Poezibao

Jusqu'à l'os

Deux lettres, trois lettres, quatre parfois, posées sur la couverture blanche, presque énigmatiques dans leur nudité alors même que l’on peut leur attribuer un sens : tels sont souvent les titres d’Antoine Emaz. Hier, ce furent C’est, Ras, K.-O, Soir, Sang ; aujourd’hui sur couverture ivoire, accompagné d’un dessin à l’encre noire de Djamel Meskache, Os. Énigmatique lui aussi d’être si nu sur cette couverture.

Ce dépouillement « jusqu’à l’os », on le retrouve à l’intérieur du recueil, merveilleusement édité il faut le signaler tout de suite par Tarabuste. Les textes sont distribués en séquences de quatre, cinq, six poèmes rassemblés sous la houlette d’un vocable, de nouveau court et nu. Os (11 occurrences), Calme (7), Ombre (8), Peur (4) et enfin Vieux (4), apparu tard dans le livre. Mots tutélaires pour des états récurrents, où la désolation la plus intense alterne avec des répits (ces moments-là ne sont guère autre chose que des répits).

Les textes eux-mêmes diffèrent par leurs formes. Se succèdent ainsi de courts textes en vers irréguliers (ils sont majoritaires), et des paragraphes, très brefs eux aussi, justifiés, comme blocs denses. Avec la ponctuation des dessins à l’encre de Djamel Meskache, échos puissants aux mots d’Emaz (Un Emaz qui aime travailler avec des artistes, on se souvient ainsi de l’étonnant travail d’Anna Mark qui illustrait Lichen Lichen).

Beaucoup de préliminaires, j’en suis consciente, comme si je retardais le moment d’entrer dans les poèmes d’Antoine Emaz, inquiète que je suis de ne savoir transcrire l’émotion qu’ils suscitent, de ne pas savoir rendre justice à leur force et à leur beauté. Dans ces textes, pas d’adjectifs ou presque, peu d’articles ou plus exactement de nombreux articles comme absents. Des petits tas de mots, « grains de sable », édifices dérisoires devant le vide, le temps, le non-sens de tout. Les quelques rares adjectifs de couleur sont comme décolorés. Le blanc, le gris, le neutre règnent, emblématiques d’une conscience poétique confrontée au vide, à l’absence :
« dans un brouillard de langue
on tente d’atteindre
trouver un passage ».
Le poète semble procéder par soustractions, parfois par ajouts minuscules, comme s’il sculptait ce presque rien qu’il lui est parfois donné d’entrevoir, souvent à la même heure, entre chien et loup
« on est là, on peut
avancer des mots
[…]
on entend ce qui se défait fond ».
A coups d’enjambements, d’agrégats, d’éboulis. Comme une sentinelle désolée au bord de la vie qui passe et part. Dans ce neutre, les mots parfois reprennent de la vigueur au point que « peur » saute au visage. Et puis reviennent le marasme, les ombres, l’asthénie mentale et spirituelle.
« Et néanmoins » (Philippe Jaccottet), il semble qu’il y ait encore à gagner en arrangeant les mots, non pas gagner quelque chose, plutôt gagner sur…. ce serait l’art poétique d’Antoine Emaz. Gagner sur le vide par un « lacis lâche » dans lequel ce que l’on attrape, ce
« n’est pas toujours le grave du temps
on pourrait aussi bien fixer guerre ou fuchsia terrorisme ou glycine »,
tout cela qui s’écrit sans que l’on choisisse
« dans un bougé
fragile et vite de langue un pan d’air ».
Pour capter
« rien qu’une émotion qui tâche de se dire
repousse les mots autant qu’elle les attire
aimante la langue si elle le peut
comme dits de vie débris limaille ».
Car
« On cherche une prise de peu ».
Des formules très courtes, très denses, creusées jusqu’à l’os. Affrontant la nudité :
« Le temps perle et tombe
doucement la lumière
on s’envase ».
Pas de je ici, mais pas plus de tu. Pas de ponctuation de telle sorte que souvent on ne sait si un mot se lie à sa gauche ou à sa droite. Cette lecture habite à sa manière le corps de celui qui lit.
 « On attend, on écoute » :
« dans un très peu d’air qui porte
encore la voix dans le vide ».

Ce livre est bouleversant en ce qu’il révèle
« un peu d’ombre écrite
au bas des choses ».

« Avant que tout soit perdu

parce que tout sera perdu »

©Florence Trocmé

Jouve et Venaille

Très souvent déjà, sur le site zazieweb.fr, j’ai eu l’occasion de dire à quel point j’admirais le concept qui a présidé à la naissance de cette collection anthologique chez l’éditeur Jean Michel Place. Zéno Bianu, directeur de la collection poésie a eu en effet l’idée très forte de demander systématiquement à un poète d’écrire sur un autre poète. Tout l’art, on s’en doute, repose sur le choix des couples ainsi formés. Impossible de les citer tous ici, il y en a déjà plus de vingt, mais j’attirerai l’attention par exemple sur l’André du Bouchet d’Antoine Emaz, Le Roberto Juarroz de Michel Camus, le Gherasim Luca d’André Velter, le Sylvia Plath de Valérie Rouzeau ou encore le Marina Tsvétaïeva de Lindé Lè.

Très beau « couple » aussi que celui formé ici par Franck Venaille et Pierre Jean Jouve.

 Pierre Jean Jouve l’Homme grave, titre Franck Venaille avant de dresser un portrait fouillé, prenant, impressionnant de l’homme et de l’écrivain Jouve « cet esprit lucide et exigeant » qui fut pour lui une « fréquentation ahurissante » alors même que de nombreux points, et notamment les opinions politiques conservatrices de Jouve (et son amitié pour De Gaulle) le séparent de lui. Et de s’interroger en toute lucidité sur ses « rencontres avec Jouve, cette sorte de convive de pierre parfois inhumain ».
Loin des anecdotes, à l’écart même du biographique traité simplement en fin de volume, Venaille explore une à une quelques dimensions fondamentales de Jouve, par exemple le reniement en 1928 par le poète de toute son œuvre antérieure « c’est en revendiquant le droit (le devoir plutôt) de souffrance que Jouve, dès lors, existe. Les maîtres mots sont alors Rejet, Reniement, Rupture, Sacrifice auxquels très vite vont se joindre selon la formule qui deviendra célèbre « Inconscient, spiritualité, catastrophe ». L’œuvre est alors entièrement entrée dans sa vraie dimension : « Avec Les noces, Sueur de sang, puis Matière céleste, Jouve, devenu l’autre Jouve, celui de l’aventure intérieure, de la blessure exposée, celui également qui a su faire remonter à la surface sa tendance obscène et mettre en valeur l’instinct, accepte de recevoir l’inconscient dans son œuvre ». Venaille explore aussi les rapports, ô combien importants, de Jouve avec la musique (Jouve qui écrivit si magistralement sur le Don Giovanni de Mozart ou sur Wozzeck). Et se livre enfin à une exploration tout à fait passionnante de la langue de Jouve. En quarante petites pages, ce texte est une superbe introduction à l’œuvre de Jouve et prélude parfaitement aux choix opérés dans l’œuvre poétique par Venaille. Le livre est illustré de photos de Jouve lui-même, prises notamment dans cette Engadine qui lui fut si importante et complété par une biographie et une bibliographie.
« Oui, Jouve ne fait qu’écrire cela, l’histoire d’un long conflit entre deux forces dominatrices : la mort et le sexe. " Je vois se détacher sur un fond sanglant mes deux grands besoins : c’est aimer et mourir " »

©Florence Trocmé

Rimbaud après Rimbaud

Poezibao est heureux d’accueillir de temps à autre des chroniqueurs amis. Je publie aujourd’hui un article de Marielle Lefébure.

Fabuleux travail que celui mené par Claude Jeancolas, qui réunit des paroles d'auteurs évoquant Rimbaud. On pourra reprocher à l'ouvrage d'être subjectif et incomplet mais quelle anthologie ne l'est pas! Pour ma part, j'ai beaucoup apprécié l'éclectisme des auteurs choisis et les variations dans leur perception du poète maudit. Il n'y a pas que de l'analyse classique ou des hommages ronflants, on y trouve beaucoup de révolte, de respect, de colère, d'inspiration, de leçons reçues et à prendre.
Au fil des pages et à travers tous ces textes, c'est un visage très vivant de Rimbaud qui se dessine, un homme en dehors du temps et pourtant très présent dans l'oeuvre de grands nom de la littérature contemporaine ou plus ancienne.
Parmi les paroles qui m'ont le plus touchée, ces quelques mots de Martin Heidegger (p.55): "Ne peut toutefois vraiment se taire que celui qui a charge de dire ce qui montre la voie et l'a dit en effet, par le pouvoir de la parole qui lui a été conféré. Ce silence est autre chose que le simple mutisme. Son ne-plus-parler est un avoir-dit. Entendons-nous avec une suffisante clarté, dans le Dit de la poésie d'Arthur Rimbaud, ce qu'il a tu ? Et voyons-nous là déjà l'horizon où il est arrivé ?" (extrait de Aujourd'hui Rimbaud.. Enquête de Roger Munier », Paris, Lettres modernes Minard, 1976)
Ou de Pierre Emmanuel (p.110): "C'est toujours de partir qu'il nous parle, celui qui a écrit ces quatre mots définitifs: "On ne part pas". Sans cesse devant nous, il fait et défait ses mondes, ses vies. C'est que la vie se passe toujours ailleurs, que la poésie n'est pas la vie. Ailleurs, le centre de tout et de soi-même, le pays où cesse la révolte, où l'on consent à être enfin ! Mais s'évader est mal direz-vous. Qui vous parle d'évasion ? La pire évasion n'est-elle pas de rester ici, de rester d'ici ? Rimbaud ne s'évade pas, il apprend à se servir du monde. " (extrait de la revue Poésie, n°42, 1942)
Le 29 janvier 1922, Jean Cocteau (p.155) a créé cette belle phrase : "Il a fait fleurir le monde comme un orage d'avril." (extrait de la lettre de 1922 à Paterne Berrichon)
Edouard Glissant (p.170): "Avec Rimbaud, l'errance est vocation, qui ne se dit qu'en détours" (extrait de Poétiques de la relation, Gallimard, 1990). Magnifique.
Un index en fin d'ouvrage reprend les noms des divers auteurs cités, accompagnés d'une ou deux lignes biographiques et de la référence exacte de la citation proposée. Très utile !
Claude Jeancolas, Rimbaud après Rimbaud : anthologie de textes de Proust à Jim. Éditions Textuel, 2004.
ISBN : 2845971176
Recension de Marielle Lefébure
Deux liens supplémentaires :
Une note de Lire sur la biographie de Rimbaud publiée par Claude Jeancolas.
Une sélection bibliographique sur Rimbaud (avec plusieurs livres de Claude Jeancolas)

Une lecture de Marie Etienne

Le jeudi 13 janvier, à 19 heures, à Paris,  le poète Marie Etienne fera une lecture de son livre Les passants intérieurs (Editions Virgile) à la librairie Le Divan

Autour d'Hölderlin

C’est un bel ensemble, très cohérent, que vient de proposer l’éditrice Laurence Teper autour de Hölderlin. Deux contributions originales à la connaissance du grand poète allemand. Un double texte de Michèle Desbordes d’une part, Dans le temps qu’il marchait et les Poèmes fluviaux d’autre part.

 

Michèle Desbordes construit une sorte de rêverie autour de Hölderlin comme elle a su en construire de si belles autour de Léonard de Vinci ou bien encore autour de Camille Claudel. Elle donne le sentiment d’avoir accueilli le poète dans son for intérieur et d’être entrée dans l’intime de son esprit, de son cœur. Elle retrace ce voyage qu’Hölderlin accomplit de mai à juillet 1802 de Bordeaux à Nürtingen, alors que la femme qu’il aimait venait de mourir. « Quelques jours après avoir écrit à sa mère de ses bonnes nouvelles, il quittait Bordeaux où il venait de passer cinq mois […] Quand il arriva à Nürtingen, il n’était plus le même au point qu’elle confia que son fils était devenu fou ». C’est sur l’énigme de ce voyage que Michèle Desbordes a composé un court texte en prose, collection de  fragments qui ébauchent un portrait de Hölderlin. Mais le texte le plus impressionnant, le plus beau, le plus fort est le long poème en neuf séquences qu’elle a élaboré autour de ce voyage-errance, évocation scandée par la récurrence de l’étrange et belle expression « tout ce qu’il y avait », expression qui revient comme un leit-motiv : « marchant tout ce qu’il y avait de bleu dans le ciel », « marchant tout ce qu’il y avait d’herbes, de craies et de collines », « marchant tout ce qu’il y avait de matin », comme si ce « marchant » et ce « tout ce qu’il y avait » faisaient entrer le lecteur dans le mouvement même de la marche, dans cette sorte d’interrogation-épuisement du réel par le poète sidéré par la perte, l’absence, le deuil qui emportent une raison déjà fragile, « et depuis quand allait-on sur les routes, sur les chemins ». Marchant, revenant vers le Nord parce « Qu’elle Diotima mourût ne pût que mourir/Dans le temps qu’il marchait dans les jardins à travers prés à travers champs jusqu’à certaines nuits marcher dans sa tête ne plus pouvoir s’empêcher… ». Le poème épouse l’errance de l’âme, épouse l’errance du marcheur, se fait errance et en même temps chemin, chemin du retour, chemin vers le renoncement, chemin vers la tour sur le Neckar, la chambre chez le menuisier Zimmer qu’il ne quittera plus désormais. « Plus rien à chercher plus rien à marcher/ni étoiles ni bleu d’été/ni fleuve dans la lumière ».

Fleuve, justement, voilà le thème qui a soudain semblé au jeune poète et traducteur Nicolas Waquet tellement emblématique de la poésie d’Hölderlin qu’il eut cette idée de rassembler tous les poèmes de l’œuvre qui ont trait au fleuve : « les fleuves [qui ont]accompagné le poète toute sa vie : le Rhin, dans son enfance qui l’éveilla au sacré » mais aussi le Main qui vit le développement de son amour pour Suzanne Gontard, la Garonne auprès de laquelle son esprit commença à chanceler et le Neckar au bord duquel il passa les quarante dernières années de sa vie : « La vie de Hölderlin, sa quête spirituelle et surtout son cheminement poétique prirent alors sens à mes yeux dans la figure du fleuve ». Nicolas Waquet propose ici une nouvelle traduction de ces textes qu’il accompagne d’une postface, qui est en fait un véritable essai dans lequel il explore cette thématique du fleuve chez Hölderlin, en montre les sources notamment chez Sophocle, Tibulle, Hésiode, Virgile, « car ces textes dialoguent constamment avec l’Antiquité, à partir de laquelle ils s’élèvent vers le lyrisme moderne » et en analyse les grands courants.

Je conseille vivement la lecture d’un bel article de Ronald Klapka sur remue.net où l’on retrouve Hölderlin, Nicolas Waquet, Michèle Desbordes et un très beau poème de Heather Dohollau sur le poète dans sa tour.

©Florence Trocmé

Lecture aux Parvis Poétiques

DR FT

Régulièrement, dans un lieu chargé d’histoire littéraire, Marc Delouze
accueille des poètes pour une lecture. Cela se passe à l’espace Boris Vian, à deux pas de la place Clichy en plein Paris, là-même où vécurent et Boris Vian et Jacques Prévert.

Têtes d’affiche, en ce dimanche glacial du 12 décembre 2004, Mireille Fargier-Caruso et Zéno Bianu. Appuyés dans leurs lectures respectives par l’accordéoniste Maxime Perrin.

DR FT

Mireille Fargier-Caruso, citée de nombreuses fois dans l’almanach poétique de zazieweb ouvre le feu poétique avec de larges extraits prélevés dans une œuvre déjà abondante. Une voix sobre, sans apprêt pour dire des textes qui questionnent le monde. Question, tel est bien le mot : on note que souvent les poèmes de Mireille Fargier-Caruso commencent par une interrogation. « Qui parle /dans nos corps ?/Qui creuse/sans aucun bruit/qui officie/dans notre dos ? / Qui décide/de la beauté/de son effondrement ? ». Structure ouverte de son poème, accueillante, qui invite le lecteur à partager ce moment singulier d’une impression, d’une contemplation, d’une réflexion, d’une interrogation, parfois mais plus rarement d’une révolte. Questionnement sur le sens mais jamais loin des choses et de la réalité, « Des paniers de mûres/aux flocons de neige/petit tas de jours/on fait comme si/on avait du temps/mais ça gagne »….

Avec l’auteur de Manifeste électrique Zéno Bianu

DR FT

changement de registre même si certaines approches semblent communes. Là où la poésie de Mireille Fargier-Caruso a quelque chose de nu, de dépouillé, celle de Zéno Bianu s’offre comme une coulée – cascade, lave, magma, métal en fusion, avalanche - . Selon des modalités diversifiées mais choisies très souvent en raison d’une rencontre. Cette poésie est traversée, sillonnée, nourrie d’échanges et de confrontations. Avec des artistes vivants ou morts, Van Gogh, Michel Mousseau, Pollock, Cy Twombly mais aussi Marlène Dietrich, Pierre Étaix, Georges Méliès, Duke Ellington….. et tant d’autres, objets de livres entiers ou figures évoquées au fil des pages… Il y a aussi le monde de la science, astrophysique et mécanique quantique « la danse des planètes/la danse des atomes ». Le texte est mis en scène, projeté avec une sorte de jouissance des mots, revendiquée et affirmée « J’aime les mots/je les ai toujours aimés/je les caresse, je les goûte, je les avale […] écoutez comme ils vivent dans la voix/comme ils bourdonnent en nous/comme ils feulent ». Lecture mise en scène donc et magnifiquement soutenue, sporadiquement, par l’accordéon de Maxime Perrin, en nappes ou fulgurances musicales sur fond d’ostinato envoûtant.

Un très beau moment de poésie qui donne envie d’explorer plus avant l’œuvre des deux poètes.

Marc Delouze annonce pour la fin janvier une séance « un peu particulière » autour de l’écriture de Bernard-Marie Koltès.

DR FT

Une vie ordinaire ?

« On m’a bien dit que j’étais né »
ainsi s’ouvre, en fanfare, ce texte qui s’il prétend conter une vie ordinaire a quant à lui quelque chose d’extra ordinaire. Ce roman-poème qu’on s’en veut de découvrir si tard, passé déjà le mitan de la vie (et qui sait peut-être beaucoup plus…). Car quelle leçon ! Leçon de vie, leçon d’écriture, leçon de poésie et des plus magistrales. D’un seul jet, tendu comme un arc du premier au dernier octosyllabe, le récit d’une vie d’homme, présentée comme dérisoire, sans histoires : bref une "vie ordinaire" habitée non sans étonnement par le « taciturne goût de vivre », le récit d’une vie qui vous happe et ne vous lâche plus jusqu’à son terme. Il déroule donc le fil de son existence ce « Georges Machin/qui pendant sa vie ne fut rien ». Naissance, enfance, parents, vacances, école, peu de mots mais décochés, des formules lapidaires qui n’en finissent pas de ricocher dans la conscience « ma mère me disait toujours/toi tu n’arriveras à rien/Elle avait raison quoique tort/Comme c’est si souvent le cas/J’y suis arrivé à ce rien » ; évocation du métier d’acteur « mais quel ennui dès que sur scène/il fallait aller débiter/texte qui m’était étranger/loin de mémoire naturelle » ; amours, quelques grandes figures ramenées à juste proportion (Valéry, Isou, Pichette…). Et la vie continue, et les octosyllabes se suivent sans faiblir « j’avance en âge mais vraiment/je recule en toute autre chose ». « Georges Machin » ne se prend pas au sérieux, ne prend rien ni personne au sérieux, se moque de ses confrères écrivains avides d’honneurs et ses formules bien affûtées font mouche à tout coup.
Roman-poème d’une vie, d’une vie ordinaire, d’une vie banale mais « la photographie dépend/bien plus de celui qui la prend/que de celui qui pose » : en fait ici les deux sont confondus, d’où un jeu de dédoublement. Si c’était une autopsie, Perros serait à la fois le médecin-légiste et le cadavre. Son amertume, son scepticisme n’ont d’égal que son humour. Sans illusions sur lui-même ou sur les hommes ou le monde, il nous remet les yeux en face des trous, orbites vides de la Vanité.

Une biographie détaillée  pour accompagner la lecture

 

Lecture : Jacques Ancet, la dernière phrase

« Neuf, étant le dernier de la série des chiffres, annonce à la fois une fin et un recommencement »*

Comment ne pas chercher quelle signification peut revêtir aux yeux de Jacques Ancet ce chiffre  neuf, lorsque l’on découvre que le présent recueil comporte 108 neuvains en ennéasyllabes (vers de 9 syllabes). On peut aller plus loin encore : le livre est composé en fait de deux textes, deux thrènes (lamentations poétiques) : le premier, intitulé On cherche quelqu’un a été écrit à la mémoire du grand poète espagnol José Ángel Valente, mort le 18 juillet 2000 et dont Jacques Ancet est le traducteur en français. Il compte 27 poèmes. Le second, qui donne son titre au livre, rassemble  neuf séries de neuf neuvains en ennéasyllabes et a été écrit du 18 octobre 2000 au 27 juin 2001 en mémoire de Louis Ancet, le père de l’auteur.

Par delà cette savante et complexe arithmétique, ce qu’il faut souligner par dessus tout c’est la beauté bouleversante de cette poésie qui scrute et interroge le mystère de l’absence de l’autre, aimé et mort. Qui fouille inlassablement, à la limite de l’obsession,  la question de la trace, la trace mnésique et ses mystères, la trace laissée dans le monde par celui qui a disparu, « la mémoire de l’oubli » : […] une porte/s’ouvre sur d’étranges mécaniques,/une autre se ferme sur son ombre/On cherche ses doigts pour la pousser ».

Ce texte vient ainsi rejoindre les poèmes de deuil d’un Michel Deguy  (A ce qui n’en finit pas), d’un Jacques Roubaud (Quelque chose noir), d’une Valérie Rouzeau (Pas revoir) et sans doute de bien d’autres tels Valente lui-même hanté jusqu’à la fin par le fantôme d’Antonio, son fils…. comme autant de fragiles stèles de mots dressées au bord de l’abîme de la mort.

« Voilà vingt-sept ans que je mets mes mots dans les tiens », disait Jacques Ancet lorsqu’il préfaçait le dernier livre de Valente Fragments d’un livre futur, préface dans laquelle il évoquait la tentative du poète de laisser une trace de cette « buée évaporée qu’est toute vie ». Avec son livre La Dernière phrase Jacques Ancet tente à son tour de saisir l’indicible, l’insaisissable, « l’infime vertige » dans le jour. « On appelle/, mais sans la bouche, d’un petit coin/quelque part entre mémoire et corps ».

Oui, neuf exprime aussi « l’achèvement d’une course, la fermeture d’une boucle »*

Jacques Ancet, La dernière phrase, Editions Lettres Vives 2004, Terre de Poésie.

*Jean Chevalier, Alain Gheerbrant, Dictionnaire des symboles, Robert Laffont/Jupiter, collection Bouquins, édition revue et augmentée de 1982, p. 665.

Note de lecture : Kékszakállú, de Valérie Rouzeau

Kékszakállu ? J’y ai d’abord vu un mot forgé à la manière de Raymond Queneau avec le célèbre Doukipudonktan qui ouvre en fanfare Zazie dans le métro. Erreur, comme je m’en suis vite aperçue en parcourant ce dernier opus de Valérie Rouzeau. C'est un mot hongrois qui signifie Barbe-Bleue, allusion au titre de l'opéra de Béla Bartok, Le Château de Barbe-Bleue, A Kékszakállú, Herceg Vara (kek, bleu, zakall, barbe, herceg, duc et vara, château), qui fait l'objet d'un court poème dans ce recueil.

Kékszakállu ?  : vingt-deux poèmes seulement, vingt-deux instants-instantanés comme autant de coupes, au sens où on parle de coupe en biologie, coupe histologique, coupe de tissus, coupe dans l’instant présent, dans l’épaisseur de l’instant présent et surtout de tout ce qui l’habite, filtré par un cerveau humain. Et peu importe que ce soit celui de Valérie Rouzeau : elle dissèque l’instant d’une façon telle que bien que les allusions soient strictement liées à sa culture, à son histoire, à sa sensibilité, à sa façon d’appréhender le monde, à ses goûts et tropismes, chacun peut s’y reconnaître. Parce que précisément sa poésie rend compte de cet amalgame inouï que sont nos instants, amalgame dont tout nous a dressés à nous méfier, pour en extraire une dominante claire et affirmée au détriment de tout le non-dit des sensations, des impressions et associations subliminales. En ce sens et en ce sens seulement sans doute, Valérie Rouzeau évoque certains aspects de Nathalie Sarraute mettant au jour tout ce qui se passe réellement dans l’esprit et le corps de chacun des deux protagonistes d’un dialogue.

Tout l’art de Valérie Rouzeau est de trouver une traduction de cet amalgame, de transcrire par le frottement des mots et surtout par une sorte de rythme battant souvent saccade la complexité des perceptions entées sur la mémoire, le vécu individuel, l’inconscient.

Ce recueil traduit ainsi l’extraordinaire « oreille » de Valérie Rouzeau. Pas uniquement au travers des allusions très nombreuses à la musique qui l’émaillent mais par tout ce qu’elle entend et donne à entendre de et dans la cacophonie du monde intérieur et extérieur de chacun. C’est magistral.

Valérie Rouzeau, Kékszakállú, Valérie Rouzeau et les Faunes, 2004