Poezibao

Olivier Apert (Pierre Drogi et Anca Vasiliu)

 

Quand les lévriers sont fatigués de chasser, ils rêvent. (Barbey d’Aurevilly, cité par Olivier Apert) 
 
 
« Fais au lieu de dis » pourrait être l’injonction adressée secrètement à ceux qui se mêlent de poésie : intention secrète du poème. 
 
Qu’opère Upperground d’Olivier Apert ? 
Une plus grande lucidité, une extrême lucidité fraternelle, infiniment adressée. 
L’autoportrait n’est ici que prétexte à de l’humain, à du partage sur la corde raide de la conscience sourcilleuse, rageuse et pourtant fraternelle. 
Le mot vers reprend ici quelque sens car la langue, toute tendue, témoigne d’une maîtrise du-mot-et-de-la-pensée justes, saisis ou cloués dans leur adéquation exacte : provoquant l’admiration, bousculant sans les violenter les battements du cœur. 
Le vers est d’ailleurs décliné dans tous ses paradoxes (prose aussi -spleen de paris et fleurs du mal composés en bouquet ? entièrement reconçus vers autre chose), mais toujours entraîne cadence, heurt, syncope de la pensée et de la langue (dans quel ordre ?). 
Décrire ne sert ici à rien. 
C’est cette tension même qu’il s’agit d’éprouver. 
Cohérence extrême ; dans sa justesse, dans son toucher. 
Opération de droiture et tenue (réserve) sarcastique. 
Un individu se présente devant nous sans se la jouer, sans nous la jouer, sans se croire, sans nous en faire accroire. 
Parole en première personne qui n’agrippe ni ne force - pas à tu et toi - mais qui dans un respect devenu rare, construit sous nos yeux (étonnés) un maître-livre.  
 
Pierre Drogi 
 
Olivier Apert, Upperground, La Rivière échappée, 2010 
 
 
Pierre Drogi en envoyant cette note de lecture à Poezibao ajoute :  
« Je me suis souvenu en même temps qu'une « lettre ouverte »-recension, consacrée au même Olivier Apert, était restée en souffrance, note due à Anca Vasiliu et qui va au plus profond du travail d'Olivier. Texte plus fouillé, peut-être ardu mais très juste et très beau. Il serait bon qu'une telle analyse du travail d'Olivier puisse être publiée, je crois, pour accompagner la sortie d'Upperground, en attirant l'attention sur un travail qui n'occupe pas, j'en suis persuadé, la place éditoriale qui lui revient. » 
 
 
L’effet talithakoum 
Lettre à Olivier Apert 
par Anca Vasiliu 
 
 
Je voulais dire que je ne suis pas là pour rester mais pour partir.  
L’éternel étranger, dis-tu, contagieux irréversible.  
L’acte, bien en vue, installe la réciprocité amoureuse de la vie dans le dépassement de la parole qui le dit ; il la laisse derrière lui, elle qui ne cesse d’être volubile même quand elle appelle au secours. L’acte désimplique le mot de lui-même : (je me) lève et pars. Lui, le tiers, signifie tout droit, comme transparent. Ni je (qui pars) ni toi (qui vois et entends, une voix). Le mot reste en arrière, paresseux, hésitant, lourd de sens. Entre temps, agile comme un dieu, le pas a affranchi d’un bond le mouvement. L’acte se suit à la trace, parle plus vite qu’une langue accoudée à son palais. Il prend appui en dehors de lui ; il est extensible sur les objets, sur l’espace du temps, sur les signes de directions. Il parle aux morts leur langue de voyelles. 
 
Pour passer la main il faudra alors partir (chacun, mais pas quand il veut). Le poing doit se refermer sur la peau crevassée de la paume pour passer la justesse du propos dans la crevasse indélébile. ET on passe alors la main comme on passe un secret ou une formule à la douane officieuse des réseaux occultes. On passe la main comme on caresse l’oubli aux yeux d’amande de ceux qui restent. Passer la main, la peau touche l’intouchable soi-même et frissonne. L’énoncé juste : l’homme seul avec soi-même passe d’un sens vers l’autre sur la croix. Aucun vivant n’est seul là plus de trois jours et plus de trois nuits entre la vie et la mort, sans croiser quelqu’un et se reconnaître en lui, créature. 
 
Je crois, Olivier, que tu ne démissionneras jamais de ce que tu envisages face à la mer ; de ce que tu prononces entre les dents comme porté par la puissance de la mâchoire de David, non par la lyre. Écrire les actes, avec les gestes d’un autre toi qui performe l’irréversible « viens » de l’amant par un pas qui suit, et s’en va. L’attrait du lointain s’accomplit dans ce geste, maintenant. L’ouverture, l’apocalypse de tous les moments. La résurrection, dont nous ne pouvons ni taire ni prononcer le nom, et qui s’accomplit avec la saveur d’un fruit offert à l’aube. Gratitude.  
Entre temps, ce laps face à la mer, ou au désert, plus peuplé que la mer de poissons, et plus assourdissant. Tu t’y connais, pas en surface mais en volume : tout se voit de toute part et sans repère. On peut faire le tour de chaque question, se situer à la fois des deux côtés de la différence, se demander comment cela est possible, répondre en même temps par le cri et par le silence. Drogué et en éveil, deux et un font toujours trois.  
 
Lève-toi et marche, dis-tu à cet agneau du sacrifice prochain. Debout, en partance même si tu as les déchets nucléaires sous tes pieds et des ongles effrités pour couper les ronces dans lesquelles palpite un oiseau. Nous sommes tous venus pour partir, nous sommes tous en route pour le départ, toi seul tu resteras, mais pas avec toi-même. Un bras serre tes épaules, et tu tournes en dandy-toupie-derviche sur la scène finale du petit monde qui se ramasse des quatre coins pour s’en émouvoir. 
Je crois que tu resteras, mais qui vivra verra si la justesse est bien passée dans l’exactitude du geste qui pose caillou sur caillou dans la vie contre la mort. Il n’y a pas de répétition, on entre en scène comme on naît. (Il y a quelque chose de christique en toi, qui fait face à Lucifer Baudelaire.) L’effet se mesure au temps qui nous est imparti ; autant dire que le pari est sans mesure, àlaviecommeàlamort, crevasse dans la paume que tu serres. 
 
Anca Vasiliu, le 7 mars 2007 
 
 
Olivier Apert : bibliographie succinte 
Le Livre du déclin, Aencrages & Co, 1989 
Écrit de la mer, Aencrages & Co, 1991 
« Femmoiselle, je t’raime », Aencrages & Co, 1993 
Comme au commencement, Mihaly, 1999 
Infinisterre suivi de Crash, Apogée, 2006 
Upperground, La Rivière échappée, 2010 
 
Portatif de la provocation (en collaboration avec François Boddaert), Presses Universitaires de Vincennes, 2000 
Baudelaire, être un grand homme et un saint pour soi-même, In-folio, 2009 
 
[Talitha koum, sur quoi s’appuie principalement la « lettre ouverte » d’Anca Vasiliu: poème parlé-dansé d’Olivier Apert présenté à la Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon et à Saorge en 2005 puis à Compiègne et Saint Valéry-en-Caux en 2006 et 2007 ; danseur-interprète soliste : Sylvain Groud] 

 

René Nelli (par Alain Paire)

 

Inaugurée le 4 février, une exposition René Nelli ou la poésie des carrefours est ouverte jusqu'au 7 mai 2011, du mardi au samedi, dans l'un des étages de la Maison des mémoires de Carcassonne, au 53 de la rue de Verdun qui fut autrefois la demeure de Joë Bousquet. Magnifiquement renseigné et riche de nombreux documents de première main, cet hommage à Nelli évoque simultanément le poète, l'ethnologue passionné par les cultures populaires, l'enseignant, le penseur, l'essayiste et l'historien : une figure plurielle et labyrinthique qui semble aujourd'hui, et ce n'est pas justice, devoir trop étroitement son principal rayonnement à l'Occitanie, au bûcher de Montségur ainsi qu'à l'érotique des troubadours. Cet événement de belle ampleur est porté et réalisé par l'équipe des chercheurs du Garae Ethnopôle de Carcassonne. Son titre, « la poésie des carrefours », s'inscrit délibérément dans la lignée d'un célèbre numéro des Temps modernes imaginé en 1949 par Michel Leiris pour étalonner sa rencontre avec Aimé Césaire et les cultures des Antilles, « au croisement des cultures, des religions, des histoires, de la poésie et de l'ethnologie ». 
 
Dans cette exposition dont Daniel Fabre est le commissaire, le pari est de parcourir « les moments d'éclosion d'une pensée » : l'équipe du Garae s'est remarquablement donnée pour tâche de « retrouver .... au carrefour des savoirs, des langues et des créations philosophiques et littéraires du XX° siècle ... la présence de René Nelli – sa voix, son image, le mouvement de sa conversation – » Pour partie issus d'un dossier de présentation et des cartels rédigés par Daniel Fabre, on trouvera ici quelques éléments de la trajectoire de Nelli, principalement dans le domaine de la poésie et de ses revues. 
 
René Nelli était né le 20 février 1906 à Carcassonne ; il acheva sa vie dans cette cité le 11 mars 1982. La maison où il naquit se situe au 22 de la rue du Palais. Sa demeure avait été conçue et bâtie en 1889 par son grand-père Isidore Nelli, un sculpteur-architecte qui travailla sous la direction de Viollet-le-Duc. Son père Léon Nelli qui était également architecte et aquarelliste, fut un collectionneur de grande érudition qui détenait de riches ensembles de manuscrits et de livres, pour partie cédés au département de l'Aude en 1928.  
 
En sus de sa bibliothèque, Léon Nelli réunissait dans sa maison avec un très singulier éclectisme des objets d'art magdalénien issus des grottes des Pyrénées que l'on retrouve aujourd'hui au musée national de Saint-Germain en Laye, des enluminures et des objets médiévaux ainsi que des pièces africaines et océaniques issues du voyage en Mélanésie d'un chanoine carcassonnais : accompagné d'une photographie en noir et blanc, le tout premier poème en prose publié en 1928 par René Nelli dans la revue Chantiers s'intitulait Idole de Polynésie. Cette insolite et mystérieuse collection fut l'un des ferments de la formation de Nelli. Un grave revers de fortune obligea sa famille à la mettre en vente à Paris chez Drouot, en 1911 et puis en 1931 pour ce qui concerne les objets relevant des arts premiers. Témoins de ce fastueux rassemblement, de superbes faïences italiennes, des majoliques de la Renaissance furent rachetées par le collectionneur lyonnais Charles Damiron.  
 
René Nelli fit en 1924 et 1925 ses études à Paris dans l'hypokhâgne du lycée Louis-le-Grand, en compagnie de Ferdinand Alquié, de Maurice Merleau-Ponty et de Paul Benichou. De ce temps d'études dans la capitale procède sa découverte du surréalisme : il racontait qu'au pensionnat de Louis-le-Grand dont il acceptait très mal la rudesse, il avait l'habitude de poser à son chevet, « pour peupler ses nuits et ses rêves », un numéro de la Révolution surréaliste qu'il venait de se procurer. Auparavant, l'une des rencontres capitales de sa vie, sa« connaissance du soir » avait été précocement facilitée par son professeur de philosophie Claude Estève qui l'avait conduit alors qu'il avait seize ans dans la chambre de son ami Joë Bousquet. Après divers séjours à Toulouse, à l'Institut français de Zagreb ou bien au lycée de Maubeuge qui fut son premier poste d'enseignant, Nelli se réinstalla en 1936 dans sa ville natale. Deux années plus tard, il réintégrait définitivement la maison familiale de la rue du Palais.  
 
Nelli fut longtemps le professeur de lettres et de philosophie du lycée de Carcassonne. Il devint après la Libération le conservateur du musée de sa ville : il aimait dire à propos de son improbable et très ambivalente cité, à la fois fascinante et terriblement ensommeillée, qu’ « il y a deux Carcassonne, la première est dans la légende, la seconde est dans le département de l'Aude ». Il fut entre 1947 et 1974 chargé d'un cours d'ethnologie méridionale qui se déroulait le jeudi dans l'après-midi, à la Faculté des Lettres de Toulouse. Quelques-uns des ethnologues languedociens qui se passionnent aujourd'hui pour son œuvre figuraient parmi ses étudiants. Juste après les cours, Nelli qui fut souvent comparé à un « Socrate languedocien », avait l'habitude de les retrouver dans une atmosphère de simplicité, de complicité et de liberté, place du Capitole, parmi les tables d'un bistrot aujourd'hui disparu, le café Conti.  
 
Son imaginaire se ressourçait principalement entre Carcassonne et Montségur, la citadelle ruinée des cathares dont il révéla l'existence à de nombreux pèlerins, parmi lesquels il faut se souvenir de Paul Éluard et d'André Breton qui sut écrire que « Montségur a brûlé, brûle et brûlera toujours ». Pendant les étés, ses temps de loisir s'effectuaient dans les Corbières, au château de Bouisse qu'il avait entrepris de restaurer : Benjamin Péret fut frugalement hébergé dans cette bâtisse avec des tours arasées et de grandes cheminées intérieures, lorsqu'il composait au milieu des années cinquante son anthologie de L'amour sublime. 
 
Jusqu'au 28 septembre 1950, date du décès de Joë Bousquet, le très vif pôle d'attraction de son existence fut le lieu de rencontres et de dialogue rigoureusement envoûtant de la chambre du 53 de la rue de Verdun. On sait à quel point cet espace constituait un lieu souverainement étrange, avec sur ses murs et parmi ses tentures tout d'abord des tableaux de Max Ernst, de Paul Klee, de Magritte ou bien de Malkine, plus tard des Bellmer et des Dubuffet. Ce fut pour de nombreux jeunes gens, pour les hommes et les femmes de cette époque, pour « Poisson d'or et les passantes du soir » amoureuses du poète, une inoubliable source de découvertes, de rencontres et de conversations. Médisants avec ou sans bonté, Bousquet, Estève et Nelli savaient parfaitement que la ville qu'ils aimaient profondément pouvait être « une ville d'ânes et de voyoux ». Un cercle d'amis proches - entre autres, François-Paul Alibert, Ferdinand Alquié, Henri Féraud, Pierre et Maria Sire et Franz Molino réunis entre 1928 et 1930 dans la revue Chantiers - s'y retrouvait régulièrement : dans une lettre qu'il adressait à Jean Cassou, le 28 mai 1930, Bousquet qui fut un extraordinaire maïeuticien, un improvisateur et un conteur follement drôle, magnifiquement affranchi de tout esprit de convention, expliquait qu'il avait entrepris « de former des amis et de composer dans la ville la plus bête du Sud le milieu dans lequel je souhaitais vivre ». 
 
Parmi les premiers "grands visiteurs" de ce champ magnétique, il y eut en juillet 1928 Paul Éluard, Gala et Max Ernst qu'accompagnait le poète qui transformait alors les sommaires des Cahiers du Sud, André Gaillard. Cet épisode est raconté par René Nelli qui s'en souvint avec une légère erreur de date - il le situe en 1926 - lorsqu'il donna sa contribution pour le numéro qui célébrait le cinquantenaire de la revue marseillaise. Par la suite, c'est tout le comité de rédaction des Cahiers du Sud, Jean et Marcou Ballard, Gabriel Bertin, Gaston Mouren et Léon-Gabriel Gros qui prirent l'habitude de venir de façon régulière à Carcassonne tandis que Bousquet recevait les plus rares visites de Paul Valéry, d'André Gide, de Jean Cassou ou bien de Carlo Suarès. Après quoi, passèrent rue de Verdun, pendant la seconde guerre mondiale, Jean Paulhan et les Gallimard, Julien Benda, Louis Aragon et Elsa Triolet, Simone Weil, Louis Scutenaire, Axel Toursky et Jean Tortel, Francis Ponge et Henri Michaux, toutes sortes de personnages qu'il fut également donné à René Nelli de pouvoir rencontrer, avec des bonheurs divers. 
 
C'est à Nelli que fut confiée jusqu'au milieu des années 80, la très délicate responsabilité de devenir le préfacier et l'éditeur majeur des Œuvres de Bousquet : il avait pour tâche de conjurer leur désir de dissémination et leur fatale dispersion chez plusieurs éditeurs, dans d'innombrables revues, livres et manuscrits. Après Jean Paulhan dont le rôle fut capital chez Gallimard, René Nelli conduisit à ce propos un intense et méticuleux travail chez Albin Michel (les quatre volumes de l'œuvre romanesque qui furent facilités par Henry Bonnier, le Cahier noir et une partie des correspondances) ou bien chez René Rougerie (entre autres, Le Bréviaire bleu, Les Notes d'inconnaissance et les recueils des lettres adressées à Jean Cassou ou bien à Carlo Suarès). Publiée en 1975 et nourrie par toutes sortes d'articles et d'études antérieurs, sa monographie à propos de l'œuvre et la vie de Joë Bousquet est irremplaçable.  
 
À propos de l'œuvre poétique de René Nelli, il ne faut pas manquer de souligner son rapport complexe avec la littérature et la culture occitanes dont il est l'un des plus importants représentants. Nelli s'était forgé sa seconde langue « par imprégnation saisonnière », pendant les étés de son adolescence, lorsqu'il côtoyait les valets et les fermiers de la campagne. Il avait très jeune entrepris de lire tout ce qui s'éditait en langue d'oc, depuis les troubadours jusqu'aux modernes, en passant par Mistral et les félibres qu'il appelait souvent « les fébriles ». Dès 1931, il publiait des poèmes en occitan. Ses aînés François-Paul Alibert et Joë Bousquet se moquaient voire blâmaient cette pratique qui lui permit de déployer en deux langues intimes le pacte de sa recherche la plus personnelle. Avec Daniel Fabre, il faut davantage révéler « la nouveauté radicale d'une œuvre qui reste inséparable de son double français. À la différence de la plupart des poètes occitans contemporains, la matière et la manière poétiques nelliennes naissent le plus souvent d'un jeu subtil entre les deux langues ».  
 
On rappellera enfin que du vivant de Nelli, pour quelque-unes de ses plus importantes publications, son axe de fidélité, sa rampe de lancement et son port d'attache les plus permanents furent jusqu'en 1966, les Cahiers du Sud de Jean Ballard. Avec Bousquet, Nelli fut de ceux qui contribuèrent à déplacer du côté du Languedoc les centres de gravité de la revue. Cet infléchissement n'était bien évidemment pas seulement géographique, il participait d'une visée poétique cherchant, écrivait Nelli, à « donner à la lumière valeryenne, méditerranéenne de la Provence comme une sorte de coeur ténébreux », un « Midi noir ». Sa collaboration aux Cahiers débuta en 1933 avec la parution dans le n° 151 d'un texte titré « Fragments d'une érotologie ». Après quoi, il y eut dans la revue toutes sortes d'apports, des textes et des poèmes, des chroniques de Nelli touchant à maints sujets (le surréalisme, Ferdinand Alquié, Pierre Sire, Ernst Junger, « Valery, Le dernier des magiciens »). Du côté des numéros spéciaux, son action fut décisive puisqu'on lui doit l'essentiel de la gestation du grand numéro du « Génie d'Oc » ainsi que « Lumière du Graal ». À quoi s'ajoutèrent quatre frontons qui sont des numéros spéciaux miniatures (« Joë Bousquet », « Poésie impériale » (1954), « Sur l'amour provençal »(1958) et « Les cathares et le problème du mal »). Conservés grâce à la vigilance de Marcou Ballard dans les fonds anciens de la BMVR de l'Alcazar, deux grands dossiers de correspondances entre Nelli et Ballard sont consultables à Marseille. 
 
Des liens profonds, une très solide amitié unissait Jean Ballard et René Nelli à qui fut pourtant adressé le reproche de n'être jamais venu à Marseille, pour découvrir le quatrième étage du grenier des Cahiers du Sud. De ces échanges témoigne par exemple cet extrait d'une lettre de Nelli, datée de 1943, quelques temps après parution du Génie d'Oc. « L'atmosphère est ici assez lourde. Cette nuit épaisse qui couvre tout. La solitude : je ne vois presque plus Sire... Le couvre-feu est à 11 heures et la nuit est absolue ... Je ne te dis pas çà pour te dégoûter de venir  - bien au contraire - tu nous apporteras le soleil et l'espoir ». Leur amitié passa par l'épreuve de plusieurs deuils. Ces hommes de grande audace étaient des hommes capables de pleurer, le récit de l'enterrement de Joë Bousquet n'échappe jamais à la tristesse. C'est René Nelli qui envoya des télégrammes laconiques aux Ballard, lorsque disparurent Sire et Bousquet, les archives des « Cahiers » gardent leurs traces. Le papier bleu fané qui annonce le deuil de Sire garde silence. Il est daté du 12/ 3/ 1945. « Pauvre Pierre Sire décédé aujourd'hui. Consternation ».  
 
À propos de l'irrémédiable disparition des Cahiers du Sud en tant que revue, j'affectionne particulièrement le témoignage de Daniel Fabre, présent un soir d'automne sur la terrasse du café Conti : « Un jeudi de novembre 1966, Nelli sortit de sa serviette et laissa aller, en un geste abandonné, sur la table, parmi nos verres, un numéro des Cahiers du Sud : "C'est fini, Ballard arrête, c'est le dernier ..." Par un hasard dont il pensait qu'il n'avait rien d'aléatoire cet ultime Cahiers du Sud contenait de lui un texte dense et chaleureux adressé, par-delà la mort, à André Breton. La lecture adolescente des poèmes surréalistes avait ouvert le chemin vers Chantiers et les Cahiers du Sud qui, ensuite, frayèrent des voies bien différentes, la fin renouait, en Nelli, les deux trajectoires ; il garda le silence, le regard un instant perdu comme quand on reconnaît son destin ». 
 
Bien plus modestement je me souviens avoir rencontré René Nelli dans le grand salon de sa maison de la rue du Palais, pendant une après-midi de grande chaleur, lors d'un mois de mai ou bien de juin de la fin des années 70. Charles-Yves Chaudoreille, maître d'œuvre d'Edisud, voulait convier Nelli afin qu'il écrive un livre à propos de l'histoire et tout aussi bien la magie de sa ville de Carcassonne. Le contrat fut assez vite conclu, son épouse Suzanne Nelli qui assistait à la conversation avait immédiatement soupiré lorsqu'elle comprit qu'il allait de nouveau entreprendre un nouvel ouvrage. Il en sortit un livre dont le texte, un peu trop rapide, n'est pas à quelques exceptions près tout à fait enchanteur. René Nelli nous avait pourtant infiniment séduits lorsqu'il nous avait promis d'écrire un palimpseste qui ressemblerait à ses errances nocturnes au coeur de sa ville natale : il m'avait dit qu'il s'agirait, cette amorce était passionnante, des « Rêveries d'un promeneur solitaire ». 
 
Un épilogue surviendra prochainement pour la maison à trois étages de la rue du Palais. Décédée le 24 août 2007, Suzanne Nelli a légué au département de l'Aude son logis, les livres, les manuscrits et les objets de collection de son époux. Les archivistes du département ont entamé le classement et les annotations de son legs. Une mutation semble se dessiner pour le site de la maison de René Nelli qui pourrait être reconverti en musée et centre de recherches.  
 
Alain Paire  
 
Bibliographie (uniquement des ouvrages de poésie.) 
Présence, éd. de la revue Chantiers, 1929 
Le Tiers amour, éd. Denoêl, préface de Joë Bousquet, 1937 
Psaume du règne végétal, hors commerce, Carcassonne, 1948. 
Point de langage, éd. La Fenêtre ardente, 1963. 
La vie que s'interdit la vie, éd. Encres vives de Michel Cosem, 1969. 
Château où Dieu est un autre, éd. Fata Morgana, 1971. 
Tain de la mort, éd Gaston Puel, 1971. 
Béatris de Planissolas, poème dramatique (musique de Jacques Charpentier) Festival de Musique d'Aix-en-Provence, 1971. 
L'Infrarouge, éd. Privat, 1973. 
Les poèmes du chanvre indien, éd. Thierry Bouchard, 1979. 
Sonnets monosyllabiques, (20 poèmes), Babel-Editeur, 1979  
Sonnets monosyllabiques, éd. Le temps qu'il fait, en co-édition avec Babel Editeur,  1985. 
Obra Poetica Occitana / L'oeuvre poétique occitane, éd. de l'Institut d'études occitanes, 1981. 
Sonnets monosyllabiques occitans, Babel-éditeur, 1990 
 
À propos de la relation nouée entre les proches de René Nelli et le conseil de rédaction des Cahiers du Sud, cf. trois ouvrages publiés par le Garae/ Ethnopôle de Carcassonne : 
Chantiers 1928-1930, réédition intégrale des numéros de la revue, préface de Daniel Fabre, coédition avec Jean-Michel Place, 1987. 
Les Cahiers du Sud / La génération de 1930, catalogue d'exposition coédité avec Ent'revues, 1987. 
René Nelli et les Cahiers du Sud, présentation de Daniel Fabre et Jean-Pierre Piniès, 1987, anthologie des textes publiés entre 1932 et 1966, ensemble complété par des articles à propos de Nelli composés par Jean Tortel, Robert Lafont et Léon-Gabriel Gros. 
 
Cf également « Le gai savoir de René Nelli », études recueillies par Philippe Gardy, Revue des Langues romanes, CXI, 2007. 
 
Au 53 de la rue de Verdun, dans un autre étage de la Maison des Mémoires, le Centre Joë Bousquet et son temps permet de découvrir, presque intacte et infiniment impressionnante, bien qu'elle ne contient plus aucun élément de la collection de peintures, la chambre du grand gisant. Avec l'appui d'amis écrivains comme Serge Bonnery, Alain Freixe et Gaston Puel, René Piniès anime les activités de ce Centre qui produit une exposition permanente, des rencontres et des publications ainsi que plusieurs événements trimestriels autour de la peinture et de la poésie contemporaines.  
 
Jusqu'au 7 mai 2011, exposition Poésie et esthétique autour de Joë Bousquet, René Nelli et Charles-Pierre Bru, texte de présentation de Gaston Puel qui évoque Bousquet « le roi blessé »et Ginette Augier qui fut longtemps la présidente d'honneur du Centre Joë Bousquet et son temps.  
 
Cet automne et toujours dans l'Aude, à Lagrasse, dans le droit fil du travail des éditions Verdier et de leur fondateur Gérard Bobilier qui publièrent plusieurs ouvrages de Joë Bousquet, la Maison du Banquet et des générations présentera les 11 et 13 novembre 2011 « Joë Bousquet, René Nelli et Pierre Reverdy, l'esprit du lieu ». 
 
Alain Paire 

Pour Andrée Chedid, par Gérard D. Khoury

 
 

Pour Andrée Chedid, i. m.

par Gérard D. Khoury  

 

Marcher dans une forêt, c’est à un moment ou un autre être surpris par l’odeur émanant de la terre - mélange de feuilles mortes, d’humus, d’humidité - et par cette atmosphère indéfinissable des sous-bois. D’autres odeurs inattendues nous surprennent aussi : l’évaporation d’une terre mouillée après la pluie, la senteur des figuiers du Liban, le parfum du buis de Provence, l’iode de la mer près du rivage. 
 
Ouvrir un des livres d’Andrée Chedid, c’est entrer en poésie comme pénétrer dans une forêt ou se promener au bord de la mer. C’est se laisser surprendre à tout moment par des images, des musiques, des senteurs, des vérités qui disent la vie sans le filtre déformant des idées, sans insistance, en toute respiration libre. 
 
Andrée Chedid écrit : 
La poésie suggère. En cela, elle est plus proche qu’on ne pense de la vie, qui est toujours en deçà de l’instant qui frappe. 
Hostile aux vérités à éclipses, le poète n’est soucieux que de l’homme à la recherche de son visage enfoui. 
Reléguant la poésie au rang des idées, certains la réduisant à un corps famélique. 
La poésie ferait plus songer à une terre meuble, parcourue d’une eau vivace. ( Terre et Poésie)  
André Chedid rejoint une autre voix d’Alexandrie et de Beyrouth conjuguées, celle du poète Georges Schehadé qui disait » Les idées sont comme des caniches, il faut les tenir en laisse » 
 
Dès ses premiers recueils publiés chez Guy Levis Mano, Andrée Chedid, qui s’est installée à Paris en 1946 aux lendemains de la guerre, a en poésie une voix singulière qui unit les origines et les élans, transcende les aléas du politique et se porte sans hésitation vers l’humain universel. Ce n’est ni une dérobade ni une esquive, mais le goût de l’essentiel, la défense du faible et du modeste, l’amour de l’autre et de la vie : 
 
Elle l’exprime ainsi : 
« Quand on a pris goût à l’espace sans dimension de la poésie, on n’accepte que par à-coups, parfois aussi par égard pour les autres, le quotidien et les ruelles exactes. 
Sans répit, il nous faut tirer la poésie des marécages de l’événement. Refuser qu’elle ne sombre, debout dans ses voiles. Veiller. 
Besogneuse, la raison meurtrit le rêve. Etre poète, c’est savoir ; mais se garder plus libre que toutes les raisons (Terre et Poésie). 
 
Quelques jalons poétiques : En 1949, c’est Texte pour une figure au Pré aux Clercs, puis Texte pour un poème en 1950 chez Guy Levis Mano, suivi chez le même éditeur de Texte pour le Vivant en 1953, Texte pour la Terre aimée en 1955, Terre et Poésie en 1956, Seul le visage en 1960, Lubies en 1962, Double-Pays en 1965, Contre-Chant chez Flammarion en 1968. Ces textes seront regroupés en 1987 chez Flammarion dans Textes pour un poème qui couvrent les années 1949-1970. Les poèmes écrits entre 1970 et 1991 seront réunis sous le titre Poèmes pour un texte chez Flammarion en 1991. Suivent d’autres recueils, Cérémonial de la violence, Par delà les mots, Lubies, Fêtes et Lubies, qui est un recueil, plein de fantaisie, de drôlerie, constituant une vraie fête des mots en liberté, etc… 
 
Andrée Chedid est avant tout poète. Quand elle écrit des romans, des nouvelles ou des pièces de théâtre, ce sont des variations poétiques. La clé de voûte de toute son œuvre est à mes yeux faite de pierres de poésie assemblées. 

Hommage à Andrée Chedid (par Bernard Mazo)

 

Andree Chedid : 
La voix d’une grande dame de la poésie 
vient de s’éteindre 
par Bernard Mazo

 

Andrée Chedid nous a quittés ce  dimanche dernier, 6 février 2011. Elle avait quatre-vingt onze ans. Avec elle, c’est la voix inspirée et mondialement reconnue d’une très grande dame de la poésie et de la littérature d’expression française qui retourne au silence. 
Née au Caire en 1920 dans une famille d’origine libanaise, elle a vingt-six ans lorsque, imprégnée dès son enfance de culture française et ayant passé sa jeunesse en Egypte, elle vient s’installer à Paris en 1946,  pour ne plus jamais en repartir et acquérir très tôt la nationalité française. 
La littérature francophone s’honore d’avoir été adoptée et enrichie  par un tel écrivain, au corpus considérable – plus de vingt recueils de poésie, une quinzaine de romans, sans compter les pièces de théâtre, publiés – et surtout marqué par le sceau d’une profonde universalité. La langue française ayant été, de son propre aveu, quasiment sa langue maternelle au sein de sa famille francophile, de plus perpétuellement entretenue  par ses études, ses fréquents voyages en France, l’été, notamment à Paris, on ne s’étonnera pas qu’elle en devînt un des « passeurs » les plus inspirés, tout en étant, dans ses œuvres poétiques et en prose, souterrainement et continûment abreuvée aux sources d’un Proche-Orient qui, selon ses termes, est « une terre de poésie », comme le souligne également le grand poète libanais Salah Stétié pour qui « le Liban est une terre vouée au poème. » , ce « Liban de rêve » salué par Rimbaud dans Les Illuminations. 
C’est sans doute en cela que Andrée Chedid aura atteint à l’universalisme, mais pas seulement car à travers ses sources d’inspiration, ses thèmes privilégiés, son ardente conviction que la poésie est transculturelle par son questionnement ontologique sur les sources premières de l’humanité, les énigmes présidant à l’existence de l’univers et celles jetant un voile opaque sur la problématique de la vie et de la mort, - « Nous ne pouvons bâtir / qu’adossés à la mort » affirmera - t- elle - c’est bien à chacun de nous qu’elle tend un miroir où se reflètent nos propres interrogations, nos doutes, nos angoisses, notre quête de sens car pour elle : « La poésie questionne l’univers / … nomme la liberté / et désigne le mystère / qui demeure entier. » Et si André Chedid sait nous toucher au plus vif, c’est qu’elle s’adresse à ses lecteurs dans une langue poétique d’une lisibilité et d’une transparence d’expression rares car elle se méfiait autant d’une  métaphysique ou philosophie desséchantes que des tics verbaux, de l’effusion lyrique, et des images convenues.  
Pour elle,  le poète est un être d’interrogation, «le poète vit d’insomnie perpétuelle »  comme le proclamait René Char  car elle  nous rappelle que « tant que nous n’aurons pas résolu le problème des origines […], la poésie gardera sa raison d’être » Et puis on peut lire sous sa plume, en quatrième de couverture de Rythme (ouvrage couronné par la Bourse de poésie Goncourt), les quelques lignes où elle évoquait cette profession de foi qui résume mieux que tout exégèse son œuvre poétique : « Rien, en poésie, ne s’achève. Tout est en route à jamais.[…]. Ne sommes-nous pas, en premier lieu, des créatures éminemment poétiques ? Venues on ne sait d’où, tendues vers quelle extrémité ? Pétries par le mystère d’un insaisissable destin ? […]. La poésie demeure éternellement présente, à l’écoute de l’Incommensurable vie. » 
L’essentiel de son œuvre poétique a été rassemblée chez Flammarion en deux volumes : Textes pour un poème 1949-1970 ; (1971) ; Poèmes pour un texte 1971-1990. (1991) Toujours chez Flammarion, elle nous a laissé en 2010 un dernier recueil : L’étoffe de l’univers. (Cf. l’étude de Benoît Moreau in Poezibao, novembre 2010).   
 
Bernard Mazo 

Par quelques fibres justes, II, de Georges Guillain

 

Par quelque fibres justes II 
Le contemporain, pourquoi faire ? 

Georges Guillain poursuit avec ce texte la réflexion, dont on peut lire le premier volet ici.  
 

1. 
On me demande souvent – et cela sonne parfois comme un reproche – pourquoi je dépense tant d’énergie pour faire entrer à l’école, la littérature contemporaine.  Les grandes œuvres du passé qu’on fait étudier aux élèves ne valent t-elles pas presque toujours infiniment mieux que ces œuvres d’auteurs présents qu’on fait venir dans les classes et dont la plupart ne survivront sans doute pas au jugement implacable du temps ? Certes.  
 
Je suis un passionné de grands textes. En poésie, j’ai tout fait pour tenter de faire appréhender à mes élèves la force, l’originalité, l’importance de certains admirables poèmes de Ronsard, Baudelaire, Apollinaire, Francis Ponge … que j’ai régulièrement placés sur mes listes de Bac en m’efforçant toutefois de montrer combien ces auteurs étaient eux-mêmes redevables aux poètes qui les avaient précédés, jusque dans le détail parfois de leurs textes. Ainsi pour faire un peu saisir l’importance du célèbre sonnet de Ronsard à Hélène où il n’hésite pas à la représenter sous les traits effrayants d’une « vieille accroupie », je ne me suis pas contenté des quelques vers bien connus d’Horace et de son carpe diem, je suis allé chercher dans une élégie de Tibulle ce passage beaucoup moins célèbre où se retrouvent presque tous les motifs frappants du tableau ronsardien. Tibulle s’y adresse à sa jeune maîtresse avant de la quitter pour un assez long voyage : « Mais toi, je t'en supplie, reste fidèle, et, pour garder le dépôt sacré de ta pudeur, que ta vieille mère demeure toujours attentive auprès de toi. Qu'elle te raconte des histoires en tirant, près de la lampe, les longs fils de sa quenouille bien garnie; cependant qu'à côté d'elle la jeune esclave, attachée à sa lourde tâche, cède peu à peu à la fatigue et au sommeil et laisse tomber l'ouvrage. » La comparaison attentive des deux textes montre tout ce que Ronsard doit à son prédecesseur. A ses solides études classiques. Mais n’en fait que mieux ressortir le geste magnifique de son invention personnelle. Sans compter son extraordinaire pouvoir de suggestion musicale. 
 
Tout grand poète est un pont. Un pied dans le passé. L’autre dans l’avenir. C’est ce que montrerait toute étude d’un grand texte si elle se donnait l’ambition de sortir le commentaire de l’illustration mesquine des petits clichés littéraires pour remettre l’œuvre dans la perspective d’une véritable histoire littéraire fondée sur la sensibilité aux formes et une compréhension large de l’acte d’écriture.  

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Le furtif et le fugitif, Jacques Izoard (par Philippe di Meo)

 

 

Le furtif et le fugitif 
Jacques Izoard 
par Philippe di Meo 

 

En dépit des anthologies, du murmure de si nombreuses lectures, des festivals et de la quantité de revues, établies ou confidentielles, il semblerait que l'histoire de la poésie française du second après-guerre doive encore être écrite si, par exemple, l'œuvre de Jacques Izoard demeure aujourd'hui encore méconnue mais, à cet égard, le cas Jude Stéfan n'en est pas moins significatif. Certes des listes de noms existent, mais les évaluations stylistiques et thématiques, les proportions et les hiérarchies laissent fortement à désirer. De ce point de vue, le travail de Jacques Izoard, né à Liège en 1936 et prématurément disparu en 2008, n'a rien à redouter. C'est même tout le contraire, dans sa génération, de par son originalité et son style,  il occupe bien sa place : à l'évidence l'une des toutes premières. 
Aussi, en attendant le Tome III des Œuvres complètes, auquel s'est attelé Gérald Purnelle, on se réjouira de l'attention que lui témoigne un petit éditeur de talent qui publie ses entretiens. Un entretien avorté de Louis Ferdinand Céline réalisé par le tout jeune homme mal aguerri intéressera comme la non moins désopilante incursion à bicyclette dans l'Albanie du sinistre Enver Hoxha. 
 
Le travail de fourmi de Gérald Purnelle nous livre, par ailleurs, plus 100 pages d'inédits dans le premier volet de son travail et 180 dans le second. Car Jacques Delmotte, Izoard en poésie - à cause de la sonorité du mot confiait-il et, peut-être également, du souvenir de ses inénarrables voyages à motocyclette de la Belgique où il est né vers cette Galice qu'il affectionnait - a de son vivant dispersé ses publications en une poussière de plaquettes, à l'occasion écrites à quatre mains avec Eugène Savitzkaya.  
Le critère chronologique retenu convainc. Les "notices" qui s'y ajoutent et l'"index", où l'auteur commente certaines allusions à des lieux ou à des personnes, élucide tel mot rare, constituent un outil précieux pour suivre le sillage d'un poète-né s'inscrivant spontanément, autrement dit sans calcul ni complaisante afféterie, dans la tradition rimbaldienne de l'"égarement" et de l'errance pour la renouveler de fond en comble. 
 
On apprendra ainsi le sens de quelques mots savoureux tels : drève, gayoûle, vinâve, botteresse tout en découvrant des noms de lieux si singuliers du Liégeois et d'ailleurs qu'ils se changent presque en personnages : Fond de cris, Hoût-si-Ploût, Ourthe, Sedia del papa. Aspect moins anecdotique qu'il n'y semblerait car dans la poésie de Jacques Izoard, la sensibilité phonico-symbolique occupe le centre de son phrasé. 
Séduit par les jeux de langage, la mécanique verbale des comptines et autres devinettes, et dont la plupart de ses recueils portent la trace indélébile, dès l'âge de 12 ans l'enfant choisira de consigner ses trouvailles dans un cahier. Un professeur de latin "peu indulgent" secondera et orientera cette inclination de ses bienveillants commentaires. Ses premiers poèmes paraissent en 1952 dans la revue Contact. Une série de voyages à Paris s'ensuivent. Le jeune homme entend rencontrer les poètes et les écrivains qu'il estime. Tour à tour, chacun à sa manière, Jules Supervielle, André Breton, Francis Ponge, Louis-Ferdinand Céline, Marcel Jouhandeau l'accueilleront. 
 
Ce manteau de pauvreté, sa première plaquette, est publiée en 1962 sous le pseudonyme d'Izoard, elle est préfacée par Paul Gilson. Plusieurs critiques en vue le remarquent parmi lesquels Alain Bosquet. Au fil du temps, plus de deux mille pages en vers et en prose suivront. Au reste, Jacques Izoard évolue avec une même aisance dans l'un ou l'autre genre. 
Son registre ? D'une part, une tradition verlaino-rimbaldienne et, de l'autre, un héritage d'ascendance plus ou moins surréaliste se laissent reconnaître, mais spontanément retranscrits selon des codes personnels, car toute démarche "culturaliste" est foncièrement étrangère à la façon d'être de l'homme et du poète, décidemment inséparables.  
Dans la proximité de la confidence diversement diserte et la distance d'un travail stylistique visant certaine proportion de sublime, le poète livre des pans entiers de sa biographie sur le mode rêveur. Et cela, au gré de ses vagabondages dans sa ville natale et à travers l'Europe, ou, plutôt et mieux, de l'espace. Corps et psyché vibrent à l'unisson selon les lois empathiques d'une effusion omniprésente. Spinoza n'est pas loin. Un désir de se fondre dans le paysage opère. Ces va-et-vient entêtés et entêtants du lieu au mot approprié sanctionnent une recherche verbale sensualiste, dans l'acception du mot la plus large, au plus près de la sensation intime des choses, des êtres et des lieux. Vu et vécu s'indifférencient inextricablement. Osmose perpétuelle, rarement titre n'aura mieux résumé l'œuvre de Jacques Izoard. Car "ce que la couleur dilue devient vertige" pour dire le "dégradé des couleurs". Dans ce dessein d'une cohérence stylistique et affective sans faille, chaque poème englobe toujours tous les autres. 
 
La nuance et la douce intensité - le Liégeois abomine le tonitruant, la pose et le théâtral, en un mot, l'inauthentique -  sont l'horizon de Jacques Izoard. Même s'ils ne sont vraisemblablement ni lus, ni à l'évidence connus, une parenté secrète semble relier l'œuvre du Belge à celle de l'Italien Sandro Penna. Essentiellement comme intentionnalité. 
Le furtif et le fugitif de la sensation pourraient peut-être à eux seuls caractériser cette démarche si attachante et si stylistiquement exigeante qu'on aimerait trouver les volumes évoqués sur les rayonnages de toutes les bibliothèques publiques ou privées de France et de Navarre.  
 
Philippe Di Meo 
 
 
Le premier bavard touche la fleur 
dont le parfum fend la langue 
d'un dormeur déjà voué au rêve. 
Et c'est l'été, l'hiver. 
Le linge très blanc touche encore 
la joue, la jambe, le bras. 
Linges liquides ou ténèbres. 
* 
Dans ce vide où le bleu corrompt 
tout regard et tout vertige, 
dans ce vide où s'allument 
clartés de feuilles et de foins, 
dans ce vide très doux, 
le corps n'est qu'un désir 
qui cache sa propre mort. 
(Pavois du bleu) 
 
Les livres :
Osmose perpétuelle, entretiens, Atelier de l'Agneau, 77 p., 14 € 
Lettres et dédicaces à des amis, ,Atelier de l'agneau, 38 p. 12 € 
Poésie I, 1951-1978, sous le direction de Gérald Purnelle,  Editions de la Différence  845 p., 39 €,
Poésie II, 1979-2000, sous le direction de Gérald Purnelle, Editions de la Différence, 843 p., 39 €, 

 

Par quelques fibres justes, de Georges Guillain

 

PAR QUELQUES FIBRES JUSTES 
Georges Guillain

 

1.  
 
Poser pour commencer la fragilité de l’écrivain qui n’a pas vraiment de règles et qui cherche à voir clair dans son propre désir d’expression. Il avance avec toute la clarté possible de son intelligence et l’ouverture de sa sensibilité vers un bout d’inconnu. Invente son chemin. En témoigne parmi tant d’autres, le Journal de Virginia Woolf que je parcours une nouvelle fois aujourd’hui. Avec en guise d’avertissement, pour moi, ce passage bien cruel de 1926 à propos de l’ouvrage d’un certain Maurice Baring : « En deçà de ses propres limites, ce n’est pas de second plan, ou du moins pas de manière évidente à première vue. Les limites sont la preuve même de sa non-existence. Il ne peut faire qu’une chose, ce qu’il est lui-même ; un charmant anglais, propre, modeste, sensible ; en dehors de cela qui ne porte pas loin et n’illumine guère, tout est comme cela doit être : léger, sûr, proportionné, et même émouvant. Raconté de manière si distinguée que rien n’est exagéré mais que tout est en rapport et bien équilibré. Je pourrais lire de tels livres éternellement, me suis-je écriée. Léonard me répondit qu’au bout de peu de temps on en serait malade à mourir. » 
Mais que penser de ces lignes plus loin sur l’Ulysse de Joyce ? « Un livre inculte et grossier, le livre d’un manœuvre autodidacte et nous savons combien ces gens sont déprimants ! Égoïstes, insistants, rudimentaires, stupéfiants et pour finir, dégoûtants. Quand on peut se procurer des viandes rôties, pourquoi les manger crues ?» (16 aout 1922) 
 
2. 
 
Que cherche-t-on obscurément par ce travail, pas toujours si réjouissant d’écrire ? Je ne sais pourquoi cette question me fait repenser aux Vénus medici de l’école céroplastique florentine. Aux œuvres criantes de réalisme et de cruauté mêlées de Clemente Susini. Particulièrement à ce corps alangui, allongé sur de la soie, orné d’une pilosité bien réelle, d’un collier de perles fines, chaleureux dans sa matière de cire mais la peau en partie soulevée, par plaques, sur un simulacre d’organes, de viscères, dans leur sanguinolent lacis de nerfs et de vaisseaux… Corps, comme la menace en moi d’une fête splendide. 
 
Me souviens de Madame Edwarda de Bataille. Et que le désir n’est pas celui du beau, de l’idéal. Mais d’un au-delà de la peau. D’un au-delà de toute forme. D’une perte générale dans le trou béant des formes. Que nous passons notre vie à tenter de boucher pour nous rassurer d’être. Nous épargner l’angoisse d’avoir à nous y dissoudre. Un jour. 
 
De même pour le monde. Nous le voyons à travers ses contours appris. Reconnaissable qu’il est à partir d’abord des images que nous en formons. D’où notre manière de le voir, changeante, selon l’éducation que l’ensemble plus ou moins aventureux des processus culturels par lesquels nous passons fait subir à notre regard. Mais ces contours ne sont qu’illusion conceptuelle. Intrigue, plus qu’on ne le croit du réseau de nos nerfs et de notre cerveau. Dressé, dompté.  
 
Les choses ne peuvent se réduire à leur enveloppe charnelle ou mentale.  
 
D’où cet effort d’art et de poésie. Tout entier d’effraction. De déchirure. Une sauvage, impossible, cambriole. 
 
 
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Un entretien avec Lucien Suel (par Sylvain Courtoux)

 

Un entretien avec Lucien Suel 
par Sylvain Courtoux
 

Cet entretien n’étant plus disponible en ligne, Poezibao est heureux de le republier 
Il a été réalisé par courriel et courrier pendant le second trimestre 2004.. 
 
Lucien Suel artiste total.
Animateur de revues, éditeur pour la Station Underground d’Émerveillement Littéraire, chanteur/bassiste dans le groupe de free-noise Potchük, performer et lecteur concret, mail-artiste, animateur radio, poète ordinaire et écrivain élémentaire, Lucien Suel n’arrête pas de se jouer et de déjouer les étiquettes pour notre plus grand plaisir.
Et l’on peut dire que, depuis 1978, Lucien Suel a bien fait son trou [1] dans la littérature contemporaine et plus particulièrement dans la sphère des poésies modernes et expérimentales, qu’elles soient visuelles ou sonores, concrètes ou justifiées.
Il fallait donc revenir sur son parcours dans l’écriture contemporaine, pour lui donner une place exemplaire dans la littérature poétique et expérimentale de notre époque.   
 
 
Pourrais-tu, pour des lecteurs qui ne te connaîtraient pas, te présenter bio-biblio-graphiquement ?  
J’ai pris l’habitude depuis un certain nombre d’années de déclarer que je suis un poète ordinaire. Au vu de certaines réactions et pour être clair, je profite de cet entretien pour préciser que le plus souvent, dans mon esprit, j’entends le mot ordinaire au sens étymologique. Je suis un poète qui range les choses par ordre.
Je suis né en 1948. J’appartiens donc à ce que François Ricard appelle La Génération Lyrique, les premiers nés du baby-boom. Je suis né à Guarbecque, village des Flandres artésiennes dans la vallée de la Lys. J’ai toujours vécu dans cette région et ces trois dernières années, je les ai occupées à construire de mes mains ma maison à quelques kilomètres de mon village natal, dans les Collines d’Artois.
J’ai commencé à m’intéresser sérieusement à la poésie pendant les années 70. En 1977, j’ai débuté une correspondance avec Claude Pélieu qui fut le seul poète français beat vivant aux États-Unis. C’est lui qui avec Mary Beach, son épouse, introduisit en France chez Christian Bourgois, les auteurs de la Beat Generation. Avec son soutien, entre 1979 et 1982, j’ai édité le magazine The Starscrewer dédié principalement à des auteurs de la Beat Generation et apparentés : Burroughs, Corso, Orlovsky, d.a. levy, Bukowski, et bien sûr, Pélieu... A la même époque, j’ai découvert le Mail Art grâce à la revue Doc(k)s animée par Julien Blaine. Je me suis immergé dans le réseau international du Mail Art que je continue à fréquenter aujourd’hui. Dans les années 80, j’ai produit des émissions (Le Ticket qui explosa, Bris-collage) sur Radio-Banquise à Isbergues, émissions consacrées à la poésie contemporaine, aux musiques indépendantes et bruyantes, aux collages sonores. J’ai collaboré à de nombreuses revues de poésie, notamment à La Poire d’Angoisse (textes, poèmes, graphismes, dessins, collages, chroniques) et à L’Invention de la Picardie où j’ai publié mes premiers poèmes en vers justifiés. J’ai créé la Station Underground d’Émerveillement Littéraire qui est devenue une maison d’édition (une trentaine de volumes publiés à ce jour) et j’ai inauguré mes premières performances et lectures en public.
De 1989 à 1999, j’ai édité Moue de Veau, une mini-revue dada-punk qui présentait poèmes express, poèmes trouvés, dessins idiots, poèmes visuels, collages instantanés. Plus de 150 poètes ont produit un numéro de la Moue de Veau qui avec 1111 numéros publiés jusqu’en 1999, constitue une sorte d’anthologie de la poésie élémentaire. En même temps, je pouvais aussi publier mes poèmes dans de nombreuses revues en France (Java, Action Poétique, L’Odyssée, Poézi Prolétèr, Le Jardin Ouvrier, Le Corridor Bleu, Doc(k)s, Boxon, ...). ou à l’étranger, notamment pour la poésie visuelle (Offerta Speciale, Italie, Industrial Sabotage, Canada, Brain Cell, Japon, Réparation de Poésie, Québec, Pintalo de Verde, Espagne, Tensetendoned, Skinny Chest, Alabama Dogshoe Moustache, Lost And Found Times, USA. Je mène une collaboration régulière avec le peintre et graveur britannique William Brown (décédé en 2008) avec qui je produis des portfolios.
J’ai aussi créé avec trois musiciens le groupe Potchük dans lequel je chante, hurle ou murmure mes poèmes.
Depuis 2000, j’ai multiplié les lectures publiques, performances poésie-action (Grenoble, Arras, Rennes, Strasbourg, Bruxelles, Maastricht, Lille, Lyon, Marseille, Paris, Tourcoing, Caen, Angers, Périgueux, Swansea, Cardiff, Londres...). J’ai également été auteur en résidence, notamment à Rennes, au Triangle. J’ai animé des ateliers d’écriture, ce qui m’a permis d’acheter les matériaux nécessaires à la construction de ma maison. Les deux derniers projets en date sont la création de la revue Silo et la participation à "cheval23", dans lequel je scande mes poèmes accompagnés par la musique d’Arnaud Mirland.   
 
Pour lire l’intégralité de  cet entretien cliquer sur « lire la suite »
 

Carte Blanche à Michel Volkovitch

 

Michel Volkovitch a proposé à Poezibao cette libre variation sur la poésie.  Elle devait initialement être publiée dans le cadre de l’initiative « Vases communicants »,  un échange de textes entre sites imaginé par un groupe de personnes sur la plate-forme Twitter. Mais n’ayant pas le temps actuellement de me prêter au jeu et malgré mes recherches ne trouvant pas de biais intéressant pour publier un texte sur le site de Michel Volkovitch, j’ai néanmoins tenu à  l'accueillir ici en le remerciant pour son invitation 
FT
 
 
L’ÉCHELLE 
 
Une marche 
                               un pas  
                                               une échelle 
je m’étends dans la senteur blanche 
sur l’autre versant du monde 
toujours à deux doigts  
de vivre 
comment définir l’amour toujours allant 
aux joies du corps tout ce qui fut 
tu n’es pas né tu n’es pas mort 
toujours toujours  
mémoire 
sur les marches je voudrais pouvoir 
confondre cette chair avec la mienne 
les trous de la langue 
                               les songes de poussière 
dans un soleil détruit 
l’emprisonnement dans ce corps 
vers l’intérieur de tout 
comment sortir 
                               la phrase de sa peau 
où tout sonne creux 
afin d’entendre 
Toi 
parfois 
par la lucarne des songes 
quand la mort nous tiendra tranquilles 
proche de l’aveu 
 
 
— Qu’en penses-tu ? me demande Sacha Marounian.  
Ce poème qu’il m’a donné à lire, dactylographié sur une feuille, sans signature, je ne sais pas ce que j’en pense. Sa voix ne m’est pas étrangère, on écrit comme cela aujourd’hui ; ce qui m’intrigue, c’est moins le texte que la lueur bizarre dans l’œil de mon confrère.  
— C’est un poème que tu as traduit ? 
— C’est du 100% Made in France. 
— Tu en serais l’auteur ?  
Marounian n’écrit pas de poèmes. Il se marre doucement, comme si je blaguais. 

Une traversée de l'oeuvre de Jean-Paul Hameury (par Michel Dugué)

 

Poezibao publie ici une belle étude de Michel Dugué traversant toute l’œuvre de Jean-Paul Hameury.  
Un fichier pdf téléchargeable est joint à la fin de l’article.
Ultérieurement Poezibao donnera quelques textes de Jean-Paul Hameury dans le cadre de l’anthologie permanente ainsi que la notice bio-bibliographie de l’écrivain 

 

Jean Paul Hameury 
1933 – 2009 

 

Il se tint à l’écart, en marge de tous les engouements et des modes du jour. Il se consacra prioritairement à la parole poétique. Ce mot « parole » revient souvent sous sa plume. Non comme signe d’une inspiration venue d’on ne sait où mais d’une nécessité intérieure : unique embrayeur possible à l’écriture du poème lequel se doit d’atteindre cette « Réalité (qui) n’est pas autre chose que le réel regardé autrement » (Fragments : recueil d’aphorismes, Atelier La Feugraie, 1994). 
Aucun artifice, aucun calcul ne le détourneront de cette voie. « Qui pré-voit ne saurait voir » lit-on dans ce même recueil. Aussi se défait-il de toute poésie « pré-pensée », agencée en vue de la production d’effets se superposant, sinon se substituant aux conditions de notre séjour au monde. Le poème est, pour lui, expérience de ce séjour. Il en traverse les épreuves et les réussites. Les unes et les autres étant, par ailleurs, étroitement mêlées, « Autant de lumière dans les ténèbres que de ténèbres dans la lumière, écrit-il dans Fragments. Son lyrisme grave, retenue participe à la fois de la création et du travail, du «  moment Mozart » et du «  moment Salieri » : pour reprendre la distinction de Mandelstam qu’Hameury aimait citer. 
 
************ 
 
Être en chemin, se mettre en chemin mais vers quoi ? Pas de réponse à ce stade plutôt une rencontre. Risquons le mot obscur : titre de la première section de Cette autre rive, Ipomée, 1978, repris chez Folle Avoine en 1988. Cela est peu d’autant que nous ne savons rien de ce chemin guère plus localisable que visible. 
 
« Puis l’obscur annexa  
tout domaine.  
Nous ne sûmes jamais quels chemins  
nous avaient jetés là, 
face aux parois sans prises  
de la nuit. » 
 
Voici que le chemin s’apparente à un passage à l’aplomb duquel se tiennent  « les veilleurs ». Ceux qui bornent le temps devenu un lieu au-delà duquel nul, semble-t-il, ne peut aller. Chacun néanmoins peut s’en approcher. Pour ce faire il lui faudra ignorer « la main parente », « la lampe limpide qu’offrent / les sœurs aimantes ». L’obscur se décline, peut-être, ainsi. Là il nous « faut avancer seul dans / l’ailleurs sans chroniques ». Pas de bavardages, aucune emphase ! Même s’il nous arrive de rêver à « quelque terrasse sereine / où l’on aurait droit de bâtir /une maison privilégiée », il convient de se garder des illusions. 
 
« Mais le chemin toujours  
ramène aux horizons premiers, 
et les enfants, seuls, 
croient voir briller, (…) 
les soleils d’autres Thulés. » 
 
Lorsque nous croyons toucher la rive, « elle nous est ravie ». Si nous pouvons en un éclair saisir les choses du réel, nous ne pouvons les retenir. Elles nous échappent. Nous n’avons d’autre choix que d’avancer toujours «  tout entiers livrés à la vindicte de l’éclair ». 
« Passages » : titre de la seconde section, nous indique « ce à quoi nous aspirons » mais c’est aussitôt pour affirmer qu’il s’agit d’un indicible. Et le poète martèle sa revendication : il « doit cependant être dit ». Il ajoute «  il faut bâtir. / Or nous n’avons que sables, / mais c’est de sable / qu’il faut bâtir ! ». Peut-être est-ce la condition pour que ces maigres chantiers se parent de « l’humaine douceur / qui leur manquait ». 
Aucune demeure n’est possible. Il faut en convenir et ne pas se détourner de l’effroi et du cri. Consentir à « ce souci », c’est aller plus loin, laisser derrière soi tout héritage et parler « plus grand ». 
Hameury  est un homme de « tangence », un homme de « gués », termes que nous retrouvons dans la dernière section : « L’autre rive ». Quelle est-elle ? Une sorte d’offrande, nous dit-il, un don qui nous est fait mais qui continûment se dérobe. Mais pas avant que sous la lumière d’un instant, guère plus, les choses familières « une main/le regard d’un chien/ la feuille humide d’un tremble » nous apparaissent comme « gorgées d’offrandes, déchirent / l’obscur soudainement ». 
L’autre rive n’est pas un arrière-monde, elle est de notre monde. On y éprouve la vie périssable, la fêlure qui nous constitue. Et le reconnaître, c’est acquiescer à cela qui se dérobe, saluer ce chant et « la ténébre qui le boit. ». Condition pour s’illimiter c’est-à-dire devenir, nous dit le poète, l’espace même où résonne le chant de l’oiseau et finalement s’y fondre.  

 

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