Poezibao

L'Ivresse des tombes et Hommage à l'Amiral Leblanc, de Guy Cabanel (par Samuel Macaigne)

 

 
On ne cesse plus d'instruire le procès du surréalisme. Tout témoignage à charge semble délivrer un passeport en règle dans le monde des lettres, un brevet d'écrivain correct et propret. Faire de ce qui fut sans doute bien plus qu'un mouvement une sorte de dictature, qui a sévi pendant un demi-siècle, revient à effacer tout un mode d'existence. Bien entendu, l'écriture automatique nous tombe des mains. À peine peut-on la qualifier de poésie tant elle perd vite de sa saveur, tant elle est bridée par le seul culte de l'image. Mais c'est oublier un peu trop vite l'élégance aristocratique de la prose chirurgicale d'André Breton. C'est surtout occulter complaisamment l'enthousiasme qu'a pu apporter cette invasion du banal par le merveilleux, en partie par la (re)découverte d'une portion congrue du passé littéraire. À l'évidence, le mouvement est aujourd'hui enterré, mais quelques feux follets s'échappent encore du charnier. 
 
Guy Cabanel (né en 1926) est de ces éléments attachants qui composèrent chacun à leur façon la deuxième génération, d'où s'envolent les noms de Jean-Pierre Duprey, Stanislas Rodanski ou Claude Tarnaud. Déboulant sur scène avec sa théorie de la « sodomisation des mots », il la met en œuvre dans son fameux A l'Animal noir. Les présents recueils ne sont certes plus de la même vigueur, mais ils laissent à ceux qui n'oublient pas le loisir de quelques bouffées d'une fragrance bientôt évanouie. 
 

Ce qui réunit L'Ivresse des tombes et ce fort divertissant Hommage à l'Amiral Leblanc tient en deux thèmes : la mer et la mort – et donc l'amour. Triple humidité : celle de l'eau, de la terre sépulcrale et celle du sexe féminin, constamment évoqué, et constituant les bornes inséparables de ce qu'il est convenu d'appeler la vie. Au point qu'on ne sait plus de laquelle il est question : « Bercée dans les dunes qui recueillent les sifflements de l'air, elle rêvait de l'océan, des tempêtes sauvages, de son corps si mince flottant près de l'horizon ». Cette indifférenciation s'insinue dans le cours des choses, le déroulement des textes, portant le thème dans la banalité recherchée du poème et vers des hauteurs discrètes : « Tout autour les fusiliers marins ont gravé des sexes de femme. C'est pourquoi ces lieux sont sacrés ». On reconnaîtra aisément les motifs de l'esthétique érotique surréaliste. Le premier recueil – le plus récent – les développe une fois encore. Cette Ivresse des tombes, qui regarde épisodiquement du côté de Baudelaire et de Valéry, fait parfois de la mort une chanson à boire en vers de mirliton, qui n'est pas loin de la résignation hilare du fossoyeur : « Celui qui poursuit / son chemin solitaire / glacé parmi les pierres / froides reconnaît la voie / qui sous sa route le mena » dit le poème « La joie du mort ». La facture assez traditionnelle – si l'on peut dire – de ce recueil oscille entre le caractère inéluctable de la fin et l'étrange séduction qu'elle fait naître par l'analogie et la double vue : « La plaine plantée de stèles / aux bouches voluptueuses, / à perte de vue beauté / fêlée ». Le poète est toujours au bord, en équilibre instable « Rêvant encore de chanter / au-delà des terribles monts ». « Heureux ceux qui reposent en des tombes liquides », écrit l'Amiral. 
 
 
L'Hommage à l'Amiral Leblanc constitue sans doute l'héritage le mieux assumé et le plus indépendant des théories bretoniennes. La fausse épopée coloniale prend vie par le désordre même des chapitres et des versets, qui donnent l'impression de pages fragmentaires d'une hagiographie rabibochée. Les photographies et les gravures confèrent toute son importance à l'image dans l'écriture, prolongée par l'inclusion de l'élément graphique dans le tissu écrit. Cabanel tire sans doute les leçons de Nadja mais il y ajoute un véritable « Umour » qui semble avoir légitimement sa place dans la fameuse Anthologie. Du récit parodique, qui n'est pas sans rappeler le Benjamin Péret de Mort aux vaches et au champ d'honneur, au recueil de pensées proche de Lichtenberg, l'ouvrage peut être difficilement classé. On ne saurait oublier la très utile carte qui permettra au lecteur amateur de beaux voyages de pouvoir enfin visiter comme il se doit la vallée de la Scrütch et la ville de Hnem. L'auteur parvient alors à retourner toute la logique de la langue, à dessiner une géographie du nonsense. Le nom même d'Amiral Leblanc sonne comme une parodie de l'Animal noir, ainsi que le note justement Alain Joubert dans sa préface. Retrouvant la puissance de l'absurde, les aphorismes ont la force des slogans que le groupe savait si bien utiliser : « Vous avez vaincu vos ennemis du dehors. Exterminez celui du dedans », « Le rhum blanchit les idées noires », « Être pieux comme un requin ». On pourrait en citer encore, des plus poétiques aux plus humoristiques, sans oublier certains préceptes particulièrement utiles. 
 
D'aucuns pourraient juger tout ceci un peu trop facile, on ne saurait le leur reprocher – ni le leur expliquer. Mais il n'est pas vain de jeter un œil sur ces lignes, pour tenter d'apprécier encore une étrange saveur qui perdure vaille que vaille chez les derniers représentants du surréalisme. Il convient de le faire avant qu'il ne soit trop tard, sans snobisme mais avec exigence. Après, viendra enfin l'oubli – ou la renaissance. 
 
Guy Cabanel, L'Ivresse des tombes  et Hommage à l'Amiral Leblanc, Ab Irato (2011 et 2009),  (site de l’éditeur) 
 
[Samuel Macaigne]

 

Perspectives démocratiques, de Walt Whitman, traduction Auxeméry (par Philippe Blanchon)

 

Nous avons trop longtemps vécu dans les ténèbres. 
Auxeméry, Parafe, Flammarion 

 

Voici un ouvrage dont l’intérêt serait essentiellement documentaire (ce qui n’est pas si mal) sans le double apport d’Auxeméry. Le premier de ces apports est la traduction elle-même – le travail sur la langue – : le traducteur y rend les archaïsmes de Whitman et, à travers sa syntaxe singulière et ses choix sémantiques précis, nous restitue cette pensée en train de se faire, se développant et se contredisant quelques fois. Le second de ces apports est l’appareil de notes qui permet des mises en perspectives (puisque c’est d’elles dont il s’agit) quant à l’époque où le texte fut écrit, d’énoncer les paradoxes qu’il recèle et Auxeméry, de par sa connaissance de la poésie épique du siècle suivant celui de Whitman, peut, mieux que personne, en souligner les héritages et les positions s’opposant quant à la conception ou la possibilité de l’epos américain. 
Whitman se veut autant programmatique qu’il se veut simplement permettre l’éclosion d’une « atmosphère ». Quant il se veut précis, il en appelle à un cadre culturel pour les Etats unis après la guerre que nous savons, à une nouvelle échelle de valeurs intégrant leurs diversités, « cieux, villes, coutumes, &c. » et aussi « un ensemble agrégé de héros, caractères, exploits, souffrances, de prospérité ou d’infortune, de gloire ou de disgrâce, commun à tous, typique de tous ». Whitman veut réconcilier une vision quelque peu archétypale et ce qui « s’adresse au plus noble de soi, à soi seul ». Il a pour cela des élans tout « hugolien », il prend la posture du tribun autant que du guide spirituel.  
Dans sa visée politique, il rêve à « l’établissement d’institutions politiques libres, et une abondance de ressources intellectuelles, accompagnés d’un bon ordre général, d’une aisance physique, d’une industrie, &c. » Dans le même temps, il est lucide sur les temps qu’il traverse et dénonce « le chancre de la grossièreté, de la superstition » et n’hésite pas à juger la situation sociale comme « pourrie ». Il stigmatise les « masques », « l’hypocrisie », le « tas d’églises et de sectes, &c. », les « détournements », la « corruption », le « mensonge » et le « dysfonctionnement ». Si le poète se veut le chantre d’une nouvelle nation, d’une nation en devenir, d’une démocratie nouvelle, il en appelle à une révolution radicale de ses us et coutumes d’ores et déjà en action.   
 
Moquant la « mode », sur le terrain culturel cette fois, il en appelle à « des travaux prodigieux ».  
Comme il est coutume dans ce genre de manifeste, la critique cohabite avec l’utopie. En cela Whitman signe un des premiers textes « modernistes ». Son style inspiré emporte tout sur son passage sans qu’il n’échappe, par éclairs de lucidité, aux paradoxes que ses positions soulèvent. Mais il faut passer outre, avancer. Voyez ces élans « hugoliens » : « Et cependant il existe un courage immortel et une prophétie en chaque âme saine ». Ces élans, qui préfigurent l’idéalisme américain, ce qui pourra nourrir, en toute bonne conscience ces visées impérialistes, sont contrebalancés par une ironie souvent sévère. Ainsi il préfigure tout autant l’ironie que déploieront plus tard un Cummings ou un Olson, que la critique que développeront, avec leur différence majeure !, Pound, Williams et Olson encore.  
Il nous faut faire cette « gymnastique » de passer de l’enthousiasme à la critique et surtout il nous faut relativiser et circonstancier certaines postures idéologiques, notamment concernant l’art. Si Whitman désire l’éclosion d’un art américain (Poe avait fait le même vœu en son temps), il n’hésite pas à le projeter au-delà, voire contre, l’art européen ; Homère, Virgile et Shakespeare sont des génies, soit, mais ils incarnent une autre monde, l’ancien monde, Whitman en appelle à les regarder de façon quasi archéologique face à l’art nouveau et américain qu’il espère. Il s’agit bien d’un des premiers manifestes « modernistes » qui n’hésite pas, malgré ses nuances, à prêcher une sorte de tabula rasa.  
L’Amérique a ses ennemis, « le féodal et l’ancien », Whitman leur oppose le « démocratique et le moderne ». Elle « doit tendre vers le futur plus que vers le passé ». On voit combien il anticipe sur les Futurismes à venir. C’est un piège dialectique dont nous avons connu les excès et les outrances. Whitman n’en est aucunement conscient, son enthousiasme est positif et défensif. Si la rhétorique est batailleuse, elle l’est de façon toute conditionnée par la naissance de ce monde, son adolescence oserai-je dire. Car enfin ce « haut lettré » invoqué sera d’une « simplicité enjouée », on saluera « son respect pour les lois naturelles, sa foi sans limite en Dieu, sa révérence profonde » et « l’absence en lui de doute, d’ennui, d’histrionisme, de raillerie, ou de toute soumission à une mode contrainte et passagère ». Une « nouvelle histoire », rien de moins, est convoquée, construite de façon ambivalente par un prêtre d’une religion nouvelle et « saine », sans puritanisme (malgré quelques archétypes persistants qui mériteraient un regard plus distancié !) et un « gymnaste » dans le même temps. 
 
L’utopie est absolue et, comme le souligne Auxeméry, elle permet de comprendre les positions de certains de ses successeurs : les nuances d’un Williams, le rejet symétrique de Pound, la refonte de cette mythologie par Olson. Nous sommes bien sur le terrain mythologique où se conjuguent l’idéologique et le manifeste esthétique. 
Ce texte porte en germe une chose et son contraire, les vertus démocratiques (par ses institutions au service de chacun) et les aliments possibles d’une société totalitaire (par cette tabula rasa et cette confusion de l’un et du tous) ; une société plus juste visant à la beauté et un empire nouveau avec ses excès inévitables. Moderniste donc, en ces contradictions qui, tout autant, voudraient se concilier, en son lyrisme débridé se « référant à l’immortel, à l’inconnu, au spirituel, le seul réel permanent qui, comme l’océan attend et accueille les fleuves, nous attend, chacun de nous comme nous tous. » 
Auxeméry, outre son travail de traducteur déjà salué, sait pointer que « les épigones et descendants de l’aède original apportent, chacun, sa part originale à l’epos toujours recommencé ». Il ajoute ainsi, en notes, un certain nombre de nuances de première importance, l’ironie dominant des uns, la critique persistante des autres. Il finit, comme il se doit, par Olson dont le Maximus « va / à contre-courant, va ». 
 
 
[Philippe Blanchon] 
 
Walt Whitman, Perspectives démocratiques, traduction et notes d’Auxeméry, Belin, coll. L’Extrême contemporain, 2011, 18 €  

Ne bouge pas ! , de Jean-Louis Giovannoni (par Antoine Emaz)

 

Ne bouge pas ! Ce n’est pas le titre d’un roman policier, contrairement à ce qu’on pourrait croire ; il renvoie plutôt à l’injonction du photographe qui, sur le point d’appuyer sur le déclencheur, craint le flou. De fait, Jean-Louis Giovannoni travaille ici avec le photographe Marc Trivier, dans ce qu’il faut appeler un livre d’artiste, même s’il est tiré à six cents exemplaires. Donc se pose la question du lien, de la collaboration texte/image. Elle est ici particulièrement réussie. 
Il est clair que les poèmes ont été écrits à partir des photos. Elles sont au nombre de huit, en noir et blanc. Six d’entre elles présentent une femme sur une passerelle de bois, et les deux dernières sont des paysages. Les titres de Giovannoni renvoient au monde de la photo : « première vue », « (Pause) », « Prise »… Et l’on retrouve ce vocabulaire à l’intérieur des poèmes : « Appuie. / Déclenche. Fine couche sensible. », « Nom. Numéro de pellicule. », « Et flou autour… ». Mais tout autant, on pourrait dire que le poème est autonome puisque l’éditeur intègre dans le livre un CD audio des poèmes lus par leur auteur. Le texte peut donc tenir sur sa seule force expressive ; il n’est pas purement illustratif. 
On retrouve cette tension entre écart et proximité dans les poèmes. Certaines séquences renvoient directement à la photo : « Passerelle. Oui passerelle. Avec jeune fille. / Ponton ou jetée. / Devant. S’en va. » Parfois, on peut même sembler proche de notes descriptives : « Brume. / Peut-être matin. // Suppose. Cache-col. / Sac à dos. Sur flanc droit. // Pois blanche. Partout. / Arbres asphyxiés. // Jeune fille. Tête noire. / Repousse. » 
Mais tout autant que ce désir de prendre appui sur les photos de Trivier, il y a écart de la rêverie, ajout imaginaire à ce que voit l’œil en noir et blanc : « Visage. Son visage. / De profil. / Sur fond lacté. / Gagne / Rose aux joues. Imaginé. », ou bien « Cheveux. Visibles. / Blonds sûrement. / Sous passe-montagne. / Immobiles. Sans vent. » Au-delà encore, à partir de ces photos où la femme apparaît puis disparaît, le poète ébauche une sorte de drame possible : «  Veux / Secours. // Course sur la passerelle. / Noir derrière. // Non pas ça… // Ne plus se pencher / Non. Jamais plus. » 
L’écriture dense, serrée sur elle-même, est propice à cette ouverture de la lecture de l’image, tout comme le flou de Trivier. Formellement, chaque page est constituée de courtes séquences en vers libres, constitués de phrases très brèves, souvent seulement un mot. Au-delà de cette constriction, mais allant dans le même sens de l’ouverture interprétative, on a l’usage fréquent de l’ellipse et du suspens : « Ai perdu… », « A moins que / (…) », « Entré. Plié. Inversé. / (…) », « Ne sait (…) », « Perdue droite… », « Et… », « Papier. Ne peux… » 
Poèmes et photos se rejoignent peut-être là, dans leur capacité à créer de l’étrangeté, de l’art,  à partir d’un réel somme toute banal : une femme  sur une passerelle de bois. 
 
[Antoine Emaz] 
 
Jean-Louis Giovannoni / Marc Trivier, Ne bouge pas !, Editions La Pierre d’Alun – 80 pages, 34 € (avec un CD) - site de l'éditeur 

En lisant Travail du poème d'Ivar Ch'Vavar (notes de Jean-Pascal Dubost)

 

Marginalia écrites en lisant 
Travail du poème 
d’Ivar Ch’Vavar  

 

Le titre ouvre plusieurs problématiques avant même que d’ouvrir l’ouvrage : quel est l’agent actif de la proposition, le mot « travail » ou le mot « poème » ? Quelle relation entre les deux mots et ce qu’ils impliquent de réalité ? Le mot « poème » est-il un mot qui travaille ?... Faut-il entendre plutôt une interaction ? Comment entendre l’absence de déterminant devant le mot « travail » ? La force de la préposition est immense, elle multiplie les pistes : le poème serait le fruit du travail, ou le poème est ce qui travaille (torture l’esprit) (sous-entendu : le poète), ou bien encore : le poème travaille encore quand il est achevé (le poète, le lecteur). Expérience active ou expérience passive du poème (à écrire, écrit) ? 
 
Épique tâche mentale de transformer le monde intérieur (abstrait) en poème concret : « Le poème, qu’on le considère comme cadre ou comme chant, est concret. » Tâche que de faire coïncider « espace poétique » et « monde mental », le poème est la révélation visible du jeu entre les deux : le poète travaille le jeu. 
 
« Le recours aux formes est nécessaire. Il n’y a pas d’art, de poésie sans forme, sans cadre. » On approuve, mais Ivar Ch’Vavar nous plonge dans les abymes complexes de la contradiction, car plus haut est écrit : « La poésie peut se déployer ailleurs que dans le poème : peinture, musique, roman, cinéma. A-t-elle-même besoin d’un support ? Elle se déploie dans la rêverie, l’hallucination… ou la vie quotidienne ! On peut dire que la poésie est partout et que tout ce qui la porte est poème », assertion avec laquelle un désaccord est ici affirmé, quoi qu’en dise le bon air du temps qui voudrait faire de tous, des poètes… La poésie est un ensemble plein qui contient tout ce qui se fabrique, dans le langage, au nom revendiqué et assumé et artistique de poème. 
 
Les poèmes d’Ivar Ch’Vavar sont l’expression d’un travail minutieux devenu spontané à force de minutie, la preuve par lui de la nécessité d’un cadre formel élaboré dans laquelle le poète peut développer, linéairement ou fragmentairement, son récit, sa rêverie… Ch’Vavar considère ses poèmes comme des tableaux musicaux. 

Où vont ceux qui s’en vont ?, d'Antoine Mouton (par Jean-Pascal Dubost)

 

Jeune auteur de trente ans, Antoine Mouton a publié avant ce livre, deux livres, un récit et un roman, aux mêmes éditions¹ ; ce livre, conçu à l’occasion d’une résidence d’écriture au Centre poétique de Rochefort-sur-Loire. Il prévient rapidement le lecteur, « je pense à un film et je prends des photographies/numériques plusieurs centaines/1998 exactement/1998 photographies de ces lieux où je ne m’arrêterai jamais/et si je m’y arrêtais un jour, les reconnaîtrais-je ? », des photographies prises pendant un voyage en train, des photographies d’extérieur, dans lesquelles il cherche une hypothèse, sans réponses, à la lancinante question qui fait titre. Les photos en couleur reproduites en couverture, sous la forme d’une planche contact, montrent du ciel et des nuages, et laissent à penser qu’on va suivre une pensée religieuse, une pensée qui cherche à se rattacher ou à se relier à quelque chose qui rassure ou soutient. Mais il en est autrement, la pensée fuit, s’échappe, se fait mystérieuse (pourquoi 1998 photographies ?, se demande-t-on), laisse planer des doutes sur les intentions de l’auteur, et a-t-il vraiment des intentions, ne cherche-t-il pas à égarer le lecteur comme lui-même s’égare dans l’absence de réponses ? Alors on trouve des photographies en noir et blanc à l’intérieur du livre, floues parfois, qui accentuent le mystère de la démarche, ou le flou du regard, ou le sombre de la pensée (de plus en plus sombre page après page). C’est une narration qu’on suit au fil d’un déplacement immobile, une narration qui alterne prose coupée en vers et prose en lignes filantes, si ce n’est fuyantes, rapides assurément ; il y a en effet une certaine célérité dans l’immobilité de l’inquiétude qui fige le corps (« quoiqu’on fasse on est là/même si là se meut » ; passages – nombreux : voulu ?, trop ? – qui réfèrent à Antoine Émaz). C’est une belle vitesse, celle qui tente l’illusoire course contre la mort. Multipliant les formes dans lesquelles elle se glisse, cette écriture semble devoir s’affirmer encore, et dans le dernier tiers du livre, elle promet de s’affirmer, car se resserre autour de l’événement qui justifie l’écriture du livre, produit un effet de surprise ainsi comme dans un roman à suspens, qui oblige à une lecture à rebours, justifie la raison d’une alternance pronominale (il/je), ainsi que le ciel, les nuages, et le chiffre 1998. 
 
¹ Au nord tes parents en 2004, et Berthe pour la nuit, en 2008. 
 
 
[Jean-Pascal Dubost] 
 

Antoine Mouton, Où vont ceux qui s’en vont ?, Centre poétique de Rochefort-sur-Loire  & La Dragonne , 128 p., 16 € 

Méli-Mémo suivi d’Arrêts facultatifs, de Daniel Biga (par Antoine Emaz)

 

Le livre est constitué pour deux tiers d’inédits (Méli-Mémo) et pour le reste, de la reprise d’Arrêts facultatifs, publié chez le même éditeur en 2001. Mais les deux ensembles sont d’une facture très proche : de courts poèmes en prose le plus souvent écrits à partir de la saisie d’un détail de la vie quotidienne, ou d’un souvenir. La saveur de ce livre est celle de la vie : Biga ne triche pas, il est toujours aussi attentif à ce qui dans l’au jour le jour fait événement, ou rappelle, renvoie à l’enfance, la jeunesse… Mais ce n’est pas un livre de souvenirs : la mémoire a simplement autant d’importance que le présent. Cette suite de poèmes courts vaut par sa diversité d’allures : les tons alternent, humour, mélancolie, révolte…. On peut très bien passer d’un constat désabusé (« Je m’interroge vaguement sur le pourquoi de durer – sinon la longue habitude qu’a mon cœur de toujours battre et d’encore nettoyer mon sang . » (p. 36) à l’évocation d’une scène érotique très crue (La table, p. 26), à un coup de sang contre la bêtise (Les dominants, p. 11). 
 
On retrouve la critique des puissants, de l’élite auto-proclamée et auto-reproduite : les trois poèmes intitulés Petit peuple dénoncent cet état de fait et ses conséquences néfastes pour la société, pour la planète. Biga revendique hautement son appartenance à la caste des humbles, des gens de peu : « Rien : voilà notre héritage. Du désordre, pauvre, contradictoire, subalterne, prolétarien. Rien. Sinon que de naissance et à jamais nous sommes autres. Nous sommes ceux qui ne savent pas. De la caste des fellahs, des moujiks, des serfs, des domestiques.  » (p. 28) On retrouve avec plaisir le côté anarchiste du poète : « Fonctionnement, vie, écriture : à l’écart je vais. » (p. 30) 
 
Mais ce serait trop réduire le livre que de la cantonner dans le registre de l’engagement, qui est tout autant chez Biga un dégagement, une revendication profonde de liberté. D’où les poèmes qui renvoient aux espaces d’Amirat ou de la Brière, hors social, lorsque le lien avec la nature est le plus direct. D’où les poèmes très libres aussi sur le thème amoureux, mêlant sensualité et sentiment. 
Mais ce qui domine peut-être ce livre, et ceci explique en partie la présence forte de la mémoire, c’est la conscience de la fin qui se rapproche : par exemple Taches de vieillesse (p. 34). Aucun pathétique, il s’agit plutôt d’une conscience pascalienne et critique de tous les faux-semblants : « Malgré nos assurances sur la vie, nos mutuelles 100%, nos multiples protections, notre haute technologie médicale et notre suffisance toujours plus démesurée, malgré tous les mensonges qui nous sont assénés collectivement et que chacun d’entre nous relaie avec quelque complaisance, nos têtes de condamnés à mort inconsciemment reflètent ce qu’au plus profond nous savons depuis toujours. Il n’y a que celui qui a apprivoisé sa mort inéluctable qui sourit naturellement… » (p. 19) 
Biga n’est pas un poète de cour, on le savait. Pour lui, la poésie n’est pas un jeu de l’esprit, on le savait aussi. Ce livre confirme donc, sous une forme simple et directe, qu’écrire c’est aller encore et toujours et lucide vers la vie. 
 
[Antoine Emaz] 
 
Daniel Biga, Méli-Mémo suivi d’Arrêts facultatifs, Editions Gros Textes, 80 pages, 8 € 

News from the poetic front, de Jean-Pierre Bobillot (par Alain Helissen)

 

Jean-Pierre Bobillot déplie depuis de nombreuses années des chantiers poétiques qui s’imbriquent les uns dans les autres, faisant l’objet de publications ponctuelles en revues ou en volumes. Les textes produits connaissent de multiples versions ou « états », tant cet auteur aime à les remanier, à les augmenter au fil du temps. En somme, un « work in progress » constitutif d’une œuvre dont l’éclatement a fini par devenir la singularité. Jean-Pierre Bobillot y intègre théorie et création poétique, le plus souvent voisines dans un même ouvrage, comme c’est le cas de ce news from the poetic front. Soucieux de traçabilité, l’auteur fournit en fin de volume l’historique détaillé des textes rassemblés ici. Le lecteur pourra ainsi en reconstituer le parcours un rien labyrinthique. Sans entrer dans ce détail, disons que le livre intègre des écrits des années 90, revus et augmentés, auxquels s’ajoutent deux compositions plus récentes, datées de 2009. Au total, cinq parties et un prologue. Ce dernier, « Poésie c’est… » ─ il fut publié dans l’anthologie permanente de Poezibao ─, compte au nombre de ce que Jean-Pierre Bobillot appelle ses « textes de scène », objets de performances que le bruyant poète propose régulièrement. Il s’agit là, comme pour « America », d’une longue énumération prenant effet de litanie. Mais bien d’autres formes apparaissent dans ce recueil. Ainsi, celle du journal, tenu pendant 23 jours, du 30 décembre 1991 au 21 janvier 1992, et qui brasse les désordres du monde en y infiltrant « la femme de sa vie ». Partie quatre, on retrouve le penchant « essayiste » de l’auteur dans un texte intitulé « Rimbaud, Thiers, Pétain et les autres : halte à la falsification ! » Auparavant, une incursion du côté de la poésie visuelle. News from the poetic front, c’est l’effervescence bobillotienne toujours régénérée, à force pieds-de-nez, outrances humoristiques, inventions verbales, emprunts à la langue anglaise, pirouettes et hue-dada version « chercheur de poux », quand y’en a p(l)oux y’en a encore. Assurément, Jean-Pierre Bobillot demeure l’irremplaçable trublion dont les grains de sel rehaussent la poésie contemporaine d’un rien de fantaisie bavarde, juste ce qu’il faut pour la rendre vivante et désirable. 

[Alain Helissen] 
 
Jean-Pierre Bobillot, News from the poetic front, editions Le clou dans le fer, 2011, 128 pages, 18 €. 

La Pivoine de Cervantès et autres proseries, de Lambert Schlechter (par Jean-Pascal Dubost)

 

73 textes en prose, courts. Un livre qui eût pu se titrer, mais le titre existe déjà, d’un philosophe allemand, qu’évoque Lambert Schlechter, Dolf Sternberger, qui eût pu, donc, se titrer « Petites perceptions » ; et probablement, parce qu’il est un grand lecteur et philosophe de formation, probablement que la théorie des petites perceptions de Leibniz, assavoir qu’il faille prendre conscience des petites quantités insinuées en soi pour définir un tout ( : «  D’ailleurs il y a mille marques qui font juger qu’il y a à tout moment une infinité de perceptions en nous, mis sans aperception et sans réflexion, c’est-à-dire des changements dans l’âme même dont nous ne nous apercevons pas, parce que les impressions sont ou trop petites et en trop grand nombre ou trop unies, en sorte qu’elles n’ont rien d’assez distinguant à part, mais jointes à d’autres, elles ne laissent pas de faire leur effet et de se faire sentir au moins confusément dans l’assemblage. C’est ainsi que l’accoutumance fait que nous ne prenons pas garde au mouvement d’un moulin ou d’une chute d’eau, quand nous avons habité tout auprès depuis quelque temps », Nouveaux essais sur l’entendement humain, 1704), probablement que Lambert Schlechter garde en tête la leçon du philosophe allemand. L’écriture alors devient un bel exercice de remontée mémorielle, d’attention à ce qui fabrique le grand assemblage disparate qu’il célèbre à longueur de livres, et qui paraîtrait quasi scandaleux, au regard des pessimistes et des catastrophistes, de célébrer : la vie. Les proseries ci-présentes, ainsi que par ailleurs (La Trame des jours¹ par exemple) attestent d’une gourmandise et d’une avidité sans mesure : après avoir frôlé l’acédie², Lambert Schlechter empoigne la vie d’écrire à pleins bras, à pleines mains (si on peut dire… tant les caresses érotiques lui demeurent essentielles), et ne cesse de se réjouir de ses lectures³, des brièvetés vues, des femmes et de leur sexe, de s’en régaler, de le dire-écrire, de déployer belle énergie dans le fil des jours, émerveillé et fabuleusement, de façon revendiquée. Un voluptueux ? Probablement qu’oui ; un fou de la vie, un jouisseur et bandeur terrestre. Explorateur du vivre. Ces proseries n’ont pas la forme diariste, mais s’en rapprochent, sont des « choses du jour », ou des « choses qui » (Sei Shonagon) auront été perçues lors d’une journée souvenue. L’écriture va simple, au gré de l’humeur et de la fantaisie, vient après, et avec, Montaigne, Robert Walser et Eugène Savitzkaya (celui du Fou civil), et sensuellement, sur la pointe de l’humour. Et si l’âge avançant lui pèse, il ne cesse de garder la candeur de l’enfant mêlée à la malice du vieillissant, car Lambert Schlechter a décidé de vivre, pour écrire. 
 
[Jean-Pascal Dubost] 
 
Lambert Schlechter, La Pivoine de Cervantès et autres proseries, La Part Commune, 2011, 160 p., 15 € 
 
 
¹ Éditions des Vanneaux, 2010. 
² Lire Le Silence inutile, La Table Ronde, 1996. 
³ Il publie concomitamment Les Repentirs de Froberger, à La part des anges, des quatrains biographiques, ou épitaphes, consacrées à son panthéon d’hommes illustres, accompagnés de dessins de Nicolas Maldague, qui sont des illustrations des poèmes, assavoir qu’ils sont des équivalences dessinées, quel intérêt ? 

Horizon du sol, d'Etienne Faure (par Jean-Pascal Dubost)

 

Les poèmes d’Étienne Faure, et cela ne se dément pas depuis le premier livre¹, voire s’affirme, subissent les lois (qu’il leur impose) de l’attraction terrestre : ils tombent, irrésistiblement tendus vers le bas sol, que ce soit dans le déroulement de la signification du poème qui attrait vers son ouverture finale, ou que ce soit formellement, puisque le poème en vers tend vers son titre placé en clausule. Le bas, ou le ras sol, voit passer l’humaine activité, et le regard du poète demeure devant cet horizon-ci ; le titre revendiquant une poésie à hauteur d’hommes, non point revendiquante de l’ordinaire, mais soucieuse d’égalité dans le regard et devant l’évidente destination (alors on devinera la philosophie de Montaigne se dérouler en ondes discrètes dans la poésie d’Étienne Faure, au sujet de la mort, celle qui tient au collet petits et grands ; en poète, Étienne Faure prémédite la mort, la devance, par observations minutieuses, chez chacun des autres, de ses moindres indices de présence, et par conséquence, il l’a sans cesse à l’esprit, en bouche, en vers ; « aussi ay-je pris en coustume d’avoir, non seulement en l’imagination, mais continuellement la mort en la bouche », affirmait Montaigne). La recherche d’indices de mort est, par là même, la recherche d’indices d’émotion, voulue comme une manière de ralentir la chute des corps. Avec l’élégance raffinée du style qui le caractérise, Étienne Faure rassemble les failles, mal visibles, par contre certaines, parce que largement pressenties, les failles où demeurent la mort, une élégance résignée, mais qui, presque, rendrait hommage à la mort ; il « échafaude des textes sombres/en de beaux clairs-obscurs », convaincu qu’elle remonte par les failles, pour faire l’homme retomber sur terre : « Ainsi reviendront les morts/en personne,/une paume à la main courante/où, pendue,/la descendance apprend la gravité. » C’est un livre subtil, dont on pourrait presque penser qu’il rêve la mort, du moins se fait humble devant elle, cela que le poète signifie dans la section finale, titrée fatalement « Congé », au seul poème, poème qui vient du titre éponyme, qu’on lira comme un hommage fort discret, mais hommage néanmoins, aux Commourants de Jude Stéfan, poème dont les derniers vers ferment le cercueil-livre, ou, au contraire, ouvrent un art poétique :  
« au-dessus on s’agite 
pour quelques mots dans la boîte crânienne, 
entreprend les allées et venues 
– à la ligne – perdues pour l’essentiel, 
à dire ici des mots dépouillés, nus 
comme des vers de terre. » 
 

[Jean-Pascal Dubost]

Étienne Faure, Horizon du sol, Champ Vallon, 128 p., 12 €

¹Légèrement frôlée, Champ Vallon, 2007 (suivi de Vues prenables, Champ Vallon, 2009)

Si vous avez apprécié cet article, vous pouvez cliquer sur le bouton +1 ci-dessous

Avis de grand frais d'Henri Droguet (par Bruno Fern)

 

Comme l’indique le titre, ça souffle fort dans ces quelques pages – jusque dans les bronches du lecteur, avec une « heureuse énergie / du désespoir » qui emporte par mots et par vers tout ou presque, y compris le ciel forcément omniprésent – et il est toujours grand temps pour ça puisque trop vite « tout sera sous l’herbe / blanchi crispé débâti » et que celui auquel renvoie le fréquent pronom personnel masculin, à peine sujet, ne pourra alors plus lancer ses cris et chansons à la face du « taiseux formidable », le dénommé D. Souvent dans une tonalité tragicomique, n’hésitant ni à appeler un chien un chien : 
 
La langue aux crocs un chien 
qui jamais n’écrira La recherche 
du Temps perdu saute à la chienne 
                 impavide 
bave et la cul- 
bute l’encombre 
 
ni à se tourner lui-même en dérision : 
 
N’y a pas – songe-t-il -  d’histoire 
naturelle et ceci 
fut une fois pour toutes et ego 
j’aurai le dernier mot 
le sous-moi ça déparle 
et déconnais-toi toi-même 
désormais 
 
 
H. Droguet livre donc là un petit opus bien dans sa veine. 
 
[Bruno Fern] 
 
 
Henri Droguet, Avis de grand frais, éditions Contre-allées, juin 2011, 20 pages, 6 €.