Poezibao

(Note de lecture) Laurent Fourcaut, "Joyeuses Parques", par Jean Renaud

 

La couverture le dit : c’est là un recueil de “sonnets“. Près de deux cents, classés (sans excessive rigueur) en huit parties. Quant au titre, il nous prévient : il s’agira de la mort (sur quoi insiste, en épigraphe, une citation de Dominique Fourcade : “la mort a un surprenant besoin de poésie”), mais de la mort considérée avec “joie”. Cet énoncé contradictoire, tout le livre l’illustre, le développe, l’établit. Non seulement par la suite de figures, de scènes, d’objets qu’il propose, mais par la façon dont y est pratiquée cette forme par excellence qu’est pour nous le vers alexandrin — dont on peut dire qu’il est à la fois, sous la plume de Laurent Fourcaut, vivant et mourant, joyeusement mourant.
Sans oublier, dans ce titre, la part d’humour — qui est affaire, à la fois, de pensée (détachement, légèreté) et d’écriture (le jeu de mots) : joyeuses pâques.

De la matière des poèmes, ou, pour faire usage d’un autre mot, de leurs thèmes, on peut dresser, à peu près, la liste : les femmes, d’abord (qui sont partout et non pas seulement dans la partie qui leur est, selon la table, consacrée, et vers qui, sans cesse, dans les cafés, les restaurants, les rues, va le désir, le simple, l’inépuisable désir), le temps (celui qui passe, et dont on reconnaît qu’il passe à toutes sortes de signes ou d’objets, mais aussi celui qu’il fait, toujours changeant, qu’on subit ou dont on se délecte), et puis la bière, le vin, la musique, tout l’ordinaire monde où nous sommes, en ses morceaux jamais rassemblés, y compris le vulgaire, le laid, le scandaleux (la mer qui “pue la merde”, “les rues faméliques”, le “capitalisme intégral”, etc.).
Ce livre propose donc une suite de moments, de sensations. Sensations qui sont des pensées, ou plus précisément — dans ce qu’elles ont de discontinu et d’insistant — la pensée du livre. Pensée proprement épicuriste — étrangère à tout enchantement, lucide et gaie, d’une gaieté mesurée et profonde. Pensée de qui se tient devant le réel, sa simplicité sans démesure, sans mystère (“mon désir était sans fin comme sans énigme”). Ni azur ni vastes portiques ni fleuves impassibles, mais ce qui est là, avec quoi (dans quoi) il faut vivre, et qui comporte, mêlés, moments d’accablement (“la plaie qui me ronge”, “on pensait crever d’un excès d’acédie”) et moments de bonheur (“merveilleux ciel gris”, “excellent ce pinard”, “miracle un très beau derche”). Réel que nomment souvent des mots ordinaires, des mots crus, particulièrement ceux qui décrivent le corps (bide, burnes, trique, couilles, caca…).
Aussi est-ce moins la mort (comme événement, comme fait) qui est l’objet de ce livre que la vie en tant que mortelle — la vie que filent les Parques.

Mais tout cela serait peu de chose s’il ne s’agissait de sonnets et d’alexandrins — en lesquels la mort, celle des vieilles formes, se tient vivante et gaie. Par cette raison, d’abord, que le genre et le vers sont l’objet d’un travail joyeusement contradictoire. D’un côté, le sonnet dit élisabéthain, dont les règles (passons sur telles nuances) sont rigoureusement suivies. De l’autre, l’alexandrin, constamment mis à mal, en même temps que maintenu.
Il faut préciser ce dernier point, qui est passionnant. L’affaire principale est celle de l’enjambement, interne et externe. Autrement dit, celle de la conservation et de l’effacement, à la fois, de ces deux limites que sont la césure et la fin du vers. De là le décalage, mené à son point de tension le plus grand, entre partages syntaxiques et partages métriques (la phrase, d’un côté, le vers ou l’hémistiche, de l’autre). De là l’effet de prosaïsme (si nous nous laissons conduire par la syntaxe) dans le souvenir même (l’insistance) du vers.
On indiquera quelques-unes des façons (des gestes d’écriture) auxquelles recourt Laurent Fourcaut.
1. D’abord la plus évidente, la plus brutale, et que certes Laurent Fourcaut n’invente pas, celle qui consiste à couper un mot en fin de vers : “chance est ainsi donnée de se la jouer lyr / ique” ; “vrai je m’y sens tric / ard”. Ainsi s’obtiennent d’acrobatiques rimes : “il fait chou bl / anc” (choubl, trouble , double, rouble).
2. Plus subtile, moins facile à entendre dans la hâte de la lecture, se trouve ce que les traités de versification appellent césure enjambante : “sur la beauté des femmes tirer le rideau” ; “elle passe et repasse d’un pas pas lesbien » (à quoi s’ajoute le volontairement gauche et savoureux “pas pas”) ; “un soir lilas suave délavait le ciel” (à quoi s’ajoute la nécessaire diérèse “poétique” : su-ave). Ou, un peu plus rare, la césure lyrique : “Comment ne pas être détruit par ce ciel blanc ?”, “Ce qui caresse est-ce la vie est-ce la mort ?”
3. Puis l’obligation, aujourd’hui perdue, de pratiquer la liaison, sans quoi serait faux le compte des syllabes : “de bou / quins débiles [z] avec quelle avoir une touche”.
Pareille écriture, comme dit Mallarmé, “en appelle à notre délicatesse”. On reconnaît, avec bonheur, les traces les plus rigoureuses de la tradition dans l’abandon même de la tradition. On éprouve, en hésitant, l’obligation délicieuse — sauf à s’en tenir à des messages, à des thèmes — d’entendre ces vers au plus juste, ces groupes de mots (ou de syllabes) qui sont et ne sont plus des alexandrins. Il y va de l’agilité de notre oreille, et du souvenir qu’elle garde d’un patrimoine immense, là où le vers semblait, sur la page, ne se donner qu’à l’œil.
On ajoutera, sans viser à aucune exhaustivité (renonçant, par exemple, à toutes considérations sur le lexique, les jeux d’orthographe, les rimes), les pittoresques déplacements syntaxiques, par lesquels le vers (son nombre) s’amuse à tomber juste : “du Monoprix où je du Comté du saumon / achetai” ; “on sous abri n’est guère”.
On ajoutera également, hommage à de grands textes, le passage fréquent de citations, plus ou moins nettes, discrètes, rapides. Ou, plus subtilement, ce qu’on pourrait appeler des effets de citation, souvenirs déformés de vers ou de phrases. Souvenir des Antiquités de Rome : “Je ne saurais ami rivaliser d’enquête”. De Baudelaire : “J’ai passé tout le jour…” De Laforgue : “aussi est-on seul face au filasse ciel gris”. Etc.

Ainsi se joignent, dans ce recueil, à l’égard d’un pan majeur de notre tradition poétique (celui qui s’est organisé autour de l’alexandrin), dévotion et violence, irrespect et tendresse, en même temps que s’énonce une façon d’être au monde, de vivre dans ce temps, dans le temps.


Jean Renaud

Laurent Fourcaut, Joyeuses Parques, Éditions Tarabuste, 2017, 214 p., 18€. Lire trois sonnets extraits de ce livre.

 

 

(Note de lecture) Giorgio Manganelli, "Salons", par Marc Blanchet

 

L’érudition de Giorgio Manganelli (1922-1990) croise toujours l’usage de codes littéraires à un sens de la divagation qui, simultanément, met en doute, en ironie pourrait-on dire, toute forme connue. Aussi la suite de textes de Salons est à la fois de multiples approches précises (le verre, le plâtre, le futurisme, tel tyran, tel ouvrage, la photographie, l’architecture) et leur glissement dans une prose fascinante. En résultent des précipités chimiques où le lecteur admire autant les sinuosités d’un raisonnement qu’il doit consentir à des opacités, des déviations, des dérivations même, au service d’une vision de l’objet étudié. Il ne s’agit pas de consacrer l’élégance de sa propre pensée : il s’agit de la faire résonner dans des écarts, des « perversions », qui montre qu’un cerveau à l’œuvre ne saurait se contenter de circonscrire intelligemment des objets d’étude ; il doit les défaire, les démonter – les remonter aussi ; non pas pour les dire davantage, plutôt pour qu’ils deviennent tournures, jeux de mots et d’esprit, analyses plus inouïes qu’inédites, en somme phrases multiples qui en circonvolutions permettent de voir et de dévoyer. Les moindres débuts de ces textes qui semblent raconter ces approches se retrouvent pris dans un tumulte tranquille où les choses s’établissent dans un authentique vertige. L’écriture n’est alors plus que variations qui sans cesse touchent au sublime : « Le corps qui danse prend la consistance et la cohérence de rythme dansé ; le corps qui danse, le corps charnel et instable, acquiert, dans la scansion des pas et des gestes, une dureté, une indifférence, une déconcertante éternité ; mais il faut, pour exécuter ces gestes transmutants, pour faire l’expérience de cette métamorphose qui fait allusion à une mort de l’angoisse, il faut, dis-je, que le corps soit justement périssable, imprécis, labile. » Dans ce texte, Corps dansé, avant de parler de Degas, Manganelli rend à la fois dicible une perception de la danse comme il rend sensible une prose qui se métamorphose en son objet d’étude. Les danseuses du peintre y deviennent vivantes, comme deviennent sensuelles, envoûtantes, les mouvances de l’écriture, témoignant d’une connaissance des œuvres du peintre tout en étant la prose en mouvement de l’auteur, un corps dansé. Plus encore, Manganelli ajoute du trouble à la clarté même de son expression : il parvient à créer une sorte de double à chacun de ses propos, une forme d’ombre portée de ses obsessions. Sa nature polygraphe est capable de tout recevoir, d’intégrer et redonner, jamais mâché, plutôt dans l’état de dévoration continu que constitue sa prose. Ainsi l’Idée est-elle au centre de ses écrits, semblable en effet à un précipité chimique puisqu’à peine entrevue elle entre dans le terrain liquide et accidenté d’une imagination. Toutefois, il serait regrettable de faire de Manganelli un heureux, et fertile, délirant. Son intelligence est de passer de considération en point de vue, de remémoration en réflexion, de référence en analyse. Cette manière de voir dans toute chose la possibilité d’innombrables ramifications rend chacune pertinente voire essentielle. Nous en avons un exemple (tous ces textes en sont) dans l’ouverture d’un des textes de Salons, Un haricot grand comme un gratte-ciel : « Une photographie, dix photographies, deux cents, mille, mille milliards de photographies : en combien de photographies la totalité du monde peut-elle tenir ? Combien de mondes photographiques sont nécessaires pour voir tous les mondes existants et possibles ? » Manganelli ajoute néanmoins ceci : « Enfin, combien de fois le monde devra-t-il être répété pour exister dans ses propres images photographiques ? » Dans ses « fictions » (on peut penser au voisinage de Borges), l’auteur italien a toujours inventé des mondes où la narration peut dans ses diffractions se clore sur elle-même, être l’expression infinie d’un monde fermé. En ce sens, dans toutes ses productions, Manganelli agit comme un démiurge : il rend définitif cela même qu’il étudie comme une hypothèse. Aussi ce texte parvient à mettre en relation le sujet de photographie (en somme une force des détails) avec sa propre immensité (son cosmos) en tant qu’objet à méditer. Et il faut en effet bien du génie pour conclure, au-delà de la perception fantomatique d’une image photographique : « Et pourtant, le sentiment le plus intense et encore plus lumineux est que ces figures, images, ces signes qui possèdent pour nous un nom sont différents du néant d’un degré à peine mesurable ; ce sont des fantômes. Mais le néant ne parviendra jamais à déglutir la grâce décharnée et exsangue d’un fantôme, une ombre ignare d’un corps. »  

Marc Blanchet

Giorgio Manganelli, Salons, traduit de l’italien par Philippe Di Meo, L’atelier contemporain, 2018,  155 p., 20 €.

 

(Note de lecture) Deux livres d'Eric Poindron, par Jean-Pascal Dubost

 

Eric Poindron est un auteur hors normes, échappant aux canons conventionnels de la modernité, du contemporain et de l’actualité littéraire. Il est le poète gardien d’un cabinet de curiosités en ses propres lieux, à Paris, et d’un autre, dans son imaginaire poétique, et qu’il expose sous la forme de livres de poèmes ou de livres extravagants, et cela au service d’une humeur que nous qualifierons de joyeuse pour jouer avec les règles de l’art qu’il aime détourner.

L’étrange questionnaire est un livre-jeu (de rôles), et un roman d’aventures aux codes du genre explosés. L’auteur pose 60 questions aux lecteurs ; de ces questions qu’on ne se pose pas ou n’ose pas se poser ou n’ose pas exposer à l’écoute de l’autre (et qu’il a rapporté de son imaginaire ancré dans l’enfance), et invite le lecteur à y répondre, laissant un grand blanc de page pour ce faire, et y répond lui-même par des citations d’auteurs (dont il a questionné les livres), des nota bene ou des réponses personnelles. S’ensuit une série d’articles jubilatoirement lumineux, mais brouilleurs de pistes. Ainsi, de cette manière, et en amateur de Jules Verne, l’auteur, en narrauteur (fantôme d’auteur) et personnage principal, vous embarque en un tour du monde intérieur en 60 questions, en un tour de la question sans réponse, en une odyssée fantasmagorique, assavoir, et suivant une étymologie du mot « fantasmagorie » que l’auteur aime à rappeler et de laquelle se réclamer, en se réglant à « l’art de faire voir les fantômes par illusion d’optique » (orientation qui gouverne toute son odyssée d’auteur). Ainsi, au moyen d’un système ingénieux, délicat et subtil, Eric Poindron crée un monde étrange, au sens uchronique (un non-temps ancré dans un XIX^e siècle gothique), et au sens où l’entend l’écrivain de romans graphiques Edward Gauvin, celui d’uncanny (mystérieux, troublant). Le présent livre tourne autour de la notion de l’étrange comme la terre tourne autour du soleil en pivotant sur elle-même, même mouvement pour ce livre ; qui est insolite, facétieux, déroutant, que son hybridisme rend délicieusement monstrueux ; et comme la terre autour du soleil pivotant sur elle-même : on revient au point de départ logiquement autant que mystérieusement. On ne peut proposer d’extraits de ce livre, c’en serait écorcher l’énergique mystère ; mais on peut en dire et affirmer la drôlerie.

L’auteur construit son livre avec le lecteur, s’appuyant sur une érudition fabuleuse, qui est une invitation au voyage, et au partage ; celle-ci exerce alors sur le lecteur une attraction céleste auquel celui-ci peut difficilement résister.

Cette érudition joyeuse, on la retrouve dans le livre de poèmes paru au Castor Astral, Comme un bal de fantômes : il n’y est pas un poème qui ne soit hanté par un auteur, un maître, un ami, une chose curieuse. Paradoxalement, en révélant les « fantômes bienveillants » qui le peuplent (s’« il y a des monstres qui sont très bons », disait Guillevic, Eric Poindron signifie mêmement à propos des fantômes), le poète ne cherche pas à enchanter, mais à faire voir, simplement, ou à faire entendre, d’où le choix d’une poésie prosaïque, sans effet rhétorique ou lyrique, plutôt conteuse et arpentant un imaginaire peuplé et cependant réel, car selon le poète, les fantômes existent. Ainsi, chaque poème est en quelque sorte un fantascope, et encore une fois, invite le lecteur/spectateur à se laisser prendre dans les lacis d’un monde (ir)réel. Si, nous l’avons dit, l’univers d’Eric Poindron est aux bords d’un univers gothique, « uncannique », mêlant fantastique et romantisme (selon la définition d’un étrange dictionnariste nommé Johann Conrad Schweizer : « étrange, inhabituel, merveilleux, tout ce qui sort de l’ordinaire ; merveilleusement agréable, pour ainsi dire envoûtant »), on notera qu’il est issu de séjours allers-retours en enfance. En effet, la part de l’enfance, chez Eric Poindron, est essentielle, parce qu’en ce temps de l’homme où l’émerveillement fonctionne à fond il a construit son univers durable ; « le poète est un enfant qui joue », écrit-il ; « L’enfance est un Yügen/Le Mystère ». (Le yügen (1) japonais approchant l’uncanny anglais révèle le cosmopolitisme de l’érudition voyageuse d’Eric Poindron). Sans nostalgie ni mélancolie, ou alors avec une nostalgie sans regrets et une mélancolie sans douleur, il retourne en des temps du jadis et du naguère, sur lesquels il règle son compas, réactive continuellement ses émerveillements, et les réactualise. On relèvera une filiation troublante avec le fantasmagoriste scientifique Etienne Gaspard Robertson, écrivant dans ses Mémoires : « Dès ma plus tendre enfance, mon imagination vive et passionnée m’avait soumis à l’empire du merveilleux ; tout ce qui franchissait les bornes ordinaires de la nature, qui ne sont, à différents âges, que les bornes de nos connaissances particulières, excitait en mon esprit une curiosité, une ardeur , qui me portaient à tout entreprendre pour réaliser les effets que j’en concevais » (2), au point tellement qu’on pourrait bien imaginer Eric Poindron, sous influence de notre lecture, comme le fantôme de Robertson ; mais « un fantôme c’est secret ».

L’érudition joyeuse d’Eric Poindron est dans ce livre aussi une invitation ; à participer à son comme-un-bal, organisé « comme à la fête du fou et de l’âne ». Le poème-liste qui ouvre le bal du livre est à lire comme un carton d’invitation. Parmi les convives fantômes, on croisera de très nombreux écrivains, « une cohorte de joyeux camarades », parce qu’ils fascinent et attirent Eric Poindron, totalement habité par la littérature ; et il les cite abondamment, qui forment un immense palimpseste, mais parce que, lisant Eric Poindron, on croit deviner que la beauté est en palimpseste, mal visible, à deviner (ou fantasmer). En ce « bal », c’est en effet elle, la littérature,  qui est l’invitée de marque, et l’amitié, qui propose les pas de danse. La littérature et l’amitié, chez Eric Poindron, sont liées d’une même couture.

Il n’est pas étonnant que la poésie d’un gardien de cabinet de curiosités soit un grand inventaire d’objets, de situations, de citations, d’expressions, de mots (« on emmagasine des mots pour qu’un jour/ils fassent de la voltige »), ni que chaque poème-fantascope soit une micro-histoire de fantôme. Les livres d’Eric Poindron ont cela de généreux qu’ils offrent une multiplicité de lectures, s’élèvent en faux contre l’érudition austère, universitaire, pompeuse et pédante, réveillent cette part d’enfance curieuse de tout, que nous enfouissons avec l’âge ; ils invitent à reconstituer chacun son cabinet de curiosité oublié.

Poète parce que faiseur de monde.

Jean-Pascal Dubost

^{1. « Le yūgen qui peut se traduire par la beauté profonde, la beauté mystérieuse ou le charme subtil, est un concept de l’esthétique japonaise appliqué aux arts, aux arts scéniques, à la littérature et à la poésie. Le yūgen renvoie à la compréhension et l’évocation nostalgique de la beauté mystérieuse du monde. » (source Wikipedia)}
2. Etienne Gaspard Robertson (1763-1837), Mémoires récréatifs , scientifiques et anecdotiques du physicien-aéronaute E.G. Robertson, T.1, chez l’auteur, 1831


Eric Poindron
L’étrange questionnaire d’Eric Poindron
Les Venterniers & Le Castor Astral, 2017
128 p., 14,90€
&
Comme un bal de fantômes
Le Castor Astral, 2017
240 p., 17€

 

(Brèves de lecture) Luc Bénazet, Serge Pey, Pierre Chappuis

Trois notes brèves de lecture :
Luc Bénazet, Incidents, par Camille Brantes
Serge Pey, Mathématique générale de l’infini, par Antoine Emaz
Pierre Chappuis, Battre le briquet, par Laurent Albarracin



Luc Bénazet
Incidents
Éditions Nous
2018, 96 p., 15€ - lire ces extraits

Après nÉcrit (2009), La vie des noms (2013) et Articuler (2015), Luc Bénazet poursuit sa collaboration avec les éditions Nous et livre avec Incidents une tentative de conclusion poétique personnelle - c’est à dire l’éclosion d’une forme, d’une voix propre.
« C’est comme donner à manger des pavés à un affamé ou tenter de pêcher avec un filet pourri! ». En exergue, la citation d’Alexeï Kroutchenykh ouvre le chemin et place ce qui va suivre dans une filiation - pas nécessairement fictionnelle. A un siècle d’intervalle avec le poète russe, l’auteur renoue avec le mot en tant que tel, l’organisation des sons par et pour eux-mêmes, pour dire et non parler.
Si dès nÉcrit Luc Bénazet avait déjà montré son goût pour les hiatus, il pousse ici le travail formel bien plus loin. Mais pour radical qu’il puisse paraître, Incidents évite les pièges du jusqu'au-boutisme, sa lecture révélera une écriture très liée - voire fondue. La langue glisse, s’écoule, s’hydrate, on croit être entrain de se noyer, on veut respirer avec le poète le mot qui vient et c’est alors que la phrase apparaît. Radeau de fortune. Bouée de sauvetage. 

le mot,
uq i sui qiu qsui qui suit
du côté opo oppopse opposé
à la soucde à laz à la source dsu du so, dju du ns po, du osn
`du son

Incidents est un long poème que l’on active ; sans manuel, sans partition, qui n’impose rien et qui, se posant sur la page, sans rature ni correction, dans un bégaiement, un tâtonnement, décrit la réalité de la langue : énoncer le secondaire pour aller à l’essentiel.

Camille Brantes



Serge Pey
Mathématique générale de l’infini
Editions Poésie / Gallimard
2018, 432 p., 8,30€

Tout comme il y a des poèmes de tête et des poèmes de corps, il y a des poèmes d’oreille et des poèmes d’œil. Avec toutes les possibilités intermédiaires, évidemment. Pey fait partie des poètes, comme Velter ou Bianu, pour lesquels le livre, la page, ne sont pas vraiment une fin. Ils seraient plutôt trace d’un dire, diversement modulé mais d’un accomplissement sonore qui a eu lieu ou est promis, si on prend le temps dans l’autre sens. Pour Serge Pey, on pourrait parler d’une profération, débauche de vie et d’énergie, parole festive ou révoltée, entre rituel et urgence. C’est remarquable, orgueilleusement puissant, envoûté-envoûtant, magique, initiatique…. Ramassée dans l’énergie d’un acte, la poésie de Pey s’abouche à la vie « simple » autant qu’elle renoue avec de l’archaïque, individuel et collectif. Maniérée autant qu’efficace, elle est dans son ordre autant qu’elle appelle au désordre, une sorte de fond primordial. Voir et entendre le poète en action est essentiel. En ce sens la trace écrite seule, telle qu’en ce livre, peut sembler insuffisante. Mais elle a le grand mérite de témoigner d’un long parcours de 40 ans qui reste indéniablement singulier dans sa constance, ses moyens et sa réalisation.

Antoine Emaz



Pierre Chappuis
Battre le briquet, précédé de Ligatures
Éditions Corti
2018, 169 pages, 18 € - parution le 26 avril - lire cet extrait

Le livre tout entier file volontiers la métaphore du titre : « battre le briquet », c’est s’obstiner à la réflexion sur la langue dans l’espoir qu’en jaillisse une flamme. Pierre Chappuis n’a pas son pareil pour ce qui est de mettre en doute son propre travail et par là même le remettre en chantier et en risque, et le faire vibrer au diapason d’un impossible. Publiées dans une collection placée sous les auspices de Gracq, les notes qu’il accumule comme pour se débarrasser d’un trop plein dans le langage, se font bien en lisant, en écrivant, dans un effort et une application qui requièrent autant la lecture des classiques et des contemporains (on passe dans la même phrase de Joubert à Tellermann, avec une prédilection pour les écrivains vaudois, de Ramuz à Gustave Roud et Jaccottet) que la mise en demeure adressée à sa propre écriture. Certains fragments s’attachent à caractériser un paysage ou une émotion musicale. Le goût un peu âpre de l’exigence, que Chappuis cultive vis-à-vis de lui-même et de sa poésie, ne se départit jamais d’un ton d’hésitation qui l’éloigne absolument de toute arrogance. Sa phrase parsemée d’incises et de scrupules se corrige et s’excuse à chaque instant. Chappuis interroge son travail : il prête ainsi à sa prose la forme parfaite, ouverte, inachevée qui est celle aussi du poème.

Laurent Albarracin

 

 

(Note de lecture) Ceija Stojka, "Nous vivons cachés", par Vianney Lacombe

 

Ceija Stojka : parce que née rom

Nous vivons cachés rassemble des récits écrits par Ceija Stojka en 1988 et 1992, enrichis de deux entretiens de l’auteure avec la documentariste Karin Berger, qui a accompagné Ceija tout au long de son travail de mémoire. Née en Autriche dans une famille rom, Ceija Stojka est déportée avec toute sa famille dans plusieurs camps de concentration pendant la guerre et elle est délivrée en 1945 par les Anglais avec sa mère et quatre de ses frères et sœurs. C’est ça le monde ? est le récit de la déportation de cette petite fille, écrit quarante ans plus tard par l’adulte qu’elle était devenue et dont personne dans sa famille ne comprenait la démarche. Elle dit elle-même que lorsqu’elle a commencé à écrire ce récit, « les souvenirs me sortaient en trombe. Après je me suis dit : voici la vérité, tout est accompli. » Le ton du livre est donné : il s’agit de raconter ce qu’a vu et ressenti une enfant d’une douzaine d’années, condamnée à disparaître dans les camps de la mort, parce que née rom. Elle n’a rien oublié. L’écriture permet à Ceija de nommer les atrocités subies par la petite fille qu’elle était, et elle trouve dans le langage le moyen de donner forme à ce chaos dans lequel elle avait été précipitée. Elle s’appuie sur la vue de ce qu’elle a vécu pour nourrir son travail d’écriture avec les sensations d’une petite fille de douze ans, et ce témoignage est d’autant plus fort que nous restons toujours à la hauteur des yeux de cette enfant qui subit la violence des évènements et nous les restitue habillés d’uniformes, de bottes, de mitraillettes, blocs de cruauté qui ont pouvoir de vie ou de mort sur les prisonniers des camps de concentration. Chaque instant vécu par Ceija est une lutte perpétuelle pour la survie, et c’est de l’intérieur de chacun de ces instants qu’elle nous décrit la vie des camps avec l’intensité terrible de celle qui peut disparaître dans la minute suivante et qui donne à ce qui l’entoure une éternité fugace dont elle garde la mémoire. Ce que nous fait voir Ceija Stojka dans ce récit, c’est la distance qui nous sépare de là-bas, où elle est encore, où elle ne sait pas si sa mère sera encore là demain, où son petit frère meurt du typhus ; elle nous montre ce qu’il est insoutenable de faire subir aux enfants, elle le subit, elle n’arrête pas de nous fournir des détails de sa sincérité, elle ne peut pas abandonner l’enfance qu’elle a vécue sans nous la redonner entière.
Voyage vers une nouvelle vie est le récit du retour à la vie normale de cette famille rom dans l’Autriche d’après-guerre, les difficultés de réinsertion, les vexations, les humiliations, mais aussi le bonheur de ne plus être cette enfant qu’elle avait été, mais une femme libre qui s’éloigne peu à peu de la guerre et des souffrances dont personne ne voulait plus parler, mais que Ceija ne pouvait oublier.
Les entretiens avec Karin Berger permettent de mieux connaître les difficultés qu’elle a dû affronter au sein de la communauté rom pour faire accepter ses écrits, volés sur le temps où elle devait s’occuper de la maison, parce qu’il n’était pas acceptable qu’une femme se soustraie à ses obligations familiales pour des gribouillages. Parallèlement à ce travail de mémoire dans l’écriture elle développe un travail de peinture dans lequel elle peut insérer, au milieu des horreurs subies, son amour de la nature, des grands ciels d’hiver, et de l’herbe qui pousse au pied des cheminées des fours crématoires. Cette humanité est sensible dans le cahier central dans lequel nous voyons des photographies de Ceija et de ses proches, extraites des archives familiales, ainsi que celles de Ceija Stojka elle-même, grande artiste, grande vivante, grande femme.

Vianney Lacombe

Ceija Stojka
Nous vivons cachés
Récits d’une Romni à travers le siècle
Traduit de l’allemand(Autriche) par Sabine Macher
Suivi de deux entretiens et un essai par Karin Berger
Editions isabelle sauvage
296 pages, 27€

Exposition Ceija Stojka, une artiste rom dans le siècle
La maison rouge
10 bd de la Bastille 75012 Paris
Du 23 février au 20 mai 2018

Lire deux extraits de ce livre

 

(Note de lecture) Olivier Domerg, "Treize jours à New York, voyage compris", par Jean Lewinski

 

Ce livre est-il à lire ou à relire ? Oui, absolument. On passe au suivant ? Non ? Ah, vous voulez qu’on vous séduise, vous voulez du sens, de la beauté, de la musique, bien, c’est parti :

Les écrivains voyagent et savent voyager, lisant Olivier Domerg, on se dit, on aimerait avoir — ses yeux —. Greffe minute. OD organise. Il a un côté « tour opérateur » : réservation, vérification des bagages, enregistrement, plan de vol, itinéraires, entre les passages obligés et les chemins de traverses, les marches forcées er les pauses, les attentes, les observations. Il y a toujours un enquêteur qui sommeille en chaque écrivain, un goût des indices et des empreintes. Alors quel prétexte pour s’autoriser à écrire, à laisser une place dans les airs ? Le paysage. Le paysage comme suspect numéro un ?

OD sait voir, l’œil instantané, et il considère le paysage comme une épreuve, forme de défi, comment le décrire pour vivre à côté, en bonne intelligence avec, puis, de temps à autre, y prendre part, y apparaître, accessoire au détour par exemple d’un souvenir, d’une prise de vue de Brigitte Palaggi.

OD éprouve le paysage, lui fait passer des tests grandeur nature, le vérifie sur place, il voit grand, il voit New York, la ville-cliché. Comment s’en sort-il ? Amusé et non pas au musée (comme il serait lui-même tenté de l’écrire, ayant un goût prononcé pour les dérapages). D’une ville maîtrisée, dessinée, projetée, connue d’avance, il nous donne des vues, il nous donne vue sur New York et, comme les écrivains sont, non des visionnaires, mais des voyeurs, disons une fois la vérité, OD nous rend la vue et nous en sommes tout excités.

Le livre se compose en quatre parties : Prologue (Sas) 14 p., Action ou texte (N.Y. littéral) 88 p., Epilogue ou finale (Ce qui te reste de New York) 34 p., Notes (Treize photographies ou temps de prose) 13 p. La mise en page et la typographie jouent un rôle dans la lecture du texte, mais je ne m’y attarderai pas. Dire seulement qu’elles ajoutent une élégance au texte, une forme de clin d’œil, mais n’entravent pas la lecture, le texte est toujours accessible, on sait où lire, on suit le guide.

On sera entre le 14 et le 26 mai 1997. Ou la grande fabrique des alibis. OD s’envole, traverse le ciel et voit le sol défiler, se dérober, disparaître dans les nuages. Marignane, Munich, New York. Classe plein-ciel. Moyens et grands courriers. On est à son bord. Monologue extérieur. Quadrillage, cartographie, mise en regard, on est à mille, deux milles pieds. On flotte. On frotte : turbulences et orages vus de haut. OD prend en note tous les orages et trouve les mots justes, ne s’étale pas, n’en fait pas des tartines. Il est français, alors à peine arrivé chez les Anglo-Saxes, il se fait rappeler à l’ordre, n’ayant pas respecté le marquage au sol et autres passages protégés. Il doit tout déclarer.
OD connaît Ponge, connaître c’est savoir ce que l’on doit et prendre sa liberté. OD connaît Perec, connaître c’est revenir sur les pas d’un autre et garder vivante la mémoire. OD ne parle pas de Cendrars, écrivain, journaliste, voyageur, manchot adroit, touche-à-tout un peu oublié, qui pourtant sous des grandes tirades lyriques a su croquer son temps et reconnaître ses peintres contemporains. OD a deux bras mais ne parle pas de Cendrars, mais j’en avais envie et je me prive de rien.

Les parties du livre se répondent, à l’intérieur même d’une partie se trouvent des échos, des variations, des mini-événements et des grandes lames de fond, on est porté par son regard, on est parcouru de son New York. Le langage du mouvement, des errances, des promenades et des visites, le langage du métal, du verre et de la pierre, le langage de l’architecture, des structures, du flux, briques, ponts, escaliers, fenêtres, rues, avenues, seuils, transparences, disparitions, jardins publics, s’y reposer, s’y retrouver, s’y détendre. Jeu des respirations. OD s’exerce, comme les grands musiciens s’échinent à s’échauffer, à se mettre en jambes, à inventer des gammes. Tout est déjà musique, contribue à constituer un ensemble, à faire ensemble. Ses notes sur le vif ont emprisonné de ces bulles d’air, détails mémorables, éclairs volés à la routine des rues, des passants.

Ma préférence va à la partie Ce qui te reste de New York, mais cette partie ne pourrait être préférée si l’on avait lu avant Sas et N.Y., littéral qui nous y préparent, nous y amènent. Ce qui te reste de New York, c’est le regard en arrière, la réflexion, le retour, entre réflexion et pondération, distance et regret. L’impression que tout s’échappe, qu’il faut la répétition pour tout ranimer encore une fois, se convaincre d’avoir bien été présent, alors il n’est plus seulement question de l’acuité du regard, de la pertinence de l’expression, de l’habileté de l’écrivain qui tourne sa phrase, la fait briller, mais d’une forme de dialogue de l’urgence, voix intérieure, une intimité brute, sans fard où tout ce qui reste est tout ce qui reste et que cela fait peu, mais que l’on chérit ce peu, et qu’au final, on avait peut-être été un peu aveuglé par cette abondance, ce faste, ces lumières, ces immensités, et que nous restent seulement des bribes, des insignifiances qui peuvent émouvoir, justement parce qu’elles ne sont pas trop chargées de sens, non saturées de discours, pas épuisées par le regard des touristes et des films.

Les treize photographies de Brigitte Palaggi, en fin de volume, fonctionnent comme. Comme des citations du texte, on fait des rapprochements, on se souvient. Comme des compléments, donnant un hors-champ à la voix du voyageur. Comme des mises au point, des ajustements, des rectifications, montrant que quelle que soit la version que donne Olivier Domerg de sa vision, version linéaire ou remise en forme de textes architecturés, il exagère un peu, beaucoup ou pas du tout, façon complice de Brigitte Palaggi de lui dire : je t’ai vu, flagrant délit d’affabulation et de débordement, mais j’aime comment tu mens. Les treize et belles photographies de Brigitte Palaggi ne prouvent rien, elles sont des allusions, elles cachent l’évidence, elles préservent la distance, elles mettent en garde sur leur trop grande netteté et qualité de tirage.

Saluons au passage, Franck Tallon, pour la belle conception graphique de cet ouvrage, et Le Bleu du ciel, pour la qualité et la fidélité de cette réédition. Et rappelons que celle-ci a été initiée par l’éditeur, en décembre 2017, à l’occasion des 20 ans de ce voyage et à l’occasion de la création du livre sur la scène de la Maison des Jeunes et de la Culture de Martigues, le 8 décembre dernier, par l’auteur, la photographe, les comédiens Laure Ballester et Christophe Roque et le poly-instrumentiste et compositeur Philippe Festou.

Jean Lewinski




Olivier Domerg, Treize jours à New York, voyage compris, éditions Le Bleu du ciel, 2017, 160 pages, 15 €. Avec treize photographies en noir et blanc de Brigitte Palaggi. (Première édition : juin 2003, deuxième édition : décembre 2017. En librairie depuis février 2018).

Signalons également la parution, après Le temps fait rage aux éditions Le Bleu du ciel, des deux premiers volets de La condition du même, triptyque qu'Olivier Domerg a consacré à la montagne Sainte-Victoire : La Sainte-Victoire de trois-quarts qui vient de paraître aux éditions La Lettre Volée et Onze tableaux sauvés du zoo, qui paraîtra, quant à lui, à l’Atelier de l’agneau éditeur, en avril 2018.

Liens pour Treize jour à New York, voyage compris : 1, 2, 3
Une vidéo

 

(Note de lecture) Lucien Noullez, "Les Travaux de la nuit", par Bernard Bretonnière

 

Il y a toujours, chez Lucien Noullez, dans chacun de ses poèmes, une formule, un appariement de mots que le lecteur n’attend pas et dont la surprise se révèle aussitôt cadeau. Formules et appariements inhabituels, donc, inusités et inédits, mais jamais fabriqués, recherchés ou gratuits, non, parce que justes et décalés, sensibles et complices, posant sans appuyer le doigt là où il faut. Par exemple, cette « patience laiteuse » des vaches, ou le « tricot des tendresses », « l’huile du sommeil », « les grottes calcaires du sommeil », « l’humeur hilare des dauphins », les « matins sans remorques », « l’heure du vide », « le torrentiel chahut des rêves », « la science du chagrin », « le charivari de mourir », « une petite tasse de silence », « l’archet de la douceur », « le vent tiède de la beauté », « la pluie légère des phalanges » (quand elles caressent).

Jamais les poèmes de Lucien Noullez ne se haussent du col. Ils naissent d’une émotion ou sensation simple, d’une anecdote ou pensée modeste dont ils entendent éclaircir le sens et fixer la trace sans courir aux grands mots ni « pousser des colères de feu ». En sorte que, « sans pleurer », une mélancolie tendre, et volontiers narquoise, est toujours préférée au tragique (comme sont préférées les petites bêtes aux grosses) pour mettre en scène le « petit monde » de l’auteur et témoigner, considérant en face le « monde immense », de l’universelle condition humaine dans laquelle, tous, nous « barbotons » – et tous nous allons mourir « et puis / hop, oublié[s] comme les autres ».

Ainsi, l’érudit en musique ne pontifie pas, pas plus que le croyant n’évangélise ; sa foi chrétienne assumée n'exclut jamais le doute (« Mon Dieu, si vous n’existez pas, / faites un effort […] J’ai encore perdu la foi ») et se vit dans l’ouverture de la plus généreuse tolérance (en quoi gênerait-elle donc l’agnostique que je suis, en quoi serait-elle risible pour un lecteur athée ?) Rien, chez lui, des certitudes triomphantes ; une pente pusillanime, ou aquoiboniste, sinon sage (l’âge mûr sait parfois régler leur compte à l’impatience, à l'amertume, à la jalousie, au ressentiment et à la colère), le retient même de bouger quand tout s’agite, de vouloir « changer le monde » ou le délivre d’un besoin de bonheur ; et pourtant : « on continue, / rien que pour voir ». Quant à sauver le monde, sa connaissance de lui-même et de ses – humaines, trop humaines – petites lâchetés (« j’ai préféré m’enrouler dans les draps ») l’enlève à toute illusion. Enfin, face à tant de choses, les fleurs comme le robinet en panne, le poète sait dire qu’il ne sait pas.

On l’aura compris, l’humilité est constitutive de la nature et de l’écriture de Lucien Noullez :

« Il y a trop à dire
et je n’ai rien à avancer ».

Sans doute y a-t-il, chez ce Bruxellois, quelques (beaux) restes de surréalisme belge (que j'aime tant), de cette fantaisie dynamitant tout esprit de sérieux. Mais il y a aussi une profondeur rien de moins que métaphysique, et miraculeusement légère. Parfois, Michaux semble proche, cousin d’un désespoir souriant, façon pirouette, comme dans ce « Cherchez ailleurs » du petit humain qui fait un trou dans la glace, dans le noir.

Qu’il soit permis de regretter, et vivement, qu’un recueil d’une pareille farine n’ait pu paraître chez un éditeur patenté susceptible d’assurer sa publicité, sa distribution et sa diffusion*. On rappellera que les précédents ouvrages de Lucien Noullez avaient été fidèlement publiés et défendus par Vladimir Dimitrijević (L’Âge d’homme) jusqu’à la mort accidentelle de l’éditeur, en 2011.

Bernard Bretonnière

Lucien Noullez, Les Travaux de la nuit, poèmes, Bruxelles, Éditions du Pairy, 2018, 81 pages, photo de couverture, Marie Peltier. Sans ISBN, ni achevé d’imprimer, ni prix (autoédition).

* Pour acquérir ce livre : versement de 17 € (envoi compris) au compte BE 49 2100 4862 8071 (code BIC : GEBA BE BB) des Éditions du Pairy (boulevard de la Révision 27 – 1070 Bruxelles – Belgique) avec la mention : « Les Travaux de la nuit » (pas de possibilité de chèques pour la France) ; ou s’adresser à : [email protected]

 

 

(Brèves de lecture) Emmanuel Merle, Cédric Le Penven, Rainer-Maria Rilke

 

Trois « brèves de lecture » :
Emmanuel Merle, Démembrements, par Alexis Hubert
Cédric Le Penven, Juste un arbre Juste, par Jacques Morin
Ainsi parlait Rainer-Maria Rilke, par Isabelle Baladine Howald


Emmanuel Merle, Philippe Agostini
Démembrements
Éditions Voix d’encre, 2018, 95 pages, 19€

« Mon corps est un pays démembré, un assemblage désolidarisé » (page 10): voici le sombre constat qui ouvre ce recueil d’Emmanuel Merle, dont le corps des poèmes est soumis lui aussi au morcellement ; souvent autonomes, hybrides entre prose poétique aux multiples rythmes phrastiques et précipités de vers abrupts et sans ponctuation, les poèmes forment un ensemble de démembrements par les reprises de livres pauvres et livres d’artistes avec des peintres, comme autant d’expériences fragmentaires du monde traversés par le corps, le regard, le geste et la couleur, la nécessaire présence de l’autre. La recherche de cette présence - le recueil dont l’exergue est emprunté à Yves Bonnefoy est pénétré de l’influence du poète, et l’on retrouve certains de ses motifs comme le don, le vrai lieu, l’au-delà de Merle qui fait penser à l’arrière-pays…) ne se départit en effet jamais d’un certain « effroi » quant à l’impossibilité de « coudre nos existences »(page 29) à un infini de l’instant, sans cesse troué par l’absence, le silence, l’oubli et la mort. Tout l’enjeu de l’écriture est alors de remembrer, pour « se souvenir que l’attraction qui nous cloue n’empêche pas la poussée du sol »(page 23), façon d’accompagner les mouvements baroques d’un phrasé en autant d’élancements de mots qui font déborder la parole et lui donner la dimension d’une voix, qui peut alors traverser le corps des autres, les souvenirs enfouis, les mutités de la nature, en autant d’échos, d’espaces vibratoires et de circulations sonores, pour peut-être, encore une fois, fugitivement, « accéder au mystère que d’être emporté jusqu’au nord brûlant du nouveau jour et espérer en vain un air aussi rare qu’une parole vraie »(page 61).

Alexis Hubert

*

Cédric Le Penven / Jean-Gilles Badaire
Juste un arbre Juste
Æncrages & Co, 2018, 21€

Le point de départ, c’est le dessin d’un arbre de Jean-Gilles Badaire adressé à Cédric Le Penven, qui lui rappelle sa part de travail, comme la taille des fruitiers que l’auteur connaît bien, et qui convoque surtout sa faculté de rêverie. Toujours l’imbrication entre ce qu’il vit et ce qu’il écrit. La prose pose petit à petit le poème. Cet arbre, c’est le visage du peintre. La correspondance est manifeste entre les traits de l’un et de l’autre. Le poète possède cette façon d’incarner la chimère, avec sa droiture et sa paternité revendiquée. L’énigme de cet arbre face à moi, du visage de mon fils. Cet arbre représente à l’évidence la nature dans laquelle l’écrivain se trouve chez lui, loin de l’étouffoir des villes et des leurres de la société de consommation. Cette auscultation du monde alentour revient à prendre le pouls de son existence. Il reste le titre avec des majuscules aux Juste répétés. Origine du poème d’un côté et de l’autre la beauté qui fait tout le prix de sa poésie.

Jacques Morin

*

Ainsi parlait, also sprach Rainer Maria Rilke
Bilingue français-allemand, traduit de l’allemand et présenté par Gérard Pfister.
Arfuyen, 2018, 176 p. 14€


Dans la collection « Ainsi parlait… », collection d’extraits en introduction à une œuvre et qui regroupe à présent 8 titres, Arfuyen propose un Ainsi parlait/also sprach Rainer Maria Rilke. C’est le Rilke préoccupé de spiritualité et d’éthique qui est ici traduit par Gérard Pfister, qui consacre également une préface émouvante et profonde à ce recueil. Il nous rappelle l’engagement moral du poète tout au long de sa vie, son choix de solitude et de travail, ses difficultés de création et le jaillissement des Élégies de Duino ou des Sonnets à Orphée… La figure de Wera, une amie de sa fille, décédée très jeune de leucémie, maladie dont mourra Rilke lui-même plus tard, hante ces pages. Un travail d’anthologie de ces « dits et maximes de vie » est mené, chronologiquement. C’est l’occasion de retrouver l’éblouissement que cette poésie procure : « Rose, ô pure contradiction, désir / de n’être le sommeil de personne sous tant de / paupières ». Épitaphe de Rilke, enterré dans le Valais, et pur poème.

Isabelle Baladine Howald

 

(Note de lecture) Haroldo de Campos, "De la raison anthropophage", par Marc Blanchet

 

Poète et critique brésilien, engagé dans l’aventure de la poésie concrète, Haroldo de Campos [1929-2003] ne sépare pas son activité d’écrivain de ses nombreuses traductions qui visent à devenir recréations, donc un Art possible, faisant du texte nouvellement établi « l’original de la traduction », selon les termes de Walter Benjamin, présent dans ces cinq textes inédits dans une constellation comprenant Pound, Mallarmé et Joyce entre autres. D’emblée deux questions sont posées : « Qu’est-ce que la Modernité ? », et « Comment être un écrivain brésilien tout en autant dépositaire d’autres littératures au passé multiple et ancré dans le temps » ? Les deux questions trouvent réponse dans le titre même du recueil : De la raison anthropophage. Cette dévoration avouée ne se teinte pas de raisonnable ; elle éprouve plutôt sa raison d’être, l’affirmation de sa nature, d’être plus qu’une culture ou une érudition au service de la naissance d’une littérature brésilienne : une digestion originale de la littérature européenne, avec un appétit mêlé d’intelligence – et de lucidité. Ces écrits naviguent entre analyse des enjeux de cette digestion et affirmation de la poésie concrète, en regard de modernités musicales (Boulez et Stockhausen en tête) et littéraires (là, les modernités sont encore plus nombreuses : de Mallarmé à Queneau, en passant par les dadaïstes). L’histoire littéraire brésilienne ne saurait être le dépôt aimablement renouvelé par de fortes personnalités souligne Haroldo de Campos : elle est déjà là. Il faut donc la faire reparaître, la repenser, la poursuivre. Pour beaucoup de lecteurs, ces pages seront des aimantations vers des œuvres parfois inédites en France (rappelons Galaxies de Campos paru à La Main courante, par la même traductrice en 1998). Le poète Oswald de Andrade permet ainsi pour Campos de désigner cette raison anthropophage : « À mon avis "Le Coup de dents" d’Oswald de Andrade, sa dialectique "maxillaire", sa manière de se confronter au legs de la civilisation européenne, signalent un fait nouveau dans la relation Europe/Amérique Latine : les Européens doivent apprendre à coexister avec les nouveaux Barbares qui, depuis longtemps et dans un contexte alternatif, les dévorent et font chair de leur chair et os de leur os, qui depuis longtemps sont en train de les resynthétiser chimiquement à travers un métabolisme de la différence impétueux et irréversible (et pas seulement les Européens ; des ingrédients orientaux, hindous, chinois et japonais entrent dans l’alambic "sympoétique" de ces néoalchimistes, chez Tablada et Octovia Paz ; dans les "sentiers qui bifurquent" de Borges et dans les rites initiatiques de l’Elizondo de Farabeuf ; chez Lezama et Severo Sarduy ; chez Oswald et dans la poésie concrète brésilienne, par exemple). » Ce long passage permet de mesurer, outre l’esprit supérieur qui écrit ces lignes, des enjeux qui ne sont pas un aimable métissage et des recherches qui nous reviennent aujourd’hui, bousculant notre propre capacité d’assimilation. La puissance de réflexion de Campos est de naviguer avec clairvoyance dans les eaux mouvantes de la Modernité, d’être capable d’établir une histoire à la fois brésilienne, européenne et mondiale de la poésie qui prolonge Le Coup de dés mallarméen : « poème constellaire, dans la dissémination de la forme, [qui] rompt la clôture de la structure fixe et strophique, disperse la mesure traditionnelle du vers » hors du « modèle épico-aristotélicien » et « la linéarité de de la conception classico-ontologique de l’histoire ». Cette ouverture vers la Modernité représente en quelque sorte l’histoire passionnée de ces anthropophages qui ne sont pas de bons sauvages, plutôt des écrivains à même de mener une « transvalorisation », une vision critique de l’Histoire « autant capable d’appropriation que d’expropriation, de dé-hiérarchisation que de déconstruction ». On pourrait dire que De la raison anthropophage est tout sauf un livre mou et on n’aurait pas tort : cette pensée éprouvée par des interrogations et prouvée par les ouvrages des poètes concrets brésiliens n’a rien perdu de sa vérité par son regard critique envers la poésie, en résonance notamment avec la musique (de belles pages sont consacrées à la pensée de Boulez). Mieux : notre modernité, à l’aune d’un synthétisme ambiant, demande d’être agacée pour la naissance de formes nouvelles, inscrites autour des années cinquante comme désir et nécessité par Campos et ses compagnons, dont ce livre cristallise la haute aventure intellectuelle.

Marc Blanchet

Haroldo de Campos, De la raison anthropophage, Traduit du brésilien par Inês Oseki-Dépré, Éd. Nous, 2018, 140 p., 18 €

 

(Note de lecture) Revue "Europe", numéro Yves Bonnefoy, par Alain Paire

 

Mars 2018 : avant la parution du premier tome de sa Correspondance, un numéro d'Europe autour d'Yves Bonnefoy.

A propos d'Yves Bonnefoy, les articles critiques,  monographies, actes de colloque et numéros spéciaux de revue sont d'ores et déjà extrêmement nombreux : Europe avait publié en juin 2003 un premier ensemble dirigé par le poète italien Fabio Scotto, un Cahier de L'Herne dirigé par Odile Bombarde et Jean-Paul Avice paraissait en 2010. Ce second cahier d'Europe est conduit par Michèle Finck, auparavant coresponsable de trois ouvrages collectifs issus de colloques, Yves Bonnefoy, poésie, peinture et musique (1995), Yves Bonnefoy et l'Europe du XX° siècle (2003) et Yves Bonnefoy, poésie et dialogue (2013).

Plusieurs des articles réunis dans ce cahier évoquent le dernier livre de Bonnefoy, L'Écharpe rouge, méditation autobiographique axée sur une ultime anamnèse du poète qui éclaire plusieurs passages des Planches courbes. Personnage pudique et taciturne, ouvrier-monteur dans les ateliers de la SNCF de Tours, pratiquant volontiers en compagnie de son épouse le parler patois en vigueur dans son village d'origine - Toirlac dans le Lot - Elie Bonnefoy, le père du poète, mourut en 1936. Son fils aura attendu la fin de sa vie pour exprimer un remords longtemps passé sous silence : quand Yves Bonnefoy décida de sa vocation d'écrivain, ce fut en partie pour réparer le mutisme de son père.

Parmi les textes qui figurent dans ce numéro d'Europe, on peut détacher deux contributions : Jérôme Thélot fait de Jean-Jacques Rousseau l'un des inspirateurs majeurs de la pensée et de la langue de Bonnefoy, Alain Madeleine-Perdrillat évoque ses écrits sur la peinture et  sa critique de l'image. À quoi s'ajoute une réflexion plus étroitement biographique menée par Jean-Yves Masson qui établit ce qu'on pourrait appeler « le grand combat » d'Yves Bonnefoy, son positionnement dans la littérature  de son époque : « Nous avons connu avec Yves Bonnefoy un maillon essentiel d’une chaîne qui remonte au moins à Baudelaire et Nerval, passe par Rimbaud et Mallarmé, puis par Apollinaire, puis par Jouve : un feu s’est transmis qu’il a porté haut, et qui ne s’éteint pas avec lui. »

Pendant les prochaines années, la bibliographie consacrée à Bonnefoy devrait s’amplifier considérablement. Deux événements éditoriaux, beaucoup plus conséquents que la parution de L’écharpe rouge, risquent d'être redoutablement productifs. Fin mars, chez Belles-Lettres, dans une édition établie par Odile Bombarde et Patrick Labarthe, paraîtra le premier tome de la Correspondance d’Yves Bonnefoy (2) : un volume de 1154 pages, la réunion de plus de 900 lettres échangées au lendemain de la seconde guerre mondiale. On trouvera dans ce premier recueil des lettres d'aînés comme André Breton, Gilbert Lely et Pierre Jean Jouve. Les maîtres d'Y. Bonnefoy, Gaston Bachelard, Jean Wahl, André Chastel. Le comité de rédaction de la revue L'Éphémère, André du Bouchet, Gaëtan Picon, Jacques Dupin, Louis-René des Forêts, Paul Celan. Ses amis poètes, Philippe Jaccottet, Claude Vigée, André Frénaud, Georges Henein. Ses amis peintres, Pierre Alechinsky, Christian Dotremont, Hans Bellmer et Raoul Ubac. Des traducteurs, des écrivains, professeurs ou critiques comme Michel Butor, Pierre Klossowski, Mandiargues, Jean-Pierre Richard, Boris de Schloezer et Henry Corbin.

Après quoi, dans le courant de l’année 2019, un second chantier de grande importance s’achèvera : cinq chercheurs  de grande compétence - Odile Bombarde, Patrick Labarthe, Daniel Lançon, Patrick Née et Jérôme Thélot - établiront pour la Pléiade / Gallimard l'appareil critique d'un premier volume des Œuvres d’Yves Bonnefoy, principalement ses recueils de poésie, ainsi que certaines proses comme celle de L'Arrière-Pays.

Cette nouvelle donne qui concerne étroitement Yves Bonnefoy ne pourra pas faire oublier la perception que l'on peut avoir quant à l'immense travail que déploient au sein d'Europe les équipes et les responsables de numéros remarquablement coordonnés par Jean-Baptiste Para. Après le cahier Roland Dubillard / Arthur Adamov, après Yves Bonnefoy, la revue Europe qui publie sept fois par an, annonce des numéros à propos d'Heiner Müller et d'Hubert Lucot. Ensuite, les complices de Para publieront des ensembles autour de Georges Didi-Huberman, de James Sacré et de Roberto Bolano.

Alain Paire

1. Revue Europe, Mars 2018, n° 1067, cahier Yves Bonnefoy, couverture de Gérard Titus-Carmel, textes de Michèle Finck, Philippe Jaccottet, François Lallier, Jean-Michel Maulpoix, Yves Leclair, Jean Marc Sourdillon, Pierre Dhainaut, Yves Bonnefoy, Jérôme Thélot, Pierre Brunel, Béatrice Bonhomme, Dominique Combe, Tatiana Victoroff, Sophie Guermès, Patrick Werly, Patrick Née, Patrick Labarthe, Alain Madeleine-Perdrillat, Daniel Lançon, Michela Landi, Pierre Huguet, Stéphane Michaud, Jean-Pierre Lemaire, Odile Bombarde, Gérard Titus-Carmel, Jean-Yves Masson et Michel Deguy.

2. Yves Bonnefoy, Correspondance, Tome 1, texte établi par Odile Bombarde et Patrick Labarthe, Les Belles-Lettres, 2018, 1156 p., 26,90€