait d'un éditeur (par Alain Paire)

 

André Dimanche : depuis 1978, le parcours d'un éditeur.  
 

Il vit à Marseille depuis toujours. Les premiers livres qu'il imagina furent imprimés en 1978 : André Dimanche avait trente-quatre ans, il était au milieu du chemin de sa vie. Il avait médité son projet initial en compagnie d'un proche ami, le poète Christian Gabrielle Guez-Ricord (1948-1988) qu'il venait souvent rencontrer dans le studio d'un immeuble de la rue d'Ephèse. Après avoir longuement réfléchi et conversé dans la proximité de ce poète audacieux et souvent bouleversant qui acheva de le déterminer, André Dimanche entreprit de fabriquer depuis Marseille, rue Breteuil,  chez l'imprimeur Soulié, les trois petits volumes d'une collection qu'il intitula L'Atelier blanc.  
 
Sa vie professionnelle et sa famille d'origine ne l'orientaient pas du côté de la littérature. Une maîtrise de droit et un emploi dans la fonction publique fixèrent longtemps la trame de ses journées : lorsque le temps estompera davantage les souvenirs, j'écrirai brièvement quels furent son métier et le dédoublement de son existence, jusqu'au début des années quatre-vingt dix. Toutes sortes de curiosités et d'affinités électives aiguillèrent ses choix ; à Marseille, il fréquentait volontiers le musée Cantini où l'on montrait pendant les étés des année soixante-dix Balthus, François Rouan et Françis Bacon, la galerie d'art contemporain Athanor ou bien la librairie La Touriale qui était domiciliée près de son lieu de travail. Si l'amour du livre et de l'édition ne l'avait pas requis, André Dimanche aurait vraisemblablement investi dans des registres connexes son énergie et sa créativité. Il aurait pu façonner une passionnante collection de peinture. Une autre dimension de sa vie lui permettait d'accéder au statut d'un photographe de grand talent. Il avait exposé à la Bibliothèque Nationale ses travaux personnels dans le domaine de la photographie ; ses recherches furent commentées par Jean-Claude Lemagny, Marc Le Bot et Bernard Noël. 

 
L'artiste japonais Key Sato (1906-1978) dont il venait régulièrement voir les travaux dans une galerie de Nice, était par alliance un membre de sa proche famille. Puisqu'il s'inquiétait du peu de cas que l'on faisait de l'oeuvre de ce peintre, Christian Guez-Ricord l'encouragea à éditer des petits livres à son propos. Les textes des deux premières plaquettes de L'Atelier blanc furent écrits par Christian ; la troisième fut rédigée à quatre mains, André Dimanche et Guez-Ricord travaillèrent ensemble. Les artistes qui accompagnaient ces pages furent Key Sato, son fils Ado et Colette Deblé qu'André avait rencontrée grâce à Bernard Noël. 
 
1981 : création des éditions Ryôan-Ji 
Les formats de L'Atelier blanc étaient minuscules, les tirages oscillaient entre cent et deux cents exemplaires : des pages de papier Arches pliées en quatre, un banc d'essai sans lendemain immédiat. Le véritable point de départ, le premier livre réellement conçu par André Dimanche, c'est un recueil de James Sacré, Quelque chose de mal raconté. Le 19 mai 1981, 955 exemplaires sur papier Centaure ivoire d'Arjomari sortaient des presses de l'imprimeur marseillais Robert. Un autre ami, l'écrivain Christian Tarting qui dirigeait la revue Chemin de ronde l'avait incité à découvrir les poèmes de Sacré. Ce dernier enseignait la littérature française aux Etats-Unis : lors des premiers contacts il avait fallu le joindre par téléphone au Smith Collège, dans une université du Massachussetes. Une remarquable fidélité réunit cet auteur et cet éditeur. Au fil des ans, Dimanche a publié dix livres de James Sacré ; le dernier de ces ouvrages est paru en août 2010, il s'intitule America solitudes. Parmi les autres recueils de James Sacré édités chez André Dimanche, on peut citer Une fin d'après-midi à Marrakech qui reçut en 1988 le Prix Guillaume Apollinaire, Des animaux plus ou moins familiers (1993), Une petite fille silencieuse (2001) ainsi qu'Un paradis de poussière (2006). (suite en cliquant sur "lire la suite")

A propos de Breton et du surréalisme, par Olivier Favier

 

 

Olivier Favier, dont Poezibao a déjà publié plusieurs traductions, notamment du poète italien Carlo Bordini, a réagi au choix d’André Breton pour l’anthologie permanente de ce 17 septembre. Poezibao a souhaité publier ce point de vue intéressant et qui complète bien le choix de ce jour.  
 
 

Je n'avais jamais remarqué que ce tract de "Correspondance" publié par Paul Nougé le 22 novembre 1924 répondait  au poème d'André Breton publié aujourd'hui:
 
"Regarder jouer aux échecs, à la balle, aux sept arts nous amuse quelque peu, mais l’avènement d’un art nouveau ne nous préoccupe guère.
L’art est démobilisé par ailleurs, il s’agit de vivre. Plutôt la vie, dit la voix d’en face.
Nous poursuivions notre promenade, au passage délivrant de nos propres pièges quelques différences."
 
J'affirme avec un bonheur renouvelé, maintenant que m'apparaissent les dessous de l'affaire, que je m'étais rangé spontanément du côté de la "voix d'en face". J'y pensais comme à un titre -c'est une des phrases de Nougé qui me hantent, et j'en aurais voulu à Breton de ne pas avoir dit: "Plutôt la vie". Moi qui n'ai jamais pu me ranger nulle part, je serai du moins, dans un temps qui pardonne à Céline pour condamner Breton -on me pardonnera ce raccourci d'aisance, qui est aussi un lieu commun- un de ceux dont le coeur battra d'enfance au seul mot de surréalisme. Surréalisme, comme on disait révolution, en un temps désormais lointain plus grand dans l'illusoire. Surréalisme, comme on a dit, mais sans tenir promesse, la révolution la nuit. Surréalisme, comme un des mots trop rares du siècle court qui soit encore un mot. 
 
 
 

NDLR : Paul Nougé (Bruxelles, 1895 – Bruxelles, 1967) est un poète belge, souvent présenté comme le « Breton belge » (notice)

 

 

La poésie d'Ariane Dreyfus : ce geste infiniment doux d'accueillir, par Matthieu Gosztola

 

 

La poésie d’Ariane Dreyfus : ce geste infiniment doux d’accueillir. 

Le dernier recueil d’Ariane Dreyfus dont rend compte Antoine Emaz ne saurait être séparé, à mon sens, des précédents livres de poésie de l’auteur, car, chez Ariane Dreyfus, c’est une parole poétique une et indivisible qui s’offre à nous - son unicité est d’un seul élan, d’une seule belle vitesse, une seule cohérence - bien que fragmentée en poèmes, au fil des recueils. Ainsi, je continue ici, à ma façon, le geste critique précis et englobant d’Antoine Emaz. 
 
De même que la poésie d’Ariane Dreyfus est accueil (totalement), elle nous invite à accueillir son œuvre entière comme s’il s’agissait d’une seule parole. Une seule parole qui nous rappelle combien l’écriture est chez l’auteur affaire de vie, prolongement de vie mais aussi expression d’une vie plus intensément vécue, comme si l’écriture permettait d’être soi-même sans aucun obstacle, sans aucun faire-valoir, comme si l’écriture était la façon qu’avait le visage de se déshabiller de toute possibilité de pose, et de paraître dans une nudité originelle, nudité qui nous est confiée dans un chuchotement, nudité cristallisée en poèmes, et qui nous renseigne autant sur notre être même que sur celui de l’auteur. Ariane Dreyfus suggère elle-même cette idée dans les entretiens qu’elle a donnés à Poezibao, et qu’il s’agit de relire, tant ils sont expressifs quant à l’écriture poétique, son mûrissement, sa cristallisation: 
Nudité qui nous renseigne sur notre être même et sur la façon dont nous pouvons nous tenir dans la joie de vivre, en étant présent, intensément présent face à l’autre. Ainsi, par exemple, Ariane Dreyfus permet-elle à une émotion (très forte) ressentie lors de spectacles de danse, de cirque, ou lors de projections cinématographiques, une émotion suscitée par la grâce de l’altérité, de se continuer dans un poème, de se continuer plus encore que de se prolonger, car elle acquiert une seconde vie par le biais de l’écriture.  
 
Afin de montrer toute la cohérence de cette parole, et la résonance, durable et précise, qu’elle peut avoir dans  nos vies, j’ai tenté de la reconstituer dans une possible linéarité, mettant en lumière certains vers en les faisant jouer les uns avec les autres - j’ai ainsi choisi quelques recueils qui me semblent extrêmement révélateurs d’un parcours - en donnant, ponctuellement, la parole à des auteurs qui lui sont proches, et qui ont pu, à un moment ou à un autre de sa vie qui est toute entière poésie, aimanter son écriture.  
 
Pour lire l’ensemble de cette étude de Matthieu Gosztola grâce à ce lien :
Téléchargement Matthieu Gosztola, Etude sur la poésie d'Ariane Dreyfus

 

 

 

Un portrait de Florian Rodari (La Dogana) par Alain Paire

 

 

A l’occasion d’une nouvelle exposition de la Galerie Alain Paire, un portrait rédigé par le galeriste, de l’écrivain, éditeur, revuiste, commissaire d'exposition... Florian Rodari 
 

 

Florian Rodari : la Revue de Belles-Lettres, les éditions de la Dogana, 
la Fondation Jean Planque 

 

Son père était journaliste. Né en Suisse en 1949, Florian Rodari partage son temps entre Genève et Paris. Son frère Alain Rodari est l'un des responsables du "Vent des routes", une librairie-restaurant-agence de voyages dont le rayonnement dépasse largement les réseaux de la Suisse romande. Voici quelques années, ce libraire pas du tout conventionnel migrait volontiers : Alain Rodari est également photographe, ses images illustraient en 2005 un ouvrage collectif des éditions de La Martinière intitulé Hommage aux Indes. 
 
Tandis que son frère incarne à sa manière le versant Nicolas Bouvier de la littérature suisse, Florian Rodari s'est orienté du côté de la poésie et de la traduction dont l'exemple lui fut pour partie insufflé par son oncle maternel, Philippe Jaccottet : en sus du creuset d'une bibliothèque familiale où coexistaient les grands formats des éditions d'Albert Skira et les petits volumes recouverts de feuilles de pergamine d'Henry-Louis Mermod (1), il a depuis toujours bénéficié de la discrétion et de l'affection de Jaccottet. Emprunter à Genève la filière des études littéraires relevait pour lui de l'évidence : Florian Rodari prit l'habitude de suivre aussi souvent que possible les cours de Jean Starobinski et de Jean Rousset.  
Un second carrefour d'existence, j'y reviens plus loin, impliqua définitivement Florian Rodari du côté des arts plastiques. Dés l'âge de vingt ans, son premier emploi professionnel lui donne la possibilité de travailler au Cabinet des Estampes du musée de Genève. Rainer Michael Mason, alors assistant-conservateur, lui demande de classer les collections de gravures anciennes et puis très vite, de monter des expositions et de rédiger des catalogues.  
 
Paul Celan, Ossip Mandelstam, La Revue de Belles-Lettres. 
Un changement de comité de rédaction lui permet simultanément d'entrer dans l'équipe qui entreprend la mutation de « La Revue de Belles-Lettres »,une revue qui avait auparavant publié des numéros spéciaux consacrés à Amiel, Hohl et Cingria. On est en 1972, Florian Rodari est le plus jeune à l'intérieur d'une direction collégiale où figurent Pierre-Yves Balavoine, John E. Jackson, Pierre-Alain Tâche et Rainer-Michael Mason (2). A peine trentenaire, cette génération est profondément attentive à ce qui s'est approfondi depuis la galerie Maeght autour de la revue « L'Ephémère » dont les cahiers trimestriels paraissent entre 1967 et 1972. Pour leur part, John E. Jackson et Florian Rodari suivent passionnément les cours qu'Yves Bonnefoy donne pendant deux années consécutives à la Faculté des Lettres de Genève (3) : Bonnefoy écrit à cette époque L'Arrière-Pays qui sera publié chez Skira dans la collection des « Sentiers de la Création » de Gaëtan Picon.  (cliquer sur "lire la suite pour découvrir la suite de l'article)

La poésie de Jean-Paul Michel : une parole de joie débordant l’être, une étude de Matthieu Gosztola

 

 

La poésie de Jean-Paul Michel : une parole de joie débordant l’être 

(À propos de Je ne voudrais rien qui mente, dans un livre, suivi de « Défends-toi, Beauté violente ! » et de « Le plus réel est ce hasard, et ce feu… », Cérémonie et Sacrifices, poèmes 1976-1996.) 

 

À la fin de son précédent opus, Le plus réel est ce hasard, et ce feu…, Jean-Paul Michel interrogeait, merveilleusement, son amour des livres : « Plusieurs fois j’ai porté à mes lèvres un livre l’ai / baisé dans cette façon enfantine comme / on ferait du visage d’un bienfaiteur et / mû de quelque reconnaissance obscure ou lumineuse / remercié / tant la lecture arrache si / passionnée et pure elle enlève à ce qui pèse / ou / au contraire aggrave de vigoureuse présence ce qui / demande pour être exactement senti d’être / ainsi avivé. » Mais nous sommes loin ici du roman de Huysmans, À rebours, où « des Esseintes ôt[e] » tel « incomparable livre de ses rayons et (…) le palp[e] dévotement », car, en interrogeant son amour des livres, qui s’exprime tout aussi charnellement que chez Huysmans, c’est son amour de la lecture que Michel interroge.  
Si la lecture est ainsi sanctifiée, par le geste presque amoureux du lecteur s’attardant sur le réceptacle qu’est le livre, c’est bien parce qu’elle « aggrave de vigoureuse présence ce qui / demande pour être exactement senti d’être / ainsi avivé. » Faire que soit senti exactement…, et pour cela aviver, c’est-à-dire tenir, saisir justement par l’écriture (en ne laissant pas choir de la chose nommée sa vigoureuse présence, en approchant dans le même geste de l’écriture la chose et son énergie), là est toute la volonté qui porte, de façon sous-jacente, l’écriture de Jean-Paul Michel, et qui s’exprime singulièrement dans son dernier livre.  
[...] 

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