Poezibao

N 4728, n° 19 (par Alain Helissen)

 

47° 28’ latitude Nord, c’est le positionnement géographique d’Angers qui a donné son titre à cette revue semestrielle fêtant cette année son dixième anniversaire avec à son palmarès 380 poètes et plasticiens publiés. Pierre Lévis, présent dans ce dix-neuvième sommaire, « trouve que c’est la revue la plus généreuse envers la poésie, elle semble déborder de poésie comme de la crème déborde d’un millefeuille. » Cette image correspond bien, en effet, à l’impression laissée par N4728 quand on parcourt les pages de cette livraison à laquelle ont participé une quarantaine de poètes. Nombre d’entre eux ne sont pas des « habitués » des revues et on peut même découvrir la première publication de Carole Marcillé. Découvrir également plusieurs représentants de la jeune génération, comme Sébastien Cochelin, Nicolas Jaen, Jean-David Lemarié, Fabien Leriche, Gwénola Morizur, Antoine Mouton, Ilann Vogt. Cette relève prouve, ainsi que le souligne Lionel Destremau dans son article « Grandeur et misère de la poésie, un bref état des lieux », que la vitalité de la création poétique ne se relâche pas, malgré « l’économie souterraine » du genre. Sous le titre « Mémoire vive », la première partie de N4728 présente quelques poètes « portraitisés » par le photographe Michel Durigneux : Patricia Cottron-Daubigné, Antoine Mouton, Isabelle Pinçon, Dominique Sorrente, le japonais Gôzô Yoshimasu, Liliane Giraudon, Jean-Jacques Viton et Marc Blanchet. Des notes de lecture largement développées viennent clore ce numéro particulièrement dense qui se doit de figurer en bonne place dans la bibliothèque de tout amateur de poésie. 
 
Alain Helissen 
 
N4728, N°19
adresse courriel n4728 arobase orange.fr 

Inter, de Pascal Quignard (par Florence Trocmé)

 

C’est un livre bien singulier que viennent de publier les éditions Argol, sous le titre Inter. Une sorte d’ovni littéraire dit de lui Bénédicte Gorrillot qui est à l’origine de ce projet.  
 
Ce projet singulier, il est nécessaire de l’aborder en détail*. Bénédicte Gorrillot qui est maître de conférence en poésie latine et littérature française contemporaine et qui travaille notamment sur l’œuvre de Christian Prigent mais aussi sur celle de Pascal Quignard, s’est trouvé s’interroger sur un poème que celui-ci a écrit en 1976, en latin : inter aerias fagos, un « cut up qui accole des citations éparses d’auteurs divers, tous à la file, par équivalences » (B.G. p. 158.) Ce texte avait fait à l’époque l’objet d’une première traduction en français, signée Emmanuel Hocquard. Et d’une double publication chez Orange Export Ltd, « deux petits livres distincts, aux couvertures pâles et distinctes, juxtaposés dans une boîte en carton blanc. » (P.Q. p. 15) 
 
Bénédicte Gorrillot souhaite alors interroger Pascal Quignard sur ce texte dont elle a pressenti la très grande portée. Mais une tentative d’entretien tourne court, car lui dira un peu plus tard l’écrivain, il ne peut « affronter sa vie en direct » et il lui faut « recourir à la protection du stylo entre les doigts [...] comme une rampe, pour descendre dans cette sorte d’abîme qu’est le monde intérieur. » (P.Q. p. 13)  
Et d’une certaine façon, ce fut une chance, car après ce semi-échec à revenir, par la parole, sur ce texte, Pascal Quignard écrit une très longue lettre à Bénédicte Gorrillot, où il s'interroge sur le poème, l’histoire du poème mais surtout sur ce que contenaient en germe la démarche et le texte lui-même. Pages très prenantes qui sont à la fois une genèse et une exégèse par l’auteur lui-même de son œuvre, de ses grands courants de fond. C’est ainsi que dans une évocation sur sa pratique de l’orgue, il écrit que « le registre actuel soulevait les notes de tous les registres qui avaient précédé – et soudain elles touchaient les registres du son originaire. C’était cela le but de mes cut up. Cela se déchirait. Le chant hélait enfin quelque chose » (P. Q, p. 21).  
 
Autre idée très féconde de Bénédicte Gorrillot, remettre en quelque sorte le poème latin de Pascal Quignard sur le devant de la scène en demandant à cinq poètes contemporains latinistes de proposer leur propre version du texte. Il y aura donc en plus de la traduction d’Emmanuel Hocquard et celle de Bénédicte Gorrillot elle-même, des propositions de Pierre Alferi, Eric Clémens, Michel Deguy, Christian Prigent et Jude Stéfan, Sept traductions donc pour un même poème. Et dont la confrontation est passionnante dans ce qu’elle révèle à la fois de la plasticité du latin et des usages poétiques contemporains. Ouvrant ainsi à des réflexions sur la langue, sur la traduction, sur la langue d’avant dans notre langue qu’est le latin, mais aussi sur « le fatum déceptif de toute traduction et de toute écriture » (B.G. p. 144) 
 
Le livre est composé en trois parties, la lettre de P. Quignard à B. Gorrillot, puis la section consacrée au poème original en latin et à ses traductions  avec les sept versions (Alferi, Clémens, Deguy, Gorrillot, Hocquard, Prigent, Stéfan) et enfin des « Didascalies », une sorte de postface de B. Gorrillot qui est une méditation sur la traduction. Elle y dénonce l’école traditionnelle de traduction avec son objectif de fidélité (qui est le plus souvent fidélité au sens bien plus qu’à la forme). Elle parle de « l’entropie inévitable du traduire » (p. 140). Et elle choisit quelques expressions particulièrement frappantes du texte latin et montre comment chacun des sept traducteurs les as entendues. À commencer par le titre inter aerias fagos** mais aussi l’étonnant logos terrisonus 
 
Voici donc un livre singulier et multiple, dont Catherine Flohic, son éditrice, a pu dire à juste titre que c’était « un livre de l’entre-deux, entre latin et français. Un livre de l’un, Pascal Quignard et un livre de sept autres. » (p. 9)  
 
 
Florence Trocmé 
 
 
*cette note mêlant des citations de Pascal Quignard et de Bénédicte Gorrillot, les références aux pages sont précédées des initiales de l’un ou de l’autre. 
 
*à titre d’exemple voici les propositions pour inter aerias fagos : « Entre les hêtres aériens » (Alferi), « Air entre êtres » (Clémens), « Dans les hêtres de l’air » (Deguy), Entre les hêtres élevés couleur de ciel » (Gorrillot), « De l’air entre les branches des hêtres » (Hocquard), « Aux souffles des feus*** » (Prigent), « Sous le faîte des hêtres » (Stéfan) 
 
***les feus sont les hêtres bretons 
 
Pascal Quignard 
Inter 
inter aerias fagos 
Argol, 2011 – voir la présentation détaillée de ce livre et lire un extrait ici 

Mobile de camions couleurs, de James Sacré et Michel Butor (par Antoine Emaz)

 

C’est un livre d’une soixantaine de pages avec des photos en noir et blanc de Michel Butor. Le texte de Sacré, au-delà du Mobile dans le titre, peut renvoyer occasionnellement à Michel Butor :  « Dans Mobile de Michel Butor, qui est un livre où divers éléments de prosodie et des figurations bougent en lents mouvements de l’ensemble / Il y a un motif particulier qui détaille au fur et à mesure qu’on va dans le livre les surprenantes couleurs de grosses voitures quasi volantes qu’on dirait : / Viennent-elles pas de toucher terre, et continuant  quelque temps de lentement tanguer/ Sur d’immenses pistes routières ? » Mais dans son ensemble, le texte de Sacré me semble plus proche, comme excroissant, de son dernier livre, America solitudes. Aucun camion dans les photos de Butor alors que le motif est central dans le texte de Sacré, et déjà présent dans America solitudes, que l’on songe au long poème Le roulement des camions dans la solitude à Holbrook. 
Donc on pourrait parler d’un livre d’occasion ou de circonstance : Butor a des photos prises durant son séjour américain, Sacré vient de sortir un livre massif et déterminant, né de son expérience des Etats-Unis. La rencontre ne pouvait que se faire. Mais l’un reste en ville (Butor), alors que l’autre travaille sur ces « camions couleurs » qui ne cessent de sillonner le paysage, irriguant économiquement le pays par la route. « Tout ce trafic de convoiement divers / Vigueur aveugle et continue, jetées violentes / D’une ville jusqu’à une autre à l’autre bord du pays : / Traversée d’on sait pas quoi mais comme dans l’urgence, camions / Pour que tiennent ensemble les villes du pays. » 
Pour cette question de la relation photos/poèmes, on est finalement moins frappé par l’écho que par la distance entre ce qui arrête l’œil de Sacré et ce que fixe l’œil de Butor. Est-ce complémentaire ? Peut-être, mais c’est surtout distinct. Face à la réalité américaine, les deux auteurs ne sont pas retenus par les mêmes facettes, même si dans les deux cas, c’est bien du made in USA. Peut-être aussi qu’un rapprochement plus fort des deux travaux n’était guère possible : Butor prend ses photos au début des années soixante, lorsque le rêve américain bat son plein ; Sacré vise l’Amérique d’aujourd’hui, dans son agitation sans mémoire : « L’Amérique des années cinquante ou soixante-dix, c’est pas / Qu’elle n’existe plus / La voilà maintenant qui s’en va dans le souvenir qu’en garde ce livre de Michel Butor / Avec son histoire, un peu grandiloquente et vaguement ridicule : / Pays qui oublie, qui oublie longtemps, souvent. » 
Des pages de listes étaient présentes dans America solitudes pour scander le livre à intervalles longs. Ici, le procédé est systématisé dans une sorte d’alternance entre vers libre/verset où les camions sont vus en mouvement dans le paysage, et puis des listes où ils sont saisis au repos, comme entassés dans un immense parking : « beige à longues oreilles, caisse blanche – beige sans oreille, caisse blanche – rouge vif caisse blanche et rectangle de rouge – rouge caisse blanche, Knight en rouge – museau carré bleu pétrole caisse blanche – blanc caisse blanche avec motifs verts sur le tracteur et la remorque – blanc caisse blanche, jaune en bas – etc. »  
Dans les photos de Butor, on sent comme un étonnement d’enfant devant le monde de la ville américaine ; le regard de Sacré est bien plus ambivalent, ces camions ont quelque chose d’épique et de ridicule, à la fois. On sent que l’auteur est sensible à leur forme de beauté puissante, mais dans la séquence suivante, il accentue le dérisoire d’un mode de développement qui a atteint ses limites et devient absurde : « En voilà un mis serré contre les murs / Pas loin de la place dans la rue : / Grande cabine rouge très vif comme si / La pluie l’avait lavé longtemps, et les chromes qui brillent. // Un camion quand même pas si énorme, sa caisse plutôt courte, l’impression / Qu’il est passé sans que personne s’en aperçoive / Pour être là maintenant dans la ville et presque / Comme un cœur qui bat fort après / Un excès de course qui fait arriver nulle part. » 
 
Antoine Emaz  
 
James Sacré – Mobile de camions couleurs, Edition Virgile – 2011 

De brins et de bribes, de Werner Lambersy (par Amandine Marembert)

 

 
 
Aigremoine, aristoloche, benoîte, bétoine, bleuet, condamine, chélidoine, chiendent, cigüe, colchique, consoude, dauphinelle, digitale, euphorbe, fenouil, ficaire, fumeterre, germandrée, guimauve, lamier, liseron, mélilot, mercuriale, millepertuis, 
achillée, absinthe, angélique, arum sauvage, aspérule, berce, bourrache, bryonne navet, capucine, carvi, chicorée, datura, trigonelle, jusquiame, laitue, marguerite, menthe, moutarde, orties, pensée, romarin, roquette, rue, safran, sarriette, sauge, 
trique madame, verveine, aneth, armoise, bardane, belladone, cerfeuil, coquelicot, joubarbe, jonquille, lavande, lierre, mauve, myosotis, marjolaine, persil, pervenche, sorcière, molène, morelle, narcisse, orchidée, origan, centaurée, pissenlit, 
pulmonaire, salicaire, saponaire, scabieuse, séneçon, souci, tanaisie, tussilage, valériane, véronique, violette, vipérine, pimprenelle, rhubarbe, raifort, thym, gaillet, mélisse, pariétaire, cassa, ail, genêt, éricale, solanée, primevère, balsamine, herbes Saint-Jean… 
 
Ainsi s’ouvre ce magnifique petit livre en noir et blanc, au format carré, très soigné. Hommage-liste aux « fleurs du bord de la (longue) route », aux brisants immobiles d’herbes folles, aux pagodes d’herbes folles (Tomas Tranströmer).  
Les haïkus sont bribes et traits qui prolongent les brins et pointillés des encres qui leur font face à chaque double page. Il s’y dit une couture d’herbes qui trace des routes en discontinu.  
 
L’herbe folle dit 
si tu sais où tu vas, 
c’est que tu ne sais pas où tu es 
* 
Un seul brin 
d’herbe fait le printemps, 
il ne voyage jamais en solitaire 
* 
Remettons  
le temps à sa place, 
que le chemin suive aussi la saison 
* 
La tempête 
se charge des bagages, 
elles feront route par étapes 
* 
Le vent, 
d’accord, mais pour 
aller où quand il ne le sait pas 
 
Ces fleurs sauvages, ces herbes folles offrent à chacun des chemins de traverse, les marges des routes comme lieux principaux. Les dernières qui seront les premières. 
 
Toujours 
premières à revenir, 
où personne n’attend rien 
* 
Le sens 
de la formule leur 
est venu de nos raccourcis 
* 
Le sentier  
s’occupe du trait, 
elles de ce qui est à colorier 
* 
Elles font 
tout pour cacher 
le petit chemin, c’est un secret 
* 
Elles  
ne veulent pas voir plus loin 
que le bout de la fleur 
 
Ces fleurs des fossés sont bien vivantes : elles dorment, mangent, se lavent, s’habillent, font l’amour, partagent l’amitié. 
 
Vieux sommier 
de cailloux, où elles 
ont mis leurs oreillers frais 
* 
La nuit 
elles ne dorment pas, 
elles épongent le lait de lune 
* 
Elles broutent 
le vent avec plus de 
retenue que le troupeau au pré 
* 
Si l’aube 
crève un pneu, elles 
prêtent leur cric pour dépanner 
* 
Pénélope 
ou filles en vitrine, 
elles continuent le même tricot 
* 
Entre étoiles 
et herbes sauvages, 
comment n’avoir pas le vertige 
* 
On dit 
mauvaise herbe 
pour les filles qui font le trottoir 
* 
Pluies, 
vents, neige, 
canicule, soleil : quelle garde-robe 
 
Ce sont ces brins de tiges, ces bribes de mots offerts au vent qui, en réalité, font respirer la voix du poète « à qui suffit l’herbe entre les dents » pour siffler un air pas connu, qui se penche en passant pour qu’elles « parlent à voix basse à l’oreille ». 
 
Elles sont  
la ponctuation 
arbitraire d’un phrasé végétal 
 
Les brins d’herbe livrés aux aléas du vent sont très bien saisis comme symboles de la fragilité humaine. Et les herbes folles comme autant d’images du désir de liberté qui nous habite. 
 
 
Amandine Marembert.  
  

Werner Lambersy 
De brins et de bribes  
Jean-Louis Millet, encres 
éditions du Cygne, 8 euros 
site de l’éditeur 
 

Mobiles 2, de Vannina Maestri (par Pierre Drogi)

 

On jubile (vraiment !) quand Tinguely s’invite chez les mots. Et l’on éclate de rire à chaque (double) page, comme si les écrans de notre modernité « rétro-futuriste » se trouvaient soudain rendus inoffensifs. 
Voici donc un livre libérateur pour tous ceux qui ne supportent plus les langues de bois, de métal, de crin, de corde, de cuir… de l’époque. Dans une polyphonie concertée et discordante, Vannina Maestri construit, par raccords, citations, raccourcis, juxtapositions et courts-circuits, sa machine infernale dont l’effet aboutit pour le lecteur à neutraliser tout leur pouvoir de nuisance. 
 
Tous les langages, tous les codes semblent en effet avoir été convoqués dans le livre pour y être déchargés de leur pouvoir hypnotique et stupéfiant. C’est de leur télescopage que naît l’effet de distance et le coup de jus libérateur. 
Mobiles 2 propose en même temps une sorte de portrait-robot du « sujet » contemporain. Car quelque chose comme un « sujet », sans cogito ni bouées, presque touchant, encore humain par miracle ! se dégage des fragments absurdes de notices, prospectus, discours en tous genres, bribes de revendications individuelles ou constat de l’impossibilité à définir encore une identité de ce genre, interventions d’ordre graphique, symboles empruntés au « langage total » (ou qui se voudrait totalisant et universel) propre, paraît-il, au siècle commençant. Ces fragments, le livre les juxtapose, les colle, les entrechoque avec une savante virtuosité, parvenant à exhiber leur, par anticipation, indécrottable et intemporelle ringardise. 
Les « discours de l’époque », soustraits à leurs supports technologiques « d’époque » pour être restitués ici au silence du livre, se trouvent aussi privés sur la page de la séduction de leur véhicule ordinaire ; ils sont comme piégés, mis à plat, rendus à la fiction que bien souvent ils imitent, traduisant aussi nos désirs et nos peurs avec une cruelle ressemblance. 
Pages 42-43 (je ne reproduis pas la mise en page) : « ie souis oualdisnéisé / - ie souis rien / - ie souis bisounoursisée // BIENVENUE DANS LE MONDE RÉEL / princesse » 
 
L’idée forte mise en évidence par le dispositif du livre serait que l’affolement des discours les uns par les autres fournit le premier remède à leur caractère potentiellement dictatorial et totalitaire. Et que cet affolement finit même par rétablir, au-delà des discours ainsi disqualifiés, la possibilité d’un autre discours, voire permet de rêver à la possibilité d’un poème. Lisant en même temps le numéro d’Action poétique consacré à Kurt Schwitters, je ne peux m’empêcher de penser à Mobiles 2 comme à une sorte de Merzbau. La seconde idée qu’on peut déduire de la première, si notre hypothèse est exacte, serait que le livre lui-même, en tant que dispositif, constitue un lieu et un moyen de résistance efficaces. 
Trop de tentatives de contrôle et de totalisation, parce qu’incompatibles entre elles, situées dans des domaines trop évidemment étrangers les uns aux autres, rétablissent de la marge. « L'individu » (ou ce qu'on continue à solliciter comme tel, « part de cerveau » finalement difficilement « disponible » sous le bombardement !) s'accroche, dans Mobiles 2, à des formules inutilisables, périmées ou creuses (c'est effectivement beaucoup mieux pour flotter !) ou à de la langue de bois (ça flotte aussi : épaves !) pour se refaire une psychologie, une beauté, préoccupation insistante, et même une humanité. Conflagration et presque coïncidence des contraires dans le rire : on en ressort galvanisé. 
 
 
Pierre Drogi, janvier 2011 
 
Vannina Maestri, Mobiles 2, éd. Al Dante, 2010 

Scènes extérieures, de Dorothée Volut (par Anne Malaprade)

 

Un livre qui échappe, un livre qui fuit, un livre toujours en avant de soi et de sa lecture, de son écriture sans doute, un livre au-delà, extérieur, comme le dit son titre, et d’une extériorité qui dérange, interpelle, questionne. Invention d’une langue à partir de son anticipation, langue-fiction qui se positionne depuis la perspective d’un futur indéfini, avis de recherche orienté par et vers ce qui n’est pas encore. Le dehors d’une existence qui n’a pas encore vraiment eu lieu… : « Je parle du futur de ma langue pour espérer un jour la retrouver. Je parle devant vous du futur qu’elle sera. Je parle un peu en m’avançant, je parle trop peut-être, mais cela me donne du courage. » Extériorité des sentiments, extériorité aux sentiments, extériorité d’un point de vue de soi sur soi comme si le regard et la parole ne pouvaient se constituer qu’à partir d’un décalage et d’une épreuve. Scènes extérieures déconstruit, mine de rien, le rapport du sujet aux choses, et des choses au sujet. Le cogito nouveau est arrivé. Désormais les objets pensent, donc je suis : « Le mégot qui vint en cet instant se coller à son gros orteil fit semblant de tout ignorer de cet assemblage difficile ». Les choses vont jusqu’à penser l’individu : elles l’entourent, le précèdent, l’interpellent, le provoquent, et le déconstruisent au point d’extirper le « je » de son enveloppe corporelle. Ce « je »-là se regarde vivre, rêver, divaguer, et observe de quelle manière la langue elle-même en vient à l’abandonner. C’est tragique, mais on fait avec cet éloignement et, mine de rien, quelque chose se poursuit (un désir de langue ?, une persistance à être ?, une intention chantée ?) qui mène au livre, envers et contre tout. 
 
Quelqu’un, dans une errance contrôlée, parle, raconte et décrit. C’est un homme, même si, dans les dernières pages, on a également accès aux pensées intérieures d’une femme : « Je ferais bien d’aller me promener, pensa-t-elle, car il est juste que ce sont ceux qui n’écrivent pas qui ont le plus de choses à dire ». Nous sommes avec lui (tendance elle), de son côté, partageons son point de vue, et restons, ni plus ni moins que ce dernier, à l’extérieur de ses motivations, de ses désirs, de ses sentiments, de son identité et de ses voyages. Lui-même part d’un constat dont le récit qui suit ne démentira pas l’étrangeté : « À un moment donné de ma vie j’ai surgi. » Il y a donc une origine, un début, une naissance qui ne correspondent pas à la date biographique fêtée chaque anniversaire. Un surgissement comme un phénomène vital irrépressible et violent, continu et indéfini, qui s’impose à l’écriture, et dont elle va signaler quelques-unes des manifestations les plus saillantes : construction d’un pavillon (sans doute trop sage pour celui qui dit « je »), expérience d’un ennui qui affine la question de l’identité par celle de l’exception, voyage, observation des paysages, traversée des villes et des paysages, précipitation du temps jusqu’au passage d’une année l’autre, expérience intérieure (« Ces jours derniers je ne passe plus par ma pensée »), adresse à un « vous » depuis un « je » redessiné par une collectivité. 
 
Ce bref récit se présente sous la forme de fragments en prose dont la longueur est variable ; certaines des lignes qui les composent ne sont pas alignées. Et l’effet d’étrangeté du texte est aggravé (je tiens à la notion de gravité contenue par ce verbe) par ces décalages qui mettent en suspens l’horizon d’attente du lecteur. De même, le sentiment de malaise peut venir du choix de la ponctuation. Si certaines phrases sont ponctuées selon le code grammatical traditionnel, à d’autres il manque un point d’exclamation (« On croit rêver, mais on vit. », « Bonne nuit. », « Non vous ne rêvez pas. » « S’asseoir, dire ‘travail’. Travaille. »), ce qui procure un effet presque déceptif : neutralisation, en tout cas, des remarques, bloquant l’émotion et l’effet d’identification du lecteur. Cette discrète et perspicace gêne est également entretenue par des énoncés qui froissent la logique. Le sens se grippe, dysfonctionne. « Mais le froid est en nous, réponds-tu, tandis que l’enfant ne l’est pas. » Cette clausule se comprend certes par rapport à la scène qui précède, et pourtant sa dernière proposition distille quelque chose d’inquiétant. Tout d’abord, quelle est la nature de ce froid avec lequel nous cohabitons sans le savoir ? Maladie à venir ? Prescience de la mort ? Et qui est cet enfant qui n’est pas en nous ? Celui que nous ne sommes plus ? Celui qui a « surgi » et disparu avec une violence symétrique ? Celui que nous n’aurons jamais même si nous sommes parents ? 
 
Scènes, enfin, s’entend de deux manières. Nous sommes au théâtre, et chaque page de ce livre constitue l’emplacement où les acteurs-mots paraissent devant les spectateurs-lecteurs. Ces scènes s’emparent d’un espace visible et elles y jouent — deuxième sens — des scènes, c’est-à-dire des actions partielles qui, en se déroulant, fonctionnent comme les séquences d’une vie, dont on a vu à quel point la naissance et l’avenir faisaient, justement, une scène : explosions d’énergie qui gagne la ville, la vie, et jusqu’au texte qui les scénarise. En témoigne cette évidence et cet appel consignés avec une résignation dont on ne saura jamais si elle est feinte : « Force nous est de constater que notre cœur est pour l’instant le dernier endroit qui ne se soit pas encore enflammé. » 
 
Anne Malaprade 
 
Dorothée Volut, Scènes extérieures, Contre-Pied, 2010, 22 pages, 4 euros. 
 

 

Le furtif et le fugitif, Jacques Izoard (par Philippe di Meo)

 

 

Le furtif et le fugitif 
Jacques Izoard 
par Philippe di Meo 

 

En dépit des anthologies, du murmure de si nombreuses lectures, des festivals et de la quantité de revues, établies ou confidentielles, il semblerait que l'histoire de la poésie française du second après-guerre doive encore être écrite si, par exemple, l'œuvre de Jacques Izoard demeure aujourd'hui encore méconnue mais, à cet égard, le cas Jude Stéfan n'en est pas moins significatif. Certes des listes de noms existent, mais les évaluations stylistiques et thématiques, les proportions et les hiérarchies laissent fortement à désirer. De ce point de vue, le travail de Jacques Izoard, né à Liège en 1936 et prématurément disparu en 2008, n'a rien à redouter. C'est même tout le contraire, dans sa génération, de par son originalité et son style,  il occupe bien sa place : à l'évidence l'une des toutes premières. 
Aussi, en attendant le Tome III des Œuvres complètes, auquel s'est attelé Gérald Purnelle, on se réjouira de l'attention que lui témoigne un petit éditeur de talent qui publie ses entretiens. Un entretien avorté de Louis Ferdinand Céline réalisé par le tout jeune homme mal aguerri intéressera comme la non moins désopilante incursion à bicyclette dans l'Albanie du sinistre Enver Hoxha. 
 
Le travail de fourmi de Gérald Purnelle nous livre, par ailleurs, plus 100 pages d'inédits dans le premier volet de son travail et 180 dans le second. Car Jacques Delmotte, Izoard en poésie - à cause de la sonorité du mot confiait-il et, peut-être également, du souvenir de ses inénarrables voyages à motocyclette de la Belgique où il est né vers cette Galice qu'il affectionnait - a de son vivant dispersé ses publications en une poussière de plaquettes, à l'occasion écrites à quatre mains avec Eugène Savitzkaya.  
Le critère chronologique retenu convainc. Les "notices" qui s'y ajoutent et l'"index", où l'auteur commente certaines allusions à des lieux ou à des personnes, élucide tel mot rare, constituent un outil précieux pour suivre le sillage d'un poète-né s'inscrivant spontanément, autrement dit sans calcul ni complaisante afféterie, dans la tradition rimbaldienne de l'"égarement" et de l'errance pour la renouveler de fond en comble. 
 
On apprendra ainsi le sens de quelques mots savoureux tels : drève, gayoûle, vinâve, botteresse tout en découvrant des noms de lieux si singuliers du Liégeois et d'ailleurs qu'ils se changent presque en personnages : Fond de cris, Hoût-si-Ploût, Ourthe, Sedia del papa. Aspect moins anecdotique qu'il n'y semblerait car dans la poésie de Jacques Izoard, la sensibilité phonico-symbolique occupe le centre de son phrasé. 
Séduit par les jeux de langage, la mécanique verbale des comptines et autres devinettes, et dont la plupart de ses recueils portent la trace indélébile, dès l'âge de 12 ans l'enfant choisira de consigner ses trouvailles dans un cahier. Un professeur de latin "peu indulgent" secondera et orientera cette inclination de ses bienveillants commentaires. Ses premiers poèmes paraissent en 1952 dans la revue Contact. Une série de voyages à Paris s'ensuivent. Le jeune homme entend rencontrer les poètes et les écrivains qu'il estime. Tour à tour, chacun à sa manière, Jules Supervielle, André Breton, Francis Ponge, Louis-Ferdinand Céline, Marcel Jouhandeau l'accueilleront. 
 
Ce manteau de pauvreté, sa première plaquette, est publiée en 1962 sous le pseudonyme d'Izoard, elle est préfacée par Paul Gilson. Plusieurs critiques en vue le remarquent parmi lesquels Alain Bosquet. Au fil du temps, plus de deux mille pages en vers et en prose suivront. Au reste, Jacques Izoard évolue avec une même aisance dans l'un ou l'autre genre. 
Son registre ? D'une part, une tradition verlaino-rimbaldienne et, de l'autre, un héritage d'ascendance plus ou moins surréaliste se laissent reconnaître, mais spontanément retranscrits selon des codes personnels, car toute démarche "culturaliste" est foncièrement étrangère à la façon d'être de l'homme et du poète, décidemment inséparables.  
Dans la proximité de la confidence diversement diserte et la distance d'un travail stylistique visant certaine proportion de sublime, le poète livre des pans entiers de sa biographie sur le mode rêveur. Et cela, au gré de ses vagabondages dans sa ville natale et à travers l'Europe, ou, plutôt et mieux, de l'espace. Corps et psyché vibrent à l'unisson selon les lois empathiques d'une effusion omniprésente. Spinoza n'est pas loin. Un désir de se fondre dans le paysage opère. Ces va-et-vient entêtés et entêtants du lieu au mot approprié sanctionnent une recherche verbale sensualiste, dans l'acception du mot la plus large, au plus près de la sensation intime des choses, des êtres et des lieux. Vu et vécu s'indifférencient inextricablement. Osmose perpétuelle, rarement titre n'aura mieux résumé l'œuvre de Jacques Izoard. Car "ce que la couleur dilue devient vertige" pour dire le "dégradé des couleurs". Dans ce dessein d'une cohérence stylistique et affective sans faille, chaque poème englobe toujours tous les autres. 
 
La nuance et la douce intensité - le Liégeois abomine le tonitruant, la pose et le théâtral, en un mot, l'inauthentique -  sont l'horizon de Jacques Izoard. Même s'ils ne sont vraisemblablement ni lus, ni à l'évidence connus, une parenté secrète semble relier l'œuvre du Belge à celle de l'Italien Sandro Penna. Essentiellement comme intentionnalité. 
Le furtif et le fugitif de la sensation pourraient peut-être à eux seuls caractériser cette démarche si attachante et si stylistiquement exigeante qu'on aimerait trouver les volumes évoqués sur les rayonnages de toutes les bibliothèques publiques ou privées de France et de Navarre.  
 
Philippe Di Meo 
 
 
Le premier bavard touche la fleur 
dont le parfum fend la langue 
d'un dormeur déjà voué au rêve. 
Et c'est l'été, l'hiver. 
Le linge très blanc touche encore 
la joue, la jambe, le bras. 
Linges liquides ou ténèbres. 
* 
Dans ce vide où le bleu corrompt 
tout regard et tout vertige, 
dans ce vide où s'allument 
clartés de feuilles et de foins, 
dans ce vide très doux, 
le corps n'est qu'un désir 
qui cache sa propre mort. 
(Pavois du bleu) 
 
Les livres :
Osmose perpétuelle, entretiens, Atelier de l'Agneau, 77 p., 14 € 
Lettres et dédicaces à des amis, ,Atelier de l'agneau, 38 p. 12 € 
Poésie I, 1951-1978, sous le direction de Gérald Purnelle,  Editions de la Différence  845 p., 39 €,
Poésie II, 1979-2000, sous le direction de Gérald Purnelle, Editions de la Différence, 843 p., 39 €, 

 

Des sourires et des pommes, de Louis Dubost (par Amandine Marembert)

 

 
La collection « Le Farfadet bleu » a quitté les éditions L’Idée bleue et poursuit son aventure sous l’enseigne des éditions Cadex… en publiant le père du farfadet bleu, l’éditeur lui-même. Belle initiative d’Hélène Boinard, l’éditrice de Cadex, et juste retour des choses pour celui qui a passé sa vie à publier les autres. 
Tout le recueil semble tenir dans la rondeur de la voyelle O. Soleil, sorciers, soi, croquer, ordonner, jouer, oiseaux, froisser, mots, poids, horloger, tondeuse, aboyer, morigéner, alors, tout doucement, roues, poser, pommier, gros, pommes, demoiselle, vol, immobile, supersonique, effarouchée, court-vêtue, hirondelles, parfois, cours, voyage, lorsque, comment, oublier, boréal, déployer, contre, jour, œufs, effroi, mémoire, culottes courtes, remords, écorcher, OK, poule, oncle, dollars, pondre, force, port, s’étonner, poèmes, moutonner, nous, octobre, témoigner, fois, comme, mouette, moutons, douceur, escargot, objet, coquille, bourgogne, voici, dictionnaire, parfois, s’aboucher, escourgeon, ortie, poisseux, grignoté, se dérober, encore, longs, rognés, rongés, oublier, cordeau, escargotier, homme, fouiller, corde, anonyme, os, vous, nouée, jours, bouts, doigts, demi-mots, frôlement, trop, œil, mort, cœur, comptine, rouler, or, doux, se soûler, fous, coupés, trouvés, oubliés, comptés, se bousculer, souffler, souffrir, amour, monde, bonheur, encore, loin, coller, corps, forces, joindre, quoi, possible, pourquoi. Les superbes illustrations de Valérie Linder nous livrent des O peints, coloriés, cousus, biffés, entourés, soulignés, rehaussés, ornés, pleins et vides, investissant les pages d’une manière infiniment variée. Ces O se font coquille d’escargot, pomme, cerise, soleil, oeil, mètre ruban, pelote, caillou sur le chemin, tampon postal, comme autant de manières de rendre les mots bien vivants. D’ailleurs ce livre de poèmes-colonnes s’ouvre dès le titre sur un jeu de mots qui offre une variation à Des souris et des hommes de John Steinbeck, comme un versant de légèreté dans une parenté avec la nature qui nous entoure et avec la nature humaine, pour mieux dire la gravité des êtres et des choses du monde. Comme si aimer tant caresser des choses douces – les peaux des souris, le pelage des lapins, les poils des chiots, la soie du velours, les cheveux brillants des femmes dans le roman américain ; le soleil, les mots, les pommes, la nuit, le chemin du bonheur dans le recueil de poèmes français – était manière d’apprivoiser la solitude inhérente à la condition humaine. 
 
La fête faite aux mots est orchestrée par les oiseaux qui reviennent, nombreux – hirondelles, oiseau boréal, mésange, poule, mouette - , ponctuer les pages de leurs virgules d’ailes, et par les figures fétiches de l’auteur que l’on retrouve ici avec plaisir pour les amateurs – l’escargot et la libellule (poèmes réédités ici : Demoiselle légère paru dans l’anthologie Tu me libellules à L’Idée bleue, et L’escargot est sérieux avec l’objet de ses rêves, ensemble initialement publié chez L’impertinente).  
Les oiseaux des images se laissent traverser par les mots, les portent et les colportent, les sèment, les becquettent, les picorent, les chantent, s’en vêtissent les plumes, s’en font des nids, les échangent, les timbrent, se cachent dedans. Ils semblent suspendre les mots à l’aide de fils invisibles, tirant leurs ficelles. « Ici le ciel ordonne / la pluie et le beau temps // ce n’est pas un ciel / où l’on joue avec le soleil // les oiseaux y sont habiles / à froisser les mots // à parler et déparler / dans l’indifférence du jour. » La chaleur et la forme du soleil-tournesol avec pétale-rayon qui s’en détache offrent des repères-aiguilles de pendule au chant des oiseaux. « Midi ne pèse guère / sur la pierre // et la pierre / son juste poids // le soleil rassure // les oiseaux qui hésitent // simplement horloger / dans la tiédeur verte ». Le phénix lui-même, personne unique en son genre, supérieure par ses dons, fait renaître de leurs cendres les mots brûlants. « Comment oublier / l’oiseau boréal // les ailes déployées / contre le jour // qui meurt / dans le feu d’épines // ses œufs pareils / à des mots extrêmes // brasillent encore / dans les yeux dénicheurs ». Les mots échangés de nuage à nuage, d’oiseau à oiseau s’inscrivent sur du papier fragile, transparent, déchiré. « Le gros insecte métallique / ment comme il respire // une mouette rieuse / nargue son charabia // son rire cisaille / la laine des crachins ». La compagnie des oiseaux semble nous raconter des choses au-delà des mots, depuis le lointain de l’enfance, dans le proche de leurs empreintes de pattes en v collés, de leurs vols en trajectoires mystérieuses. «Le feu parfois / devient friable // celui-ci soleil / sur un vol d’hirondelles // qui va / qui vient // au gré des vents / adverses // si peu détourné / au cours du voyage // lorsque grésillent / soudain les ailes ». « Aujourd’hui je tiens / vigueur et remords / de la mésange écorchée ».  

Sonde de Ida Börjel (par Vianney Lacombe)

 

Le livre de Ida Börjel est un instrument délicat dont les différents chapitres servent à approcher le corps tel que nous ne l’avons pas encore vu et éprouvé, d’abord dans Planismère avec le corps de la mère comme étendue géographique, avec ses dimensions, sa direction dans l’espace, le corps de la mère-univers qui touche à ses propres confins. Pourquoi nous tournons en rond quand nous sommes égarés montre qu’il est impossible pour les autorités d’avoir un avis sur quelque corps que ce soit, tandis que celui qui erre, même s’il est perdu, continue de tourner autour de lui-même dans un territoire dont ses jambes forment le compas. 
Une histoire d’amour dresse une liste d’objets appartenant à Ida Börjel contenus dans une malle d’émigrant, et cette fois ce n’est pas le corps qui est convoqué dans ce texte, mais le nom de Ida Börjel qui disparaît, qui sombre dans l’inconnu des biens possédés et s’imbrique dans les objets successifs qui se perdent en croyant rester intacts. Le texte s’appuie sur la typographie pour constituer un chaos d’objets qui ne cessent de se heurter, d’échanger leurs présences syllabiques dans ce complexe d’où émergent seulement quelques balises de sens et le nom de Ida brjl.  

Les personnages simplifiés de Tours de taille européens ont des bras, des jambes, des chiens, des soutiens-gorge, une vie entière passée à s’ignorer eux-mêmes, à ignorer même le personnage de la page d’à côté qui pourtant mène une vie exactement semblable à la leur, dans un autre pays européen qui n’existe pas, ou plutôt qui a le même nom et les mêmes habitants mais qui n’est qu’un simulacre, un contour extérieur qui se donne à voir pour la réalité entière alors qu’il n’est qu’abandon, perte de soi comique et affairée. 
Les sensations de l’aveugle dans Ton œil sent la terre sont une autre manière pour Ida Börjel de parler du périmètre du corps, de son contenu, de notre position dans l’espace et de ce qu’ils doivent à notre vue. Dans ce texte, la longueur, la largeur, la profondeur sont étudiés de l’intérieur du sujet, ainsi que les distances engendrées par l’absence de vision et la forme que prend le son lorsque celui qui l’entend ne voit pas son origine, quels sont les ciels, les rêves de ceux qui n’ont jamais vu la pesanteur agir à l’extérieur d’eux-mêmes et ne peuvent éprouver ce que représente le proche et le lointain. Ida Börjel nous parle avec dérision de son nez, ou de celui qu’elle aurait si elle ne voyait pas, elle étudie cet objet étrange pour qui ne le verra jamais, cette excroissance que l’enfant découvre et dont elle assemble les sensations tactiles pour former un objet doté de narines et qui respire. Elle  parle avec humour de cette découverte du corps aveugle, de ce bloc obscur qui contient du son et qui possède un nom que les autres lui ont donné pour contenir les sensations du moi.   

Nous n’arrivons pas à nous intéresser à Gertrude Stein dans Stein contre Ida contre Ida contre Stein, tandis que nous adhérons immédiatement à ce que Ida Börjel nous fait découvrir dans les mots qu’elle emploie, dans l’usage que Ida Börjel fait de Ida Börjel  lorsqu’elle cite Ida Börjel en préambule à son propre nom- Ida Börjel. 
Sonde est un lieu d’expérience, incessant, qui explore le corps de l’auteure et le corps de l’écriture dans l’espace du livre. Sonde est un livre important : il y est dit que nous n’avons jamais prêté attention ce qui nous concerne le plus, que nous ignorons le corps et l’espace dans lesquels nous vivons et que nous les trompons sans arrêt. Le regard que Ida Börjel porte sur ce qui l’entoure,  elle nous le fait partager en nous dotant de l’attention et de la précision avec laquelle elle explore ce qui pour nous est informe et sans consistance et elle le place devant nos yeux en révélant sa véritable importance. 
Sonde est le premier livre d’Ida Börjel, écrit lorsqu’elle avait vingt-neuf ans. Elle vit en Suède, à Malmö, près du Sund. 
 
Vianney Lacombe 
 
Sonde de Ida Börjel, traduit par Esther Sermage, éditions Les petits matins, collection Les grands soirs, 160 pages, 12 euros 
 
 
Vianney Lacombe, né en 1946, après un recueil dans les années 70, a publié Index avec Mark Alsterlind aux éditions voix Richard Meier en 1994 et La voix obscure (CQFI, 1997), trente poèmes également illustrés par Mark Alsterlind. D’autres poèmes ont paru dans les revues Poésie (Seghers), Moriturus, Rehauts, Canicula ainsi que des textes critiques dans Action poétique, Poésie et CCP. Les revues Arte Factum, Opus et Verso ont accueilli ses écrits sur l’art contemporain. 

Poèmes, (1986-1991), de Luis Mizón (par Jacques Morin)

 

Il s’agit de la réédition bilingue revue par l’auteur de trois recueils du poète chilien, avec une traduction de l’espagnol de Claude Couffon : Passage des nuages, L’Éclipse et Chronique du blanc. S’offre une poésie latine où les mots emblématiques seraient : clarté et caresse. À partir de ces deux axes sémantiques, l’écriture tisse son réseau de lumière et de sensualité entremêlées.  
 
Nos enfants reviennent  
Couronnés 
de papier d’argent  
 
A l’aide d’images douces et surréalistes, le poète découpe le présent assumé comme une conquête tactile et solaire, et use volontiers d’un futur où l’infini offre généreusement un océan vierge à traverser ou des terres de promesse à parcourir.  
 
nous habiterons une terre 
sans origine et sans oubli.  
 
L’univers de Luis Mizón est constitué de cuivre et de soufre, de pommiers et de figuiers, de fenêtres et d’escaliers, de larmes et de sperme. Le poète infiltre son regard fertile dans cet entrelacement  de reflets et d’écorce. Natif de Valparaiso, il a quitté le Chili en 1974, après le coup d’état, et ce n’est pas anodin lorsqu’il parle des « squelettes de l’exil ». Ainsi toute la seconde partie  
 
L’Éclipse multiple la mémoire  
d’une ville sans racines  
 
revient sur cette part sombre de son existence où il a dû se réfugier en France. Ses poèmes se présentent la plupart du temps sous la forme de six segments numérotés comme une structure personnelle, dans un rythme nécessaire avec ses haltes pour faire le tour du poème.  
 
L’amour de la lumière 
nous rend transparents  
 
On retrouve à la fin les mêmes signes qu’au début. La poésie croise les tempêtes et les orages, mais il faut lire les paysages passés avec la caresse ou la force du vent d'aujourd'hui. Il y a une harmonie des mots jusque dans les divorces, et l’écriture de Luis Mizón sait recoudre les plaies des sols et des êtres. 
 

Jacques Morin 
 
Luis Mizón,  Poèmes 1986-1991, éditions Rhubarbe, 2010, 16 €.