Poezibao

(Note de lecture) Victor Malzac, Dans l'herbe, par Grégoire Laurent-Huyghues-Beaufond

L'auteur l'a reconnu dans un entretien parue dans la revue Fragile (1), c'est moins une poésie de l'image – quoiqu'il y ait sur ce point des trouvailles (« mes amis me défont// comme/des lacets » (p. 10), « un filet/de lumière avariée » (p. 55) – qu'une poésie du rythme qui demande lecture à voix haute.

De fait, c'est un rythme qui vous embarque : aliénas et blancs y jouent un rôle moins de points d'orgue que de ruptures et reprises de souffle, une partition qui n'est pas celle de la syntaxe, dans l'ensemble réduite à l'os : la parataxe est de mise, souvent un simple « et » qui se répète en attendant qu'on trouve le mot suivant, la subordination se limite globalement à quelques rares relatives. L'usage de la répétition est efficace, que hachent les virgules : les petits mots d'usage, les plus faciles (pronoms, prépositions, coordinations), ceux que d'habitude on n'entend pas mais sur lesquels le poète bute et du même coup nous fait entendre. Il s'agit d'abord de dire ensemble un excès et un défaut, une poussée dans la langue et son insuffisance. Poésie ainsi du bégaiement, dit-il dans le même entretien : celui du trop plein des sensations qu'on ne sait pas organiser, celui d'un trop plein de mots dont peut-être on éprouve que si peu sont les bons … mais il y a l'urgence du rythme au-dedans, alors on bégaie comme un scat : « et tout // tout est, tout, comment dire, je, // je peux tout perdre » (p. 8) ; « je ne veux rien de tout cela, ni, non, je, // je veux tout raturer » (p. 41) ; « on ne va non, / on, non, on ne va pas faire long feu » (p.51) ; « qui que tu sois tu fais, // tu, tu fais partie » (p.57), …

C'est ainsi des coulées franches d'une langue éruptive, jamais à l'équilibre, car celui qui parle est, comme sa langue, en formation. Ce recueil donne à entendre la voix, les voix d'une adolescence désœuvrée, à qui le monde ne laisse pas encore de place (« dans cette ville qui n'a pas voulu de nous », p. 45), sans compter que l'avenir n'est pas franchement engageant (« dix ans,// douze aux chômage oui nos papas », p. 24) : on ne peut que marcher solitaire dans les rues (p. 33-34), plus souvent s'allonger dans l'herbe, ce « peu d'espace / qu'on veut bien nous laisser » (p. 47), durant mille vendredi toujours pareils (p. 29), avec « ma bande à rire » (p. 9), meute de chiens (p. 9 ; p. 61) pas toujours tendres.

Ils sont douze, ont treize ou quatorze ans (p. 14). Ils parlent, boivent beaucoup et trop, vodka et bière (bientôt on sera des adultes) et du sucre (mais on est des enfants), mangent mal et trop (les « barquettes » de poulet qui sentent le K.F.C., p. 16), grossissent – ce qui ajoute au mal-être (p. 27) (beaucoup de sucre mais aucune mièvrerie) ; ils fument (là aussi beaucoup, trop et puis n'importe quoi, pourquoi pas de la terre) se désirent, se touchent et se découvrent eux-mêmes au contact de l'autre (p. 49).

C'est cet âge incertain, superbement rendu, qui oscille péniblement entre l'enfant et l'adulte : le corps se transforme et on découvre qu'on a un « ventre » (leitmotiv tout au long du recueil), mais encore les bras faibles, des allumettes pour tout muscle (p. 33) et les « poumons, tout petits tout//jolis » (p. 12) de « l'embryon viril » (p. 31). Et ce n'est pas seulement le corps, on a encore les souvenirs (un bain et la comptine, p. 38), les réactions et attitudes (« l'enfant timide aux bras ballants », p.32), les mots simples de l'enfance (papa, maman, gentil, joli, etc). Puisqu'on est si peu sûr de soi, si peu viril mais « fendu » déjà (p. 28, 30-31), on joue sans trop y croire à l'homme : fumer et boire on l'a dit, cracher par terre, insulter les mères (p. 14, p. 16), en bref « nous souillons / nos mains […] nos cheveux gras, nos mères/et la membrane de nos pauvres cœurs » (p. 21).

C'est que l'âge d'homme inquiète : « rien de moi n'est un homme » (p. 13) se désole-t-on, plus loin on précisera : « voici la vérité. puceau » (p. 43). On ose des mots crus, sans équivoque, comme l'adolescent qui se rassure en jouant à qui parle le plus fort et rit un peu trop gras. Le lecteur est baigné dans cette atmosphère, un peu moite, ensuquée et touffue. Vers la fin du recueil, apparaît le premier intérieur, le « cigare » remplace les « clopes » roulées (p. 54), et il y a enfin un « tu », énigmatique, qui élargit le cercle (p. 57), dont on ne saura pas le « joli prénom », mais qui « restera//comme// une// pierre » pour « laver la poitrine » (p. 58).

Poésie d'une sensualité adolescente pas encore dégrossie dont le « ventre » serait le foyer, un peu poisseuse et maladroite (l'adolescence, pas la poésie, elle qui nous semble très mûre, juste et sans fanfaronnade). À quoi s'ajoutent la révolte et la colère (p. 28-29), un peu de tristesse et une grande paresse (p. 47), des bouffées de désir et des velléités (p. 35) de celui qui ne sait pas, et c'est bien son problème, encore clairement ce qu'il veut.

Grégoire Laurent-Huyghues-Beaufond

Victor Malzac, Dans l'herbe, Cheyne, prix de la vocation, 2021, 62 p.,  16€

(1) lien de l'article, (31/01.22)

On peut aussi lire quelques extraits du livre, parus dans l'anthologie permanente de Poezibao.

(Note de lecture) Marie Etienne, Le livre des recels, par Gérard Cartier

Gérard Cartier a proposé à Poezibao cette note portant sur un livre déjà un peu ancien de Marie Etienne. Elle est ici publiée au format PDF, pour en respecter la mise en page et en faciliter l'enregistrement ou l'impression.

Pour ouvrir la note, il suffit de cliquer sur ce lien.

Marie Etienne, Le livre des recels, Flammarion, 2011.

(Note de lecture) Eric Sautou, Aux Aresquiers, par Isabelle Baladine Howald

A voix nue

Poésie nue, défaite. Les mains ouvertes, sans rien dedans, ou un peu sable, un peu d’embrun, un peu de pluie. Un regard toujours brouillé. Toujours le deuil et tout ce qui s’efface, sauf cette silhouette qui s’obstine et qui observe et qui cherche les lignes si flottantes :
« le même ressac chaque chose du monde qui vient c’est toujours /chose même/ressac »
Après Une infinie précaution (Flammarion) La véranda (Unes), après Beaupré (Flammarion), après tout récemment Son enfance et C’est à peine s’il pleut (Faï fioc) dont nous avons parlé ici tout récemment, voici encore toujours un lieu : Aux aresquiers chez Unes (couverture superbe, sobrissime, parfaite).

Eric Sautou s’efforce de rejoindre ses disparus en s’effaçant à son tour, forme tremblée qui tente de toucher l’air « poésie/est chose de l’air je suis chose de l’air. »
Nous avons déjà dit ici même combien cette poésie nous bouleverse.
Toujours plus loin, essayer de toucher le mouvant de la mer, le mouvant du ciel, le mouvant du sable, le mouillé de la pluie, et l’ombre des disparus.
Il finit par comprendre : « je sais que tu ne reviendras pas », pourtant ce temps est très long, des années, faut-il le dire, jusqu’à ce qu’on comprenne cela. Peut-être le deuil arrive à son terme, mais personne ne peut le promettre, en avoir la certitude.
Ce n’est plus le fantôme qui hante, c’est lui qui hante le fantôme, en essayant de tenir debout, pour retenir encore quelque chose qui s’enfuit.
Pas de mots, ne sait plus quoi dire, ne dit plus rien. Essaie encore.
Un livre de funambule, très tendre.

Isabelle Baladine Howald

Eric Sautou Aux aresquiers, Editions Unes, 2022, 42 p, 15 €

Extrait :

la maison sous les feuilles telle que je l’ai connue c’est le même ressac

Le même ressac chaque chose au monde  qui vient c’est toujours
       chose même
ressac

*

j’ai entendu le nom de ta mort


je ne sais pas en parler


je vois le vide
indifférent
cogner aux carreaux de la pluie

*

bientôt il n’y a plus eu
la seule chose de l’amour

(Note de lecture) Pierre Chappuis, En bref, paysage, par Antoine Bertot

On se heurte au titre du livre de Pierre Chappuis, En bref, paysage. On hésite : la restriction induite par l’expression « en bref » porte-t-elle sur le « paysage » lui-même, considéré alors non dans son étendue ou sa complexité mais dans son immédiate présence, son évidence ? Ou bien, cette formule, presque nonchalante, désigne-t-elle la perception vive du paysage et l’écriture fragmentaire qui en découle ? Il en va un peu des deux, bien sûr. L’absence d’article et le singulier du nom « paysage » supposent, quant à eux, si ce n’est un travail d’abstraction, du moins une tension entre la brièveté annoncée et l’ampleur du sujet, cet absolu « paysage ». Le titre sonne enfin, paradoxalement, comme la conclusion d’une recherche poétique : tout revient au « paysage » espéré sans fin comme un horizon. Le lieu d’écriture, si vaste, n’est plus que celui-ci, sans distraction.
Un deuxième seuil attend le lecteur, par lequel Pierre Chappuis décrit la constitution du recueil :

« Tant bien que mal ont été rassemblés ici fragments et débris de paysages tombés d’une mémoire défaillante ou distraite et répandus pêle-mêle, tel le contenu d’un corbillon (qu’y met-on ?) venu à se renverser. »

À l’idée de concentration et d’unité du paysage répondent tout à l’inverse le pluriel et le désordre. On ne trouve plus rien de l’évidence synthétique du titre mais au contraire l’expression de précautions. Le poète s’est modestement attelé à la tâche de recueillir comme il le pouvait ce qu’il restait de la perception de paysages divers, éloignés géographiquement et temporellement, surgis ou peut-être ressurgis accidentellement à l’occasion heureuse d’un déséquilibre. De cet éclatement renaîtraient le paysage et son « désordre amplificateur d’espace ».
Ces quelques lignes me permettent, à défaut d’aborder directement le corps du texte, de pointer malgré tout une caractéristique de l’écriture de Pierre Chappuis. Le jaillissement de l’« eau vive », de l’instant, l’instabilité de la surface du monde (« Frênes : regard tremblé. ») comme sa vivacité insaisissable (« Haie d’aubépines vive de ses débordements printaniers »), ne cessent de se nouer à la lenteur, à la patience. Ainsi d’un grand nombre de fragments du livre qui, s’ils disent l’énergie du surgissement, retardent, par dérive de la phrase et de la réflexion, la constitution de l’image finale. Je ne prends qu’un exemple :

« Épars décolorés, confondus ou presque avec la poussière du chemin (de quel convoi ancien tombés ?), quelques brins de paille, ici seulement (cet instant, ce point précis), persistent. »

Les fragments de Pierre Chappuis, obstinément, s’attachent à ce qui semble naître, se détacher du paysage et finir en se confondant avec le reste du paysage. Ce sont des points, des lignes légères, des reflets, des saillances qui se dessinent patiemment, déjà proches d’être perdus. Ils viennent pourtant de la profondeur de la mémoire. Cette dernière, s’appuyant sur des pans d’oubli et d’aveuglement, perdure en s’éparpillant. C’est donc brièvement, rarement et intensément que ce paysage peut venir au poète, sans clôture ni constitution d’un lieu définitif. L’écriture puise ainsi à cette émotion qui survient lorsque l’on croit entendre se formuler ou voir devant nous quelques conclusions éphémères : « Jamais en repos, jamais en reste ; au bout du compte – mais compte n’y a – »

Antoine Bertot

Pierre Chappuis, En bref, paysage, Éditions Corti, collection « Domaine français », octobre 2021, 61 pages, 14 €.

*

Extraits (p. 41-42) :

Ces mille points de feu en permanence à la surface du fleuve. Que le courant n’emmène nullement au loin. Qui nullement ne se fixent.

Peupliers dressés dans le lointain – une fois encore, salut ! – : flambeaux de novembre sur le point de s’éteindre.

Soudain elle perd pied, tombe, emportée, tombe et tombe encore, bousculée, qu’importe, prend des claques, qu’importe, se fracasse, se casse les reins, qu’importe, une fois encore qu’importe ; trop tard elle se rebiffe, cheveux en désordre, écharpes dénouées, brandies en vain, elle se tourne et retourne, étourdie, reprise dans le courant, s’éloigne, toujours une.

Suivre par le menu, mordant à mi-flanc la montagne, le lent déroulement de la brume, net et indécis, tranchant cependant, résiduel.

Le mieux marquer, comblant les vides.

Lentement s’effiloche. 

(Lettre à) Jacques-Henri Michot, à propos de Dernier temps, par Jean-Pascal Dubost

 

Cher Jacques-Henri,

Il convient que je débute cette lettre par un aveu dont j’espère vous ne me tiendrez par rigueur, assavoir que je n’ai pas été un des premiers lecteurs d’Un ABC de la barbarie¹, ce livre vôtre devenu livre culte. Il me souvient avoir été dissuadé par son aspect par trop formel à mes yeux d’époque² sous son apparence d’abécédaire énumératif, tout en ayant conscience qu’il se jouait là (dans la langue) quelque chose d’importance, mais qui m’échappait, sans déconsidérer toutefois le fait qu’était une bonne chose que ce texte, votre texte, me résistât, me coinçant entre rejet et attraction. Sans le savoir, je remettais à plus tard ma lecture. Le déclic advint quelques années après sa publication ; par quoi m’échut la joie d’entrer enfin dans votre livre, d’une repoussante beauté sur l’attractive laideur du monde dont vous nous instruisiez via la « mortifère jactance » d’huy ces jours ; un livre-monstre relevant d’une prouesse littéraire de haute tenue. En revanche, je ne sais plus les circonstances de ce déclic, j’ai défaillance de mémoire, ce doit être consigné quelque part dans un des carnets de mon Memento, mais revisiter ses plus de 6 500 pages pour retrouver la date exacte n’exerce point sur moi quelque pression d’urgence. Qu’importe, là n’est pas le lieu d’en discourir ; mais puis après je plongeais dans deux autres de vos livres³, dont je sortais empris d’une foultitude de sentiments et de pensées ; et très-impressionné.

Vous êtes un auteur rare, cependant vos livres, fruits d’un haut travail de l’esprit, marquent le lecteur au fer rouge de la pensée, et celui-ci que vous venez de publier n’échappera pas, je pense (l’espère), à la règle. Avant de plonger en son cœur, l’ambiguïté du titre ne manqua pas de soulever une prime question. De quels « derniers temps » s’agissait-il et s’agissait-il d’un livre-écho à l’ABC, d’un livre observant le déclin du monde jusques y compris sa fin, teinté d’eschatologie universelle ? Nenni point : vous balayez l’ambiguïté sans tarder, ces « derniers temps » sont, écrivez-vous en préambule : « Assurément, ceux de qui aura écrit ce livre », mais dont « les choix seraient comme appelés par les scansions d’un double présent :  – celui, personnel, des petits ou moins petits événements du quotidien, des inflexions de l’heure, de la coloration des humeurs ; – celui, aussi — par flashes — du monde, à tout le moins de tel ou tels secteur du monde. » Une fois passé ce préambule précautionneux (néanmoins rusé, car vous ne balayez pas tant que ça l’ambiguïté), on entre dans ce que vous appelez votre « capharnaüm » (une qualification surprenante, comme pour vous excuser d’une gêne technique à l’égard du fragment qui bigarre votre livre), dans un diaristique capharnaüm, un livre de désordre ordonné et de débauche, d’énergie, ayant pour objet de réorganiser désespérément (parce qu’illusoirement) mais vivement, le temps. Ce double présent que vous évoquez est lacéré de digressions temporelles, de plongées dans le passé effectuées avec une précision de calendrier vertigineuse qui élude toute nostalgie et nous étourdit alors dans une spirale historique. Le temps vous anéantit durement, parce que vous en avez une conscience extrême, « demain, et demain, et demain, glisse à petits pas d’un jour à l’autre, jusqu’à la dernière syllabe du temps inscrit » (Shakespeare)⁴, au point où, dans le détail méticuleux des dates et des correspondances des temps, vous atteignez une sorte d’hypermnésie littéraire qui nous fait nous demander si cette faculté mémorielle ne vous entraîne pas vers une quête à l’issue impossible, celle de connaître l’identité de l’idiot qui tient les ficelles de tout ça ; votre livre est un défi au temps, une joute verbale contre lui, ou contre le néant qui l’anime ; désespéré certes, mais ne rien opposer serait pire et plongerait dans une acédie totale. D’une certaine manière, l’écriture, et avant tout l’écriture de Journal (à laquelle vous vous adonnez quasi chaque jour sur Facebook), vous préserve de cet état d’âme (vous citez Italo Svevo : « Je crois, sincèrement, qu’il n’y a pas de meilleure voie pour arriver à écrire sérieusement que d’écrivailler quotidiennement… », lequel conclut : « En somme, hors de la plume, point de salut. »⁵) Derniers temps fait entendre comme un fracas votre tracas de ce temps-néant, de cet innommable qui tant préoccupe. Journal d’observation désautobiographique, votre livre, si c’est bien votre « opus ultimum », constituerait comme un aboutissement allant de l’impersonnalité de votre premier opus à la désautobiographie de ce dernier, assavoir d’un sujet écrivant totalement fondu dans son discours et son objet à un sujet émergeant des flots d’impersonnalité que sont les bruits et fracas du monde en portant le masque de l’impersonne « il » pour, derrière, y être un autre « je », balloté par lesdits bruits et fracas et au cœur de quoi, à un moment donné, page 331, vous lancez une chevauchée fantastique sous forme d’abécédaire titré « Ni ou la fête des faits » ayant la semblance d’un raz-de-marée de choses personnelles et tout l’air d’un acte de langage de résistance pour ne pas devenir fou face aux faits du monde ; cette chevauchée constitue l’acmé de l’ouvrage.

Si comme l’écrit Samuel Beckett dans L’Innommable, livre auquel vous faites fort référence, « Il faut attendre la fin, il faut que la fin vienne, et dans la fin ce sera, dans la fin enfin, ce sera peut-être la même chose qu’avant, que pendant le long temps où il fallait aller vers elle, ou s’en éloigner, ou l’attendre en tremblant, ou joyeusement, averti, résigné, ayant assez fait, assez été, la même chose, pour qui n’a su rien faire, rien être », cette attente que vous partagez avec le lecteur n’est, à l’instar de l’écriture de L’Innommable, nullement passive. Vous composez avec le monde, et en écrivain d’oreille sensible, mélomane, vous composez ce monde à votre rythme, et faites du temps qui le régit une partition aux notes extrêmement complexes. Vous avez un souci du monde pénétrant et grand : « ce qui, comme de tout temps, se passe sur la terre, dans tous les coins et recoins de la terre, ce sont des milliards et des milliards de choses de toute nature, d’événements grands ou petits, au nombre desquels une infinité de drames, collectifs et personnels… » Votre livre tient à la fois du journal, de l’autobiographie, du fragment, de l’éphéméride, du livre compost, mais au cours de ma lecture il me vint que Derniers temps était un journal autobiographique du monde.

Comment vivre au cœur du désastre, là est la sub-jacente question que vous vous posez continuellement, par quoi vous répondez : en dialoguant avec la littérature et les grands auteurs (un rien comme Montaigne), mais aussi avec quelques autres arts majeurs comme la peinture, la musique et le cinéma, avec ceux qui apportent un surplus de vie et d’intelligence au cœur des ténèbres de notre temps. Si en effet votre livre est criblé de citations d’auteurs et de références artistiques, très mêlé d’érudition, cela ne procède d’aucun procédé pédant, certes point, mais pour ce que les arts sont vos divinités lares. Vos nombreuses citations et références sont des actes d’humilité.

Je ne sais si le mot « baroque » conviendrait, mais il y une telle profusion d’événements historiques et d’éléments personnels s’entrecroisant, une telle bigarrure pour rendre compte de votre vision d’un monde constant d’inconstance (« monde immonde » qui n’est pas sans vous mélancoliser), d’un monde qu’au moyen de vos datations et soucis de datations innombrables vous fichez au cœur du temps vaste et insaisissable et incompréhensible, trop vaste pour nous pauvres humains, que ce livre, au final, je l’ai lu comme une vanité littéraire, une réflexion sur « l’écoulement universel »⁶, dont l’écriture nous mène vers les très émouvantes dernières pages.

Soyez remercié de ce que votre livre apporte en supplément d’intelligence et de finesse lucide en des temps qui en manquent douloureusement.

Jean-Pascal Dubost


Jacques-Henri Michot, Derniers temps, éditions Nous, 2021, 512 p., 28€


¹ Editions Al Dante, collection Niok, 1998 (édition dans laquelle je l’ai lu).
² Lesquels yeux se sont depuis agrandis et volontiers tournés vers (mais pas qu’eux) les textes dits difficiles ou illisibles ou complexes voire excessifs sinon outrageusement rhétoriques parfois impénétrables si ce n’est hermétiques ou obscurs et le plus souvent monstrueux par là considérés comme inadmissibles parce que très-exigeants et très-résistants et se mastiquant longtemps en bouche mentale et appartenant à la famille des « grandes irrégularités de langage ».
³La vie, l’amour, la mort, Al Dante, 2008 et Comme un fracas, Al Dante, 2009.
⁴ Shakespeare, Mac Beth, acte 5, scène 5.
⁵ La citation complète d’Italo Svevo : Je crois, sincèrement, qu’il n’y a pas de meilleure voie pour arriver à écrire sérieusement que d’écrivailler quotidiennement. On doit tenter de porter à la surface, du fond de son propre être, chaque jour un son, un accent, un résidu fossile ou végétal de quelque chose, qui soit ou non la pensée pure, qui soit ou non sentiment, mais bizarrerie, regret, une douleur, quelque chose de sincère, disséqué, et c’est tout, et rien de plus. Autrement on tombe facilement – le jour où on se croit autorisé à prendre la plume – dans des lieux communs, ou bien l’on déforme ce lieu propre à soi qui n’a pas été assez minutieusement examiné. En somme, hors de la plume, point de salut », qu’on lira dans la « Chronologie » de Dernières cigarettes, traduction de Dominique Férault, aux éditions Rivages.
⁶ J’emprunte la formule à Nadia Cernogora dans son article « L'écriture de la vanité chez les poètes français de l'automne de la Renaissance : du memento mori aux vertiges d'une poétique du vain » in Littératures classiques 2005/1 (n°256).

(Note de lecture) Anton Tchekhov, Lydia Mizinova, Correspondance avec la Mouette, par Isabelle Baladine Howald

Je t’aime moi non plus

Nina.
Personne n’a oublié Nina, la « Mouette » de Tchekhov. Mais qui se souvient de son modèle, la très belle Lydia Mizinova (1870-1939) avec qui Tchekhov (1860-1904) a eu une correspondance très intéressante, publiée ce mois-ci aux éditions Arléa dans la collection Rencontres, sous un beau portrait du Maître en couverture.
Existe-t-il deux êtres qui se soient davantage attirés et fuis … Combat inégal, Lydia, Lika, Lidioucha, dite aussi « petit melon » ou « concombre » étant plus amoureuse d’Anton, dit « petit pigeon » entre autres, que lui d’elle, bien qu’il fut sincèrement attaché à cette jeune femme pétillante de vie. Ils passent leur temps à se chamailler, à s’envoyer des vacheries, et à s’ennuyer l’un de l’autre.
Ils se rencontrent en 1889 à Moscou, elle a 19 ans et lui 29, la dernière lettre est de janvier 1900. Toutes les lettres de Tchekhov sont publiés ici et à une dizaine près, celles de Lika. Il est médecin et déjà le célèbre écrivain, elle enseigne le russe.

On ne saura pas s’il y eut une vraie liaison. Tchekhov souffle le chaud et le froid, certainement aussi séduit qu’apeuré par cette nature aussi flamboyante que versatile.
Il est de toute façon méfiant et au fond peu intéressé par l’amour.
Lika, elle, s’éprend violemment mais se protège par une grande ironie, ne ménage pas son correspondant. Nicolas Struve, auteur de la préface, et metteur de scène à l’été 2021 de cette Correspondance souligne bien le côté théâtral de la relation, c’est tout juste si on n’entend pas les reproches fuser et les portes claquer.
Elle est russe : « tout va très mal mais en même temps tout va très bien », eau et feu, lui sonde l’âme humaine et a certainement bien compris celle de Lika, qui hésite entre mille vies.
Quand elle écrit « à toi pour jamais » deux ans après leur rencontre, seule lettre où elle le tutoie, ce n’est pas du tout la même chose que quelqu’un qui écrit « à toi pour toujours », l’impossibilité est déjà posée.
Cette inégalité de sentiments pèse sur toute la correspondance et empêche certainement une plus grande profondeur. Il signe d’un cœur transpercé d’une flèche, lui fait des déclarations dont on ne sait jamais si elles ne tiennent pas juste de l’humour. Elle rétorque avec une ironie mordante, il répond « Lika ce n’est pas toi que j’aime si ardemment, ce que j’aime en toi, ce sont les souffrances passées et ma jeunesse perdue » (il a… trente ans…), puis « Je suis vôtre des pieds à la tête, de toute mon âme et de tout mon cœur, jusqu’à la tombe, jusqu’à l’hébétement, jusqu’à la folie », comment s’y retrouver…  mais cet aveu ne se reproduira plus, et elle doutera toujours des sentiments de Tchekhov qu’il n’éprouvait peut-être d’ailleurs pas vraiment… et d’après ses biographes Donald Rayfield (qui raconte que Tchekhov appelait Lika « Jamais »…) ou Sophie Laffite (ce « silence du cœur » dit cette dernière, et de le citer : « en ce monde, il est indispensable de rester indifférent »…), il eut de toute façon beaucoup de mal avec la sphère sentimentale et amoureuse et se montre facilement cruel. Ce doute est constant pour le lecteur : ils oscillent, mais jamais ne se décident complètement pour la sincérité. Quand elle dit combien ce qu’elle éprouve pour lui est profond, elle se retire aussitôt, avec une pirouette, sentant qu’elle lui fait peur. Elle est habituée, de par sa beauté, à séduire, lui est entouré de nombre de soupirantes, et pourtant, quelque chose n’a pas eu lieu, mais n’a jamais vraiment vraisemblablement eu lieu pour lui…

C’est une correspondance attachante, qui serre aussi le cœur. C’est souvent drôle, parfois bien acide, il y est beaucoup question du corps, y compris dans les tourments physiques dont ils se menacent l’un l’autre, et beaucoup moins du cœur, bien caché.
En 1893, la lettre de Lika est déchirante, elle est fatiguée de cet amour pas vraiment réciproque, sa seule inquiétude est qu’il se moque… Des années plus tard elle écrit : « vraiment, je mérite de votre part un peu plus que cette attitude blagueuse-moqueuse que vous me réservez. » mais elle sait prendre la balle au bond quand elle lui écrit drôlement : « je vous serre la patte ».

Lika devait quand même beaucoup compter pour Tchekhov puisqu’il en fera la Nina de La Mouette, personnage inoubliable et aussi éternel dans une pièce sur l‘incapacité d’aimer ou le malheur d’aimer sans retour. Finalement elle ferait sûrement un joli saut de côté en agitant son ombrelle en riant et en disant « j’ai au moins eu ça ! »
Il est vrai que ce n’est pas rien.

Isabelle Baladine Howald

Anton Tchekhov Lydia Mizinova, Correspondance avec la Mouette, Arléa, 2021 188 p., 20€

(Note de lecture) Aurélia Bécuwe, Babeluttes, par Florence Trocmé

 

Babeluttes, qu’est-ce que c’est ? Si vous êtes du Nord, peut-être le savez-vous. Eh bien c’est un bonbon ! « Une Babelutte est une sorte de caramel long aromatisé au miel ou à la cassonade originaire de Furnes dans le Westhoek » nous dit Wikipédia.
Or il se trouve que ce titre est emblématique du contenu composite du livre, composite mais très bien maîtrisé en une forme qui se tient et qui entraîne le lecteur comme dans une spirale de récits et d’échos entre passé et présent, entre soi et les autres. Et quels autres !

Ici se mêlent en effet plusieurs registres, plusieurs histoires.
Il y a la part des souvenirs d’enfance, en italique, ceux de l’auteur, petite flamande, dont l’enfance ne fut pas rigolote du tout.
Et en véritable contrepoint, provoquant donc des accords et des harmoniques, il y a les clichés sur le vif. Ils sont pris dans la classe d’Aurélia Bécuwe, (qui est aussi photographe mais qui ici use de mots), institutrice dans une zone certainement très défavorisée, auprès d’enfants aux vies plus ou moins fracassées. Cela vaut tous les livres de sociologie (le prière d’insérer évoque quant à lui Bourdieu et La Misère du monde) ce qu’elle rapporte et transmet ici et c’est profondément émouvant de voir avec quelle attention elle observe ses petits élèves et tente de les aider, à sa manière, même les plus désocialisés, ceux qui ne parlent pas, ceux qui ruent, ceux qui tapent, ceux qui crient, ceux qui cassent tout.
Relevés de situation, de mots aussi, parfois très drôles, souvent infiniment tristes tant la souffrance de ces enfants est grande.

Belle capacité de l’écriture d’Aurélia Bécuwe à alterner des pages de nature poétique, de véritables petites saynètes, des constats, des portraits, avec des trouvailles de langage jamais forcées, toujours naturelles. Tout sonne juste ici.

Je choisis ci-dessous quelques passages qui illustrent bien la richesse, la complexité de ce très beau livre.

Dans les hautes herbes, si l’on cherche bien, il y a toujours un être vivant à réconforter.
Je suis le Noé des fourmis emportées dans les ravines, des escargots desséchés, des oisillons chus, du papillon épuisé couché sur la déchirure de son aile poudrée (p. 13)

/

                                                                        22 décembre 84

            Cher journal

            Il faut écrire comme on pense tout naturellement

            Sans se pressurer le cerveau (p. 23)

/

Je pratique le texte libre. Projet d'écriture sans sujet imposé. Mention possible dans la marge : secret. Tous les genres littéraires peuvent être exploités. Pas de contraintes. J'évoque le pouvoir thérapeutique de l'écriture : vider ce qu'on a dans le ventre, mettre en mots soulage, un peu. Ils me racontent le suicide, le viol, leurs peurs, les intrusions nocturnes alcoolisées paternelles, les parloirs, la séparation, la mort, l'inceste. Je photocopie des extraits pour le médecin scolaire. Je brise le serment du secret. Et parfois j'apprends par hasard qu'une procédure est en cours. (p. 33)

/

Gabriel est mutique. Alors parfois, je me tourne vers lui et annonce triomphalement : « c'est une excellente question que tu poses là Gabriel ! » ou un « C'est tout à fait pertinent, tu as raison de le rajouter. » Il me regarde, éberlué. Ses camarades se disent qu'il a dû parler si doucement qu'ils ne l'ont pas entendu. Et puis un jour, sa main se lève. C'est une excellente question que tu poses là ! Comme souvent. (p.79)

/

Dans les entrelacs des ifs, des troncs constellés de nœuds vineux sont une échelle vers un plafond de feuille.

Le soleil éclate en un vitrail au cerne de branches.
En équilibre précaire, le dos arrondi pour me loger sous la voûte j'ai le nez dans les jambes. J’observe les croûtes fraîches ou sèches, ourlées de miel, se décollant par endroits.
Timidement je les soulève pour entrevoir la chair rose et brillante qui constituera bientôt mon nouveau genou que j'écorcherai à son tour parce que c'est mon rapport à la terre que de m’y agenouiller brutalement. Mais un jour, interdite, je constaterai qu'il n’y a plus de croûtes sur mon épiderme, plus d'enfance. (p. 128)

Florence Trocmé

Aurélia Bécuwe, Babeluttes, Conspirations | Editions, 2022, 134 p., 16€

(Note de lecture) Jacqueline Risset, 33 écrits sur Dante, par Isabelle Baladine Howald

La Signora et le poète

C’est un outil de travail essentiel qui nous est donné avec les 33 écrits sur Dante de Jacqueline Risset publié chez Nous sous une belle jaquette rouge et ivoire, illustrée avec le  profil le plus acéré de la poésie.
En effet, sont réunis ici, grâce à Jean-Pierre Ferrini et Sara Svolacchia, des entretiens avec Jacqueline Risset et des textes écrits par cette immense traductrice qui a laissé du triptyque de Dante une traduction mémorable (GF, relue et corrigée à chaque édition).

Ses premiers pas de traductrice sont ici élucidés, « parce que le texte de Dante exerçait sur sa propre écriture une pression » nous disent les traducteurs, parce que la réception de Dante en France était catastrophique et les traductions non satisfaisantes, ainsi que ses partis pris comme l’abandon de la fameuse métrique de la terza rima de Dante au profit d’un rythme qui soit équivalent en français à la vitesse italienne.
Danièle Robert, très grande traductrice aussi, pris le parti inverse dans son travail récent et c’est tout aussi passionnant.
Comme le dit Jacqueline Risset : « Chaque traduction est une histoire de sacrifices. Dans mon cas, j’ai sacrifié la couleur au rythme afin de mettre en relief l’idée de naissance continue du texte. » La langue de Dante est heurtée dit-elle, il faut donc « faire entrer cette notion de l’interruption de la langue dans la langue elle-même qui continue. »
C’est la traductibilité d’un texte qui rend possible la traduction comme on le sait depuis Benjamin, tous ne sont pas traductibles. Et la tâche est double : saisir cette possibilité et saisir cet instant qui est aussi de destruction, passage dans une autre langue avec rupture du « lien musaïque », c’est-à-dire du rythme initial.

On ne traduit pas contre d’autres traducteurs, on traduit parce que l’on sent autre chose, on est parcouru d’un frisson de rythme ou de sens encore à venir, on traduit aussi dans son époque, celle de Jacqueline Risset correspondant à la crise ouverte par Tel quel, la revue de Philippe Sollers, dans laquelle elle proposait ses essais. Rimbaud, Lautréamont, Sade, Artaud, Bataille étaient sortis du purgatoire grâce à Tel quel, la question de l’excès plutôt que celle du vide est centrale. « Une sagesse non déposée, non fixée, mais surgissante, irrévérence, actuelle » dit-elle. Cette idée de mouvement, de mobilité et même de mutation est au cœur de son travail, et qui dit mouvement, dit vitesse. Elle traduit également à ce moment littéraire précis du XXème où il y a « un certain état de la porosité de la langue poétique ». Elle accepte encore, pourrait-on dire, l‘inconscient du rythme, un moment peut-être où on ne sait pas mais où on suit ce qui se passe entre les deux langues comme en soi.
C’est son travail subtil suivant son intuition éclairée.

Le grand pourfendeur de la langue au XXème ce sera Joyce, qui a pris Dante comme modèle, « racine vivante du langage, au-delà du sens » écrit Jacqueline Risset.
Comme Beckett, très différemment, lui qui n’avait plus d’autre livre que La divine comédie sur la table de nuit de sa chambre dans la maison de retraite du Tiers-temps, où il termina sa vie.
Du whisky et Dante : rien d’autre.
Il est vrai que ces trois vers de Dante :
« Et l‘un d’eux, qui me semblait las,
Était assis, brassant ses genoux,
Et tenait entre eux le visage baissé »
évoque cette photo connue de Beckett assis, le visage baissé, les mains sur ses genoux.
D’autres aussi, auxquels elle consacre ses textes, poètes (dont des Français contemporains comme Beck ou Rueff)), cinéastes (Fellini, Pasolini) peintres (Botticelli s’échinant sur Dante durant une partie de sa vie, sans pouvoir terminer), toujours ouverte et généreuse.

Trois présupposés pour Jacqueline Risset : faire « table rase », « ni surplomb ni référence », « avant le nom… il faut creuser pour surprendre l’instant de l’énergie de l’énonciation » : au fond, « qui parle ? » nous rappelle-t-elle comme disait Lacan (on est dans les années 70 !). Voici les trois arches du travail qu’elle poursuit. Et qui parle, c’est aussi le sujet, celui qui écrit, qui traduit, et se sent convoqué, pressé, tendu en lui-même par le texte d’un autre, et le personnage central de Dante, qui a Virgile pour modèle.
Voilà la chance d’un Dante qui n’était lu que par les médiévistes, et du coup passer de la terza rima à « une tresse » longue et continue, rapide offre une lecture encore inouïe.
De l’Enfer au Paradis, voici « une tragédie à l’envers » :
«  …et dans le temps peut-être qu’une flèche
s’arrête, vole, et quitte l’arc… » (le Paradis, cité par J. Risset)

Elle explique bien sûr techniquement ce travail, en partie par la possibilité d’une actualité de Dante continue en lui-même quant au langage. Le français n’ayant pas la musicalité de l’italien, il est nécessaire d’accentuer la vitesse de celui-ci pour rendre la langue de Dante.
Jacqueline Risset a aussi compris que L’Enfer annonce Auschwitz comme Kafka annonce lui aussi Auschwitz (La colonie pénitentiaire), et ceci est toujours possible, cela reste toujours en avant de nous.
L’intérêt des écrits de Jacqueline Risset, et pas des moindres, est d’inclure d’autres lectures, comme celle de Joyce. C’est d’analyser avec sa finesse merveilleuse la présence de Dante, Balzac, chez Baudelaire, Rimbaud ou Lautréamont, et les biais par lesquels ils sont entrés chez Dante et même l’inverse, grâce à une « traductibilité permettant de toucher la modernité énigmatique de la poésie. ».

Martin Rueff, lui-même traducteur de l’italien, dans sa postface, rappelle à quel point la décision de traduire Dante pour Jacqueline Risset fut due aussi à sa surprise de voir le peu d’échos que la poésie de celui-ci avait en France, et que cela était dû aux traductions de l’époque dont « aucune ne laissait passer en français, le souffle, l’énergie, l’émotion que communique la lecture de l’original ».
Il rappelle également que Jacqueline Risset était elle-même poète et que ce fut ce souffle de Dante qui lui fit changer sa propre tessiture.
Martin Rueff dit que « Dante est notre métier à poèmes », parmi quelques autres très grands comme Shakespeare ou Mallarmé ou suivant les injonctions d’un Mandelstam : « Impossible de lire les Chants de Dante sans les attirer vers l’époque contemporaine. C’est dans cette intention qu’ils ont été écrits. Ils sont des appareils à capter l’avenir. Ils appellent un commentaire au futur ».
En somme il faut repartir de Mallarmé pour arriver à Dante, en avant de nous, une idée qui plairait à Walter Benjamin.
Le transport opéré par le rêve présent chez Dante est aussi un transport des langues l’une dans l’autre, avec ses irréductibilités qu’il faut contourner, ces voies qu’il faut inventer.
Une entreprise dantesque non au sens d’infernale (même si…) comme on l’entend toujours, mais au sens d’une liberté puissante.

Cette attraction solaire, avec sa vitesse et son mouvement, à laquelle Jacqueline Risset a su répondre, a pu attirer aussi, dans l’orbite de la liberté de cette pionnière, d’autres travaux, que Martin Rueff cite et éclaire.
Dante maintenant a une réception de plus en plus grande en France.
Cette traductrice, elle-même lumineuse et rieuse, Sybille de Dante, y est pour beaucoup.
Ce livre est une petite mine d’or, un livre étoilé.

Elle avait compris que « stelle » en italien (ce e ouvert vers le haut) étire la langue et le son alors qu’ « étoiles » en français clôt quelque chose (un e muet), mais il n’y avait pas d’autre astre possible pour la célèbre fin de La divine comédie :
« l’amor che move il sole e l’altre stelle », « l’amour qui meut le ciel et les autres étoiles ».
Là, pas d’échappatoire, mais on le sait par elle, il y a du sacrifice dans l’art de traduire.
Comme au fond, dans tout amour.

Isabelle Baladine Howald


Jacqueline Risset 33 écrits sur Dante, Nous, 2021, conçu et présenté par Jean-Pierre Ferrini et Sara Svolacchia, postface de Martin Rueff, 304p., 22€
Achevé d’imprimer le 14 septembre, jour de l’anniversaire de la mort de Dante.
Comme quoi, il faut toujours lire un livre jusqu’à la fin.

Signalons trois vidéos visibles sur Youtube, dont un témoignage de Carlo Ossola à la mort de Jacqueline Risset en 2014, une sur le site de l’Ina (entretien avec Bernard Pivot).

Entretien Jacqueline Risset, grande traductrice de Dante
2014, 23’18
Entretien avec JACQUELINE RISSET, auteur d'une traduction ...
2012, 3’55
Entretien Carlo Ossola : souvenir de Jacqueline Risset
2014, 24’37

(Note de lecture) Biagio Marin & Pier Paolo Pasolini, Une amitié poétique, par Isabelle Baladine Howald

 

Pasolini et le poète

Une belle photo en noir et blanc sur la couverture de ce livre montre, front contre front, avec un sourire proche du rire, Pier Paolo Pasolini et Biagio Marin. En effet le cinéaste (1922-1975) et le poète (1891-1985) étaient amis. Le cinéaste, plus jeune, très célèbre, et le poète qui écrivait en dialecte frioulan (plus exactement en graisan), plus âgé de près de 30 ans et peu connu, se retrouvent dans ce livre Une amitié poétique aux éditions de l’Eclat, dans une édition très solide, remarquable il faut le souligner, de Laurent Feneyrou et Michel Valensi, complété par deux textes critiques sur l’un et l’autre de Massimo Cacciari, et des notes concernant les deux amis.

Les textes de Pasolini ont été écrits sur une période de presque vingt ans, ils sont suivis de deux recueils de Marin, puis, un an après la mort tragique de Pasolini en 1975, par treize poèmes de Marin pour Pasolini, nommés Litanie. Les belles préfaces de Feneyrou et Valensi fournissent des précisions détaillée indispensables à la compréhension de ce livre composé de textes qui tiennent ainsi parfaitement ensemble ainsi qu’à celle des relations poétiques entre les deux hommes, a priori si différents et pourtant proches.

Pasolini découvre la poésie de Marin à Grado, entre Trieste et Venise, un lieu où il reviendra souvent, il la déclare « une des plus belles, plus pures, plus passionnées de ces cinquante dernières années », il en aimait la dimension dialectale (pour lui sociale), la simplicité, l’universalité. La terre et les hommes, voilà peut-être ce qui les unissait le plus profondément même si l’engagement politique de Pasolini était bien plus important.
Il n’est pas question de cinéma mais de lecture et de critique littéraire, et un Pasolini très fin lecteur se montre ici.
Soutenu plus tard par Claudio Magris dans l’édition de ses poèmes après l’avoir été par Pasolini, Marin continuera d’écrire bien que la vie, comme on dit, éloigne un peu les amis l’un de l’autre. Pasolini mourra comme on le sait sur une plage à Ostie, Marin lui adresse alors des poèmes bouleversés.

Pasolini publie de nombreux articles sur Marin dont il comprend très intelligemment aussi bien la portée que la limite. Il fera aussi une anthologie de ses poèmes. Écrivant toujours la même chose sur la même chose, sans avoir peut-être la puissance d’un très grand qui permettrait un dépassement, Marin reste « bloqué ». De tout ce qu’il a vécu, et il y eut des évènements très durs comme la mort de son fils à la guerre, il fait une sorte d’ensemble que Pasolini nomme « la Négation : une chose mauvaise, horrible, injuste : la Mort ». Tout autant « simplifié, le rapport « radieux » avec le sens l’était. » « Distance et masque » dit Cacciari, quant à lui. Cela n’est pas péjoratif comme on pourrait le croire. C’est juste en ce sens que ce que fait Marin, il le fait bien, et avec une obstination rare, tournant, oui, toujours autour des mêmes thèmes. Monotone ? Cela est bien possible. Le dialecte en lui-même n’est pas très riche. Le tout fait de la répétition et consiste en leitmotivs. Une poésie du « peu », dit Pasolini qui dit aussi sa beauté. Seulement belle ? Peut-être. Cela fait déjà un chant, auquel Pasolini lui-même poète sera sensible. La douleur de Marin est exprimée comme en surface, cependant tout le temps réitérée par la poésie. Celle-ci n’est pas minérale et pourtant ressemble à une pierre par sa dureté, son immobilité, sa présence massive et muette.

Ce qui semble une critique de la part de Pasolini est en même temps exactement ce qui fait la grandeur simple des poèmes de Marin, et Pasolini le sait aussi. Au fond peu de commentaires à faire et il en est ainsi de certains poésies, mais la lecture à elle seule ouvre sur une beauté non négligeable.

Massimo Cacciari dans sa première étude analyse très bien le fond de la poésie de Marin et les grandes différences entre Marin et Pasolini, chez qui, notamment mais ce n’est vraiment qu’un exemple, le corps est tellement brûlant, et plutôt effacé chez Marin. Dans la seconde, Poète lui aussi frioulan, que Cacciari transpose pour nous en « provençal », idée très intéressante et même formidable, Pasolini cherche dans le dialecte quelque chose comme le Verbe, avec « le génie du lieu, la quintessence du chant ».
Mais le commun entre eux est certainement le paysage et comme le dit Cacciari « le territoire ».

Isabelle Baladine Howald

Biagio Marin & Pier Paolo Pasolini, Une amitié poétique, traduit et présenté par Laurent Feneyrou et Michel Valensi, postfaces de Massimo Cacciari, Éditions de L’Éclat, 2022, 288 p., 20€
Composition précise du recueil sur le site de l’éditeur


Ils sont nombreux

Ils sont nombreux
et je suis seul :
ton rossignol
de chants désireux.

Une voix se fait onde
pour te dire le bien
quand le cœur est serein :
ils tirent à la fronde.

Amer jeûne
toujours ma pitance,
triste dans le ciel chaste
garder la bouche muette



Je chante comme roseau

Je chante comme roseau
déjà sec et ferme au bord du fleuve,
qui vibre au jeu de la tramontane
dans les nuits sans lumière.

Je chante comme un pin
les nuits de mai à la pleine lune ;
au milieu des branches bruisse le borin,
qui joue à la balançoire.

Quand le sirocco tendu et fort
avec la mer qui blanchit vient du large
je chante comme lui le chant tardif
solennel de la mort.

(Note de lecture) : Dominique Fourcade, Lettre à Eva, en mémoire de Gérard Masson, par Alexis Pelletier

Dominique Fourcade – Gérard Masson

Les éditions Chandeigne viennent de publier « lettre à Eva » de Dominique Fourcade, élégie (ou peut-être thrène) composée par Dominique Fourcade, « en souvenir de Gérard Masson et de la fille en patinette, lentement, le long du crématorium ». Et ce poème met en avant un « je », celui du poète, démuni et qui va au bout de cette dépersonnalisation qui est la marque du lyrisme de Fourcade dans tous ses écrits.

Je lis ce poème, j’écoute alternativement, les quelques partitions enregistrées de Masson qui sont à ma portée (notamment grâce à Christian Rosset) : Dans le deuil des vagues I, Pas seulement des moments des moyens d’amour… et Alto-Septuor.
Passent dans ma lecture et dans mon écoute, toute une réduction de la deuxième moitié du XXe jusqu’à nos jours. Ou plus exactement une concentration du sens et de l’émotion qui fait arriver l’instant présent dans ce chant de deuil.
Fourcade y nomme bien sûr la complicité musicale avec Gérard Masson, en évoquant aussi bien Chostakovitch que Stockhausen, mais aussi les grandes figures que sont pour lui, que sont pour leur amitié : Proust, Pasternak, Cézanne ou George Oppen.

Gérard Masson avait la capacité de juxtaposer musicalement la plus grande liberté et la plus grande contrainte dans les œuvres qu’il composait. Fourcade dans ce chant mimétique de la mort peut aussi bien convoquer, comme à son habitude, Patti Smith que Beethoven (et l’habitude n’est ici pas un reproche mais, par l’étymologie latine même, une manière de se tenir vivant dans le siècle.)
Et l’écriture accepte de se perdre dans l’épuisement du deuil qui la tient. Sans ponctuation le texte dit : « c’est quoi le sujet du livre dis-moi c’est quoi le sujet de ce galop sans objet qui s’impose ».
La réponse sans doute n’a pas à être formulée. Le poème multiplie les percées de la nature avec, au début, par exemple, l’image d’un « cortège de cerfs silencieux » auquel j’ai l’impression que répond, à la fin, un « vol de grues posthume cet après-midi, composé par toi Gérard, rien moins que le plus beau v qui soit ».

Et si le poème évoque l’idée d’écouter, comme Hadrien France-Lanord le suggère au poète, la cantate BWV4 de Bach (et sans doute sa Sinfonia), je quitte pour ma part, à la fois ce thrène et les œuvres réécoutées de Gérard Masson pour le silence de la nuit qui vient, avec cette idée comme un roc à chaque fois que survient la fin du monde qu’est le décès de celles et ceux qu’on aime : la mort nous vole tout des autres sauf l’amour que nous leur portons pour toute la vie qui reste à découvrir.

Alexis Pelletier

Dominique Fourcade, Lettre à Eva, cahier de 14 pages, 10,5cm x 15cm, Chandeigne, 2022. Pour tous renseignements, voir Éditions Chandeigne, 10 rue Tournefort, 75005 Paris.  


Gérard est parti
dans la forêt qui n’est à personne
il me précède sur un chemin de feuilles
         de chênes, de châtaigniers, de charmes,
         et par endroits d’éblouissante mousse
         étoilée

se forme, comme allant de soi, un cortège
          de cerfs silencieux
dont les bois sont ce qui manque à l'huma-
          nité d’un homme

un cortège en soie


France Musique diffusera ce dimanche 16 janvier 2022 à 20 h un concert d’archives en hommage à Gérard Masson :  En compagnie du poète Dominique Fourcade, Arnaud Merlin rend ce soir hommage au compositeur Gérard Masson, disparu le 23 décembre dernier à l'âge de 85 ans.
On peut lire aussi cet hommage de Pierre Albert Castanet à Gérard Masson publié dans Muzibao.
[Cet article est publié simultanément dans Poezibao et dans Muzibao]